Бытовая культура итальянского Возрождения: У истоков европейского образа жизни

Блюдо с изображением оленя. 1480–1490. Музей Виктории и Альберта, Лондон

В эпоху Возрождения производилась посуда из разных материалов. Самым распространенным типом была майолика — глиняная посуда с различного типа росписью. Существовали чисто декоративные изображения с различными видами орнамента. Традиционными декоративными мотивами, украшающими посуду, были изображения театральных масок, играющих дельфинов. Но больше всего ценились изображения животных фигур или изображения на сюжеты античной мифологии или истории. Такой тип керамики назывался историческим — istoriato. Характерной особенностью итальянской майолики было изображение на блюдах или бокалах фамильного герба, который свидетельствовал о принадлежности этой посуды определенной семье. Такие гербы мы видим на тарелках, кувшинах и мисках флорентийской семьи Сальвитати.

Форма сосудов определялась их назначением. Например, существовали сосуды для вина, масла и уксуса. Чтобы отличить их, на донышке сосудов писались буквы OIO (для масла) или ASE (для уксуса). Бокалы для вина были различной формы, использовалась форма животных, музыкальных инструментов, частей человеческого тела, например, стопы.

Мастерская Сальвиати. Блюдо с гербом семьи Гонди. 1486.

Музей Виктории и Альберта, Лондон

Помимо керамической посуды существовала посуда из серебра. Из него производились тарелки, ложки, вилки для фруктов. Эта посуда была дорогой и доступной лишь для фамильного употребления. Но в употреблении была также дешевая оловянная посуда, которая была не очень изящной, но зато практичной. Широко использовалась и посуда из стекла. Следует отметить, что изготовление посуды из стекла составляло одну из важнейших особенностей Италии, в особенности Венеции. Венецианское стекло издавна высоко ценилось во всех странах Европы и было предметом экспорта. До конца XIII века в Венеции производился только один вид посуды — бутылки из цветного стекла с гербом Венеции. В 1271 году венецианские власти издали документ «Capitolare», гарантирующий привилегии членам гильдии, производившим стеклянную посуду. Этот документ стимулировал стекольное производство. На одном из островов близ Венеции, Мурано, был основан центр стекольного дела. Вскоре там работало около трех тысяч ремесленников. Документы сохраняют имена художников по стеклу, которые работали в Мурано в конце XIII — начале XIV века: Грегорио Наполи, Бартоломео Зара, Донино. В период Возрождения венецианское стекло получает высокое художественное качество. Появляются разнообразные формы стекла — свадебные бокалы с портретами жениха и невесты, кубки с изображением Венеры и эротов, голубые и зеленые бокалы, инкрустированные золотом или эмалью.

Бокал из венецианского стекла. Около 1480.

Музей Виктории и Альберта, Лондон

Золотой век венецианского стекла относится к XVI столетию. К этому времени относятся работы мастера по стеклу Анджело Барови, который открыл новую художественную технологию. Он стал создавать изящные прозрачные бокалы, которые назывались cristallo или cristallino, так как они напоминали своим видом природные кристаллы. Технология венецианского стекла постоянно совершенствовалась и усложнялась, открывая новые выразительные возможности, заложенные в стекле. В последующем, при производстве чистого кристаллического стекла стали употреблять тонкую, филигранную технологию. В результате появилась техника vetro a fili, использующая параллельные линии горизонтальной, вертикальной или спиралевидной формы. К этому добавилась техника, при которой линии сложно переплетались друг с другом — vetro a retorti. Все это придало чистому стеклу орнаментальное богатство, игру линий. В технике филигранного стекла работали братья Филиппо и Бернардо Серена. В конце XVI века форма сосудов усложняется, ей придаются змеевидные линии или формы, напоминающие крылья.

Мастера венецианского стекла работали не только в Мурано. Их приглашали в Милан, Неаполь, Флоренцию. Их произведения широко экспортировались во Францию, Венгрию, Англию, Голландию, Германию. Современная художественная промышленность, в особенности производство стеклянной и керамической посуды, сохраняет лучшие традиции искусства Возрождения.

В украшении ренессансного дома известную роль добавляли предметы, привезенные из Ближнего Востока: серебряные и золотые кувшины, блюда, подсвечники, позолоченные круглые щиты различного цвета с орнаментальным рисунком. Но главным предметом экспорта с Востока были ковры. Их привозили из Турции, Египта, Ирана. На Востоке ковры обычно покрывают полы. В Италии ковры приобретают многие функции: они декорируют стены, покрывают письменные столы, сундуки, ими занавешивают окна. Этот ориентальный момент ренессансного дома хорошо изображен в живописи. Ковры, как декоративный момент присутствуют в полотнах Ганса Гольбейна, например, в его картине «Послы». Но восточные мотивы были только элементом в убранстве дома, стиль которого носил национальный характер.

Все эти предметы, украшающие ренессансный дом, создавали обстановку комфорта, удобства и тщательно продуманной декоративности. Они демонстрируют тесную связь искусства и ремесла, утилитарной и художественной функции, пользы и красоты. Это еще раз показывает, как быт превращался в элегантное художественное произведение.

3. Бронзовые украшения в доме

Ренессанс всегда гордился своим античным прошлым. Что досталось ему от культуры Римской империи? Гигантские базилики, Колизей, триумфальные арки и много чего величественного, грандиозного, но совершенно непригодного для жизни. Это была огромная свалка, которую трудно было использовать. Ранние гуманисты стали собирать древние монеты, саркофаги, фрагменты античных скульптур, оружие. Все это собиралось коллекционерами и сваливалось в общую кучу в специальных комнатах в богатых домах вместе со старинными книгами, музыкальными инструментами и пр.

Мастерская Северо да Равенна. Бронзовые канделябры. 1510–1530.

Музей Эшмолиен, Оксфорд

Но есть одна область ренессансного искусства, которая прочно поселилась в домах и стала видом антикизированного искусства. Это — мелкая бронзовая пластика, область, в которой ренессансные мастера проявили замечательную изобретательность, элегантность и одновременно практическое применение. В XVI веке стало популярным в различных городах Италии создавать уменьшенные копии известных римских скульптур. Ренессанс следовал за римской традицией, в которой изделия из бронзы тоже очень ценились. Плиний в «Естественной истории» упоминает, что император Нерон никогда не расставался с бронзовой фигуркой амазонки.

Центром бронзовой скульптуры была Равенна. Здесь существовала мастерская Северо да Равенна, который, проработав в начале XVI века десять лет в Падуе, вернулся в свой родной город, и полвека занимался изготовлением бронзовых украшений, пока мастерская не перешла в руки его сына Никколо. Северо принадлежит замечательная скульптура, получившая название «Спинарио». На ней изображен сидящий мальчик, который вынимает из ноги занозу. Римский оригинал этой скульптуры был хорошо известен, и он породил многочисленные подражания в более позднее время.

Северо создал уменьшенную копию римской статуи. На самом деле, она представляет чернильницу. В стоящую перед мальчиком натуральную раковину наливали чернила, а перья втыкали между пальцами руки мальчика. Впрочем, статуэтка могла использоваться и просто как декоративное украшение в доме.

Северо принадлежат также изумительные по дизайну бронзовые подсвечники. Очевидно, его мастерская наладила массовое производство подобных бронзовых украшений, так как похожие подсвечники сегодня находятся — один в Равенне, в другой — в музее Эшмолиен, Оксфорд. Подсвечник представляет фигуру сирены, которая сидит на когтистой лапе орла и поддерживает руками два подсвечника, стоящие на ее хвосте. Скульптура поражает уравновешенностью вертикали и горизонтали, античный мотив превращается в сложную композиционную модель.

В начале XVI века Гаспар Фантуцци из Болоньи заказывает бронзовую фигурку «Спящий Геркулес». Она представляет собой фигурку опьяневшего Геркулеса, который спит на земле, положив голову на мех вина. Античный образец подобной скульптуры неизвестен, но, быть может, мастер пользовался литературным описанием подобной композиции. Такая фигурка могла стоять на обеденном столе и сопровождать застольные возлияния.

Во Флоренции были популярны бронзовые изображения Марсия. Согласно античной мифологии, Марсий был увлечен музыкой и неплохо играл на флейте. Известна скульптурная группа Афина и Марсий, когда Афина выбрасывает свою флейту, обнаружив, что игра на ней уродует ее лицо. Марсий подбирает флейту, а Афина, обернувшись, пугает Марсия и он отклоняется назад. В этой позиции и изображен Марсий на знаменитой античной скульптурной группе. В такой позе же во Флоренции изображались небольшие фигурки неудачного музыканта-любителя, т. к. впоследствии Марсий вызвал на музыкальное соревнование самого бога Аполлона. И когда он проигрывал его, Аполлон снял с Марсия шкуру и повесил на дереве, и на ветру эта шкура издавала печальные звуки. Характерно, что во Флоренции сохранились не только бронзовые фигурки Марсия, но и их изображения на картинах, рисующих интерьер дома.

В Падуе в это время работал другой мастер по бронзе Андреа Бриоско (1470–1532), который получил прозвище «Риччо». Его тоже занимают мотивы античной мифологии. Замечательна его статуэтка «Сатир и Сатир и сатиресса», на которой обнимается любовная парочка с человеческим торсом и козлиными ногами. По инициативе Падуанского университета, который покровительствовал скульптору, специализировавшемуся на языческой тематике, Риччо сделал огромный бронзовый канделябр, в котором придал лампам вид венецианского военного корабля. Риччо принадлежит также статуэтка «Кричащий всадник», на которой изображен венецианский кавалерист, вооруженный мечом и одетый в легкую кольчугу и шлем.

Риччо имел много подражателей, которые создавали бронзовые скульптуры по античным моделями с античными сюжетами. Из мастерской Дезидерио да Фиренца вышла курительница, которая служила для того, чтобы создавать приятные ароматы, столь необходимые в большом флорентийском доме. В ней сжигались ароматические вещества и растения. Наверху ее восседает сатир, держащий в руках свирель Пана. Курительницу украшает голова Горгоны, а также многочисленные фигурки обнаженных путти, которые выглядывают отовсюду и даже служат ножками для этого оригинального ароматического аппарата.

Бенвенуто Челлини. Солонка. 1540–1543.

Музей истории искусств, Вена

Наряду с крупными произведениями, из бронзы делались и многочисленные произведения мелкой пластики: колокольчики, чтобы призывать слуг, дверные молотки с сиренами и путти. Необычная по композиции скульптурная группа изображала двух ящериц, нападающих на извивающуюся змею. Очевидно, что эта скульптура служила для бумаг, была своеобразным папье-маше.

Все это были предметы для украшения дома и для использования их в практических нуждах. Оригинальный характер имеет венецианский огнетушитель, приспособление для гашения огня. Он был создан в форме головы негритенка. В нее набиралась вода и через отверстие во рту вода могла заливать огонь. Такие огнетушители описывает в своем трактате об архитектуре Филарете, они обычно стояли у каминов рядом с инструментами для раздувания огня, которыми мы пользуемся и сегодня.

Все эти произведения из бронзы демонстрируют уникальное для эпохи Возрождения соединение утилитарных и эстетических функций предметов. Они служили на кухне, стояли у каминов, на письменных столах, служили чернильницами, прессами для бумаги, огнетушителями, и вместе с тем они являлись украшением дома, создавали в нем атмосферу, в которой быт превращался в произведение искусства.

4. Одежда и мода

Одежда имеет важное социальное предназначение, она указывает на принадлежность человека к определенному социальному слою или классу. Макиавелли в «Истории Флоренции» говорит: «Только бедность и богатство делают нас неравными: если все разденутся догола, то все станут равными. Только одежда делает нас благородными». Поскольку в эпоху Возрождения классовые различия быстро росли, то одежде придавали большое значение, так как она показывала и место каждого в системе социальной стратификации.

Не случайно, что уже в период Кватроченто особое место в обществе занимает профессия портного. По статусу 1415 года портные могли шить до 72 видов одежды для мужчин, женщин и детей. Среди этих видов особенное значение придавалось профессиональной одежде, так как для каждой профессии — банкира, врача, юриста, профессора, священника, рабочего — существовал определенный тип одеяний. Кроме того, значительное место занимала детская одежда. Помимо повседневной одежды, значительное место в гардеробе граждан занимала праздничная одежда, в особенности свадебная, которая составляла главную ценность приданого для женщин, готовящихся выйти замуж. На случай похорон надо было шить одежду, соответствующую траурному событию.

Поэтому у портных было много работы, и статистика свидетельствует, что многие представители этой профессии сколачивали к концу жизни неплохое состояние. Хотя профессия портного относилась к разряду ремесла, портные часто переходили в разряд свободных профессий, близких к искусству. К их имени часто добавляют звание — маэстро. Портной становится предметом внимания искусства. На картине Д. Б. Морони «Портной» (1560; Национальная галерея, Лондон) изображен такой «маэстро» с ножницами в руках и куском ткани. Чтобы сделать выкройку, ему надо было отлично знать геометрию. И конечно, надо было обладать вкусом художника, чтобы выразить характер и природные данные заказчика.

Франческо дель Косса. Март. Деталь. Около 1470.

Из цикла «Месяцы». Палаццо Скифанойя, Феррара

Очевидно, престиж этой профессии быстро рос. Портные были под контролем системы гильдий как представители квалифицированных ремесленников, наряду с золотых дел мастерами и др. Гильдии устанавливали оплату их труда на городском рынке. Но портные, работающие для богатых семейств, зарабатывали солидные деньги и имели престиж в обществе. Известно, что портной, обслуживающий семью Медичи, писал письма ее главе — Лоренцо Медичи, и тот отвечал на них. К тому же, работая над женским платьем, им приходилось использовать различные украшения — золото, драгоценности, кружева. Поэтому им приходилось знать и другие профессии. Богатые семьи, включая Медичи, оказывали патронаж тем портным, которые работали на них.

Одежда и мода всегда зависят от материалов, из которых она делается. Итальянцы в XIV веке располагали самыми разнообразными видами текстиля, из которого шилась одежда. Вряд ли в эту эпоху они уступали в этом какой-то другой нации. В это время они были законодателями моды, Франция, Германия и Англия равнялись на них и закупали итальянскую продукцию.

В эпоху Возрождения Италия была центром производства различного текстиля в Европе. Здесь производились различные материалы — хлопок, шерсть, шелк, лен, бархат, атлас. Из этих материалов самым дешевым и распространенным был лен. На втором месте стоял хлопок, но он употреблялся в более богатых домах. Впрочем, чистое полотно использовалось редко. Чаще всего хлопок или лен расшивали шелком и создавали богатую декоративную гамму рисунков. До нашего времени дошли такие расшитые «полотенца из Перуджи», где сочетались лен и хлопок.

Главное назначение текстиля состояло в украшении дома и создании модной одежды. Различного сорта материалы служили для декорирования интерьера: стен, постелей, лежаков. Известно, что в доме богатой флорентийки Камиллы Магалотти находилось 540 метров текстиля. Только на декорирование ее кровати, на покрывало и балдахин ушло 16 м голубого льна, три рулона бархата и шерсти. Все остальное хранилось для пошива рубашек и платьев.

Ткани шли на пошив различной одежды. Анализ закупочных счетов показывают, что плата за ткани составляла чуть ли не главную статью семейных расходов. Например, Луиджи Каппони в 1570 году заказал в Неаполе 58 килограммов полотна исключительно на нужды семьи. Полотно шло на изготовление носовых платков, полотенец, салфеток, скатертей. Все эти предметы носили, помимо прямого функционального назначения, исключительно элегантный и декоративный характер.

В XV веке во Флоренции одежда стоила довольно дорого. В ее цену входила стоимость материала, из которого она была пошита, работа портного, различного рода вышивки и украшения. Тонкая шерсть во Флоренции в XV веке стоила 3 флорина за метр, а вельвет, расшитый серебром или золотом, стоил до 20 флоринов за метр. Для сравнения приведем годовую зарплату представителей различных профессий. Юрист с именем получал от 200 до 500 флоринов в год, столько же мог получать знаменитый профессор университета, но годовая оплата рядового профессора равнялась 75–100 флоринов в год. Руководитель банка получал от 100 до 200 флоринов, архитектор — 100 флоринов, портной — 60 флоринов, строитель — 60 флоринов, ткач — 43 флорина, плотник — 36 флоринов, неквалифицированный рабочий — 27 флоринов.

Счета на одежду богатых людей тщательно фиксировались, поэтому известно, сколько они тратили на свою одежду. Например, Лоренцо Медичи в 1515 году затратил следующую сумму на свой гардероб: 3385 флоринов на одежду, 1278 — на меха, 67 — на вышивку, 43 — на обувь, 40 — на чулки, 35 — на портных, 20 — на шляпы. В общей сумме 5054 флоринов 89 сольди и 5 денарио — огромная по тем временам сумма.

Напротив, для бедных людей, например для слуг, рекомендовалось носить короткую одежду, стоящую дешево. В 1332 году даже вышел специальный указ, запрещающий служанкам носить длинное платье, достигающее земли — слуги всегда должны быть на виду.

При изготовлении предметов домашнего быта широко применялись кружева и вышивки. Это придавало утилитарным предметам типа салфеток или скатертей исключительно художественный характер.

В богатых домах чаще употреблялись такие материалы, как шерсть или шелк. Здесь покрывала на постель или скатерти имели богато расшитую бахрому с растительными или гротескными узорами. Теплая одежда шилась из шерсти, отороченной кожей или мехом. Из кожи, расшитой богатым рисунком, шились мужские камзолы, остроконечные шляпы кроились из замши.

Основное направление итальянской моды было связано с прилегающим силуэтом одежды, дающим максимум свободы в движении. Мужская одежда состояла из нескольких частей, в которые входили сорочка, колет, чулки-штаны, мягкая кожаная обувь. Сорочка из белого полотна доходила до бедер, она имела пышные буфы. Горловина сорочки, отделанная кружевами, была овальной или прямоугольной формы. Итальянские кружева были популярны во всем мире. Цезаре Вичеллио издал сборник рисунков кружев, которые широко использовались по всей стране.

Поверх сорочки надевался колет — верхняя плечевая одежда со стоячим воротником, длинными рукавами, которые не пришивались, а привязывались, что помогало свободе движения. На плечах рукава прорезались, и в образовавшиеся щели выдвигались складки сорочки, что создавало пышные буфы. На ноги и бедра надевались чулки-штаны, которые привязывались к колету. Порой одна штанина была гладкой, другая полосатой. К штанам привязывался также гульфик.

Бархатный колет. Конец XVI века. Музео-Стибберт, Флоренция

Верхнюю одежду составляли симара или табар, представляющие собой нечто вроде длинного плаща. Замужние женщины часто укрывались накидками в виде плаща, которые назывались mantello.

В общем, одежда мужчин в XV веке была простой, от излишней яркости и претенциозности отказывались. Только в XVI веке, когда законодательницей моды становится богатая Венеция, появляется тенденция к роскоши. Одежду начинают шить из черного бархата, с цветными буфами, которая украшались цепями на шее.

Женская одежда тоже стремилась подчеркивать линию фигуры. Поверх простого нательного платья (gamurra) надевалась более изысканная верхняя одежда с длинным шлейфом и длинные декоративными рукавами, которые тоже привязывались к верхней одежде. Во Флоренции существовало 14 типов рукавов. Некоторые из них отличались экзотикой, напоминая крылья, опускающиеся до самой земли. Женщин в таких одеяниях любил рисовать художник Пизанелло (см. илл. на с. 65). Женская одежда отличались изысканностью, она декорировалась кружевами, драгоценностями, бусами, позолоченными поясами, браслетами, кольцами. Кружева украшали также пояс, перчатки, воротник платья.

На голову женщины предпочитали надевать чепцы, шляпы, тюрбаны, береты. Особую популярность имели головные уборы под названием куффаи, которые часто расшивались жемчугом. На ноги надевались туфли, декорированные шелком или бархатом. Все это должно подчеркивать и выделять характер женской красоты.

Доменико Гирландайо. Встреча Марии и Елизаветы. Деталь.

Роспись капеллы Торнабуони в церкви Сайта-Мария-Новелла, Флоренция

Мода приспосабливалась к месту и возрасту человека. Пожилые и молодые люди носили различную одежду. Специальная одежда шилась для детей. Первоначально детская одежда создавалась из той одежды родителей, которую, укоротив, можно было использовать для детей. Но затем для детей шили специальную одежду, которая имитировала одежду взрослых. Различие заключалось только в названии. Так, детская шапочка называлась капучетто, а детский плащ — мантеллино и т. д.

Одежда часто делилась «для дома» и «для виллы», разделение городской и деревенской культуры касалось и одежды. Одежда для загорода была попроще, одежда для дома была изысканней, в ней преобладали украшения, она шилась из шелка или бархата.

Витторе Карпаччо. Две дамы венецианки. Музей Коррер, Венеция

Одежда, более чем что-либо другое, выражает характер ренессансного быта, представления о красивом, элегантном, изящном. Правда, не так уж много образцов одежды этого времени сохранилось до нашего времени. Но зато великолепие и разнообразие этой одежды демонстрирует ренессансное искусство, в особенности портрет. Первое, что бросается в глаза, когда знакомишься с портретом, это отсутствие стереотипа, постоянное стремление к индивидуальному костюму или платью. «Одеяния, изображаемые итальянскими живописцами, в целом прекраснейшие и удобнейшие из всего того, что носили в Европе; однако мы не можем судить, насколько они представляют господствующую моду и точно ли они воспроизведены. Вне сомнений лишь то, что нигде не придавали такого значения одежде немаловажное условие полноты личности. Во Флоренции был один момент, когда костюм представлял собой нечто индивидуальное, так как каждый изобретал свою собственную моду; еще в XVI столетии встречались выдающиеся личности, которые отваживались на то же; прочие же по крайней мере умели и в господствующую моду вложить нечто индивидуальное. Когда Джованни делла Каза предостерегает от чрезмерно броского, от нарушения общепринятой моды — это уже признак упадка Италии»[30].

Беноццо Гоццоли. Свита царя-волхва Балдассара. Деталь.

Роспись входной стены Капеллы волхвов. Палаццо Медичи-Риккарди, Флоренция

Отношение к одежде было самым серьезным. В Венеции и Флоренции существовали предписания, как одеваться мужчинам и женщинам. Но очевидно, что эти предписания нарушались. Каждый стремился найти свой индивидуальный стиль. При этом часто преступались сословные и классовые барьеры. Не случайно, постоянно раздавались голоса о том, что богатых и простых горожан невозможно различить по платью. Тем не менее к голосу морали прислушивались. В начале XVI века Джованни делла Каза издает книгу «Галатея» — свод правил о том, как вести себя в обществе, как одеваться, как общаться между собой и т. д. Чистоплотность фигурирует в ней как одно из важнейших правил общежития.