Мистическое искусство: скрытые смыслы и спорные теории

В 1922 г., к трехсотлетию со дня рождения немецкого писателя Ганса Гриммельсгаузена (1622–1676), национальный банк Германии выпустил серебряную юбилейную монету в пять марок. На монете красовался рисунок с обложки самого известного произведения писателя – плутовского романа «Похождения Симплициссимуса» (1668). Он изображал невиданное существо, опоясанное шпагой, с рыбьим хвостом, птичьими крыльями и лапами, одна из которых была утиной, а другая – козлиной. Больше всего этот монстр напоминал черта…

«Бесовские» сюжеты характерны и для старинных пивных этикеток. Среди них – и чертенята, гарцующие на черных козлах, и сам Сатана… Даже названия пива говорят сами за себя: Old Nick, Lucifer…

Дело в том, что в эпоху Средневековья пиво считалось непростым напитком. В состав некоторых его сортов даже входил корень мандрагоры, который используется для приготовления многих магических зелий. Жители Западной Европы верили, что пиво способно превращать ведьм в диких животных, которые нападают на одиноких путников. А в Канаде была выпущена марка с изображением вервольфа – оборотня.

Не стоит думать, что чертовщина кого-то отталкивает. Деньги, марки и этикетки с подобными рисунками пользуются устойчивым спросом у коллекционеров, как и все оригинальное. В конце концов, это тоже часть нашего исторического наследия…

Что лежит под «Черным квадратом»?

«Черный квадрат» русского художника польского происхождения Казимира Малевича – наверное, самое упоминаемое в мире произведение живописи, причем упоминаемое в самых разных контекстах.

Картина изначально являлась частью триптиха, в который входят также «Черный круг» и «Черный крест». Эти работы относят к направлению «супрематизм». Термин возник, как предполагается, по аналогии с «супраморализмом» философа-космиста Н.Ф. Федорова и трансформировался из «супранатурализма». Как пишет историк искусства Е.Ф. Ковтун, Малевич попытался взглянуть на Землю из космического пространства, где нет таких понятий, как «верх» или «низ», «лево» или «право», зато присутствует универсальная мировая гармония. Цвет в этом пространстве также метафизически «очищается».

Считается, что у Малевича были предшественники. Один из них – английский философ-мистик и астролог XVII в. Роберт Фладд, который в своем трактате Utriusque cosmi maioris scilicet et minoris Metaphysica, physica atque technica Historia (1617) с помощью черного четырехугольника проиллюстрировал первозданную темноту Вселенной перед рождением мира.

Кроме того, черный вертикальный прямоугольник дважды встречается на страницах книги английского писателя Лоренса Стерна «Жизнь и мнения Тристрама Шенди, джентльмена» (1760). Также с рисунка черного четырехугольника начинается книга-альбом Гюстава Доре «Живописная, драматическая и карикатурная история Святой Руси на основании текстов хроникеров и историков Нестора, Сильвестра, Карамзина, Сегура и т. д. в 500 рисунках с комментариями» (1854). Интересно, что эта книга, вышедшая во Франции, в России была запрещена.

Наконец, в 1882 г. французским журналистом, писателем и художником абсурдистского толка Альфонсом Алле была написана монохромная картина «Битва негров в пещере глубокой ночью», представлявшая собой полотно, заполненное сплошным черным цветом, напоминающее по форме все тот же квадрат.

В декабре 1913 г. в петербургском луна-парке состоялась постановка оперы М. В. Матюшина «Победа над Солнцем». Декорации и эскизы костюмов к ней делал Малевич. Вместо солнечного круга в спектакле фигурировал квадрат, наполовину закрашенный черным: это был первый его «выход» на публику. По замыслу художника, таким образом выражалась победа активного человеческого начала над пассивным природным. Впоследствии Малевич неизменно сопровождал свою картину таким комментарием: «Основной супрематический элемент. Квадрат. 1913», хотя фактически полотно было создано в 1915.

В качестве картины «Квадрат» впервые был продемонстрирован на футуристической выставке «0,10», открывшейся 19 декабря 1915 г. (1 января 1916 г.) в Петрограде, в Художественном бюро Н.Е. Добычиной. Под «супрематические» работы, а всего их на выставке было 39, отдали целый зал, где самое видное место, так называемый «красный угол», занимал «Черный квадрат». Там же экспонировались «Черный круг» и «Черный крест»: вместе все они представляли собой три основных элемента супрематической системы.

Черный квадрат на белом фоне символизировал собой начало беспредметности и конец для художника традиционного предметного мышления. Черный цвет сводил все цвета к «нулю». Черное на белом представало, по задумке автора, «пустыней небытия».

Название выставки тоже было связано с работами Малевича. «0» означало попытку свести все к нулю, а «10» соответствовало предполагаемому числу участников.

Впоследствии Малевич выполнил еще три варианта «Черного квадрата», которые различаются по рисунку, фактуре и цвету. Подлинник 1915 г. размером 79,5 на 79,5 см хранится сегодня в Третьяковской галерее. Второй «Черный квадрат» вместе с дублями «Черного круга» и «Черного креста» был написан в 1923 г. и экспонировался на биеннале в Венеции. Его размеры – 106 на 106 см. Впрочем, принято считать, что картины создали ученики Малевича – Анна Лепорская, Константин Рождественский и Николай Суетин, а сам художник лишь руководил процессом. В марте 1936 г. вдова художника Наталия Малевич передала эти работы вместе с другими 80 полотнами мужа в Русский музей.

Третий вариант картины от 1929 г. является почти точным повторением первого. Он был написан Малевичем для своей персональной выставки в Третьяковке. Как гласит легенда, «переписать» полотно художника попросил тогдашний заместитель директора музея Алексей Федоров-Давыдов, поскольку оригинал 1915 г. находился в плохом состоянии (на нем проявились кракелюры). Малевич работал над картиной прямо в галерее и позволил себе лишь незначительное отступление от пропорций, чтобы полотна не выглядели совсем уж идентичными.

Четвертая версия «Квадрата» предположительно была создана в 1932 г. Ее размеры составили 53,5 на 53,5 см. О ней стало известно при весьма загадочных обстоятельствах. В 1993 г. некий неустановленный человек сдал картину в самарское отделение Инкомбанка как залог за кредит. Вероятно, проводилась какая-то экспертиза, подтвердившая подлинность полотна.

Впоследствии владелец картины так и не объявился, и она перешла в собственность банка. В 1998 г. банк разорился, и «Квадрат» был выставлен на аукцион. Однако вмешалось российское правительство, и лот сняли с открытых торгов. В итоге его приобрел за 1 млн. долларов США российский миллиардер Владимир Потанин, передавший шедевр в Эрмитаж.

Малевич также выдвигал идею так называемой «супрематической обрядности», тогда как традиционная обрядность для него «принадлежала к миру предметного мышления». Он писал о том, что обрядность помогает искусству «встать рядом со смертью». Но способен на это только супрематизм, который «настолько абсолютен, что он один может выразить сущность мистических ощущений».

Художник считал, что согласно супрематическому обряду на могиле должен быть установлен в качестве памятника «белый куб с квадратом». Именно он будет наилучшим образом символизировать вечность. «Он не спорит ни с природой, ни с лесом, ни с небом, – пишет Малевич. – …Найдена абсолютная форма, которая не может развиваться, двигаться».

В своем завещании художник просил кремировать его (в акте кремации он видел «космическое зрелище», это соответствовало его идее беспредметности) и затем похоронить не на кладбище, а посреди открытого пространства, в окружении природы. Специально для этих целей сделали саркофаг с изображением черного квадрата и круга. От изображения креста решили отказаться, так как все же он являлся религиозным символом и был слишком уж «определенным».

В то же время Малевич хотел, чтобы гроб был выполнен по особому образцу, в котором его прах мог бы принять форму креста. Он говорил о «жесте распахнутых рук, с которым надо принимать смерть, распластавшись на земле и открываясь небу…». Однако столяр, занимавшийся изготовлением гроба, отказался выполнять этот заказ, сославшись на то, что технически это крайне сложно.

Черный квадрат стал символом жизни и смерти художника, скончавшегося в мае 1935 г. Во время проходившей в Ленинграде гражданской панихиды картину повесили на стену в изголовье гроба. Это была версия 1923 г. На белом холсте, покрывавшем тело покойного, был нашит все тот же символ. Его нарисовали и на крышке гроба ближе к изголовью.

В ходе похоронной процессии на капоте грузовика, перевозившего гроб по Невскому проспекту от Морской улицы до Московского вокзала, также красовался черный квадрат. Был он начертан и на стене вагона поезда, перевозившего останки Малевича в Москву. Еще одна гражданская панихида состоялась в Донском монастыре. На этот раз черный квадрат укрепили среди цветов на трибуне.

После кремации прах художника захоронили в поле близ подмосковной деревни Немчиновка. Как и завещал Малевич, над его могилой установили белый деревянный куб с изображением черного квадрата.

Увы, в годы войны могила художника была уничтожена. В общем-то тоже довольно символично… В наши дни на этом месте выстроен жилой комплекс, а в районе предполагаемого захоронения установлен памятный знак: на постаменте укреплен белый бетонный куб с красным квадратом на лицевой стороне. В Немчиновке теперь есть улица Малевича.

Неоднократно выдвигались предположения, что под верхним слоем картины «Черный квадрат» могут скрываться другие изображения. Но проверить эту версию удалось лишь в 2015 г. Как ни странно, она подтвердилась: метод рентгеноскопии показал, что под «Квадратом» из Третьяковки находятся два цветных изображения. Самый нижний слой представлял собой кубофутуристическую композицию, над ней располагалась еще одна композиция, идентифицированная как протосупрематическая. По ее краю шла надпись, сделанная черным карандашом по высохшему слою белил и состоящая из трех слов. Ее расшифровали как «Битва негров в темной пещере». Бесспорно, она является отсылкой к уже упомянутой здесь работе Альфонса Алле. Интересно, что, судя по размещению замазанной надписи, «Квадрат» в галерее был повешен «вверх ногами».

Кстати, сотрудники и посетители Эрмитажа, где находится версия «Черного квадрата» за 1932 г., убеждены, что полотно обладает мощным воздействием на людей: одним при взгляде на него становится так плохо, что они теряют сознание, а другие, напротив, приходят в сильнейшее возбуждение… Мистика искусства!

Портрет Чарли Мэнсона, написанный кровью

В ноябре 2017 г. в Бейкерсфилде (Калифорния) скончался 83-летний Чарльз Мэнсон – бывший глава американской секты «Семья», жестоко убившей нескольких человек, среди которых была беременная жена знаменитого режиссера Романа Полански Шарон Тейт.

В тюрьме Мэнсон провел 48 лет и умер от тяжелого заболевания желудочно-кишечного тракта. Спасти его могла только операция, но врачи решили, что старик не перенесет хирургического вмешательства.

Останки умершего после долгих перипетий передали американцу Джейсону Фримену, назвавшему себя внуком Мэнсона. Фримен отдал распоряжение о кремации тела. 17 марта 2018 г. в калифорнийском городе Портервиль состоялась символическая церемония захоронения. На ней присутствовали более 20 человек – тех, кто называл себя друзьями и близкими покойного. Прах убийцы развеяли в ближайшем лесу над ручьем.

Личность маньяка-убийцы и его смерть стали источником вдохновения для американского художника Райана Алмайти.

Алмайти прославился тем, что рисует полотна, подмешивая в краску собственную кровь. Впрочем, экстравагантных личностей среди живописцев много, и идея совсем не нова. Но художник пошел еще дальше: он решил нарисовать портрет Мэнсона, используя, помимо крови, еще и пепел, оставшийся после кремации преступника. По-видимому, после процедуры развеивания часть его некоторые забрали себе. Среди них был и Алмайти… По другой версии, в тот день был сильный ветер и часть пепла при развеивании просто сдуло на участников церемонии, а Алмайти этим воспользовался…

Через какое-то время художник нарисовал портрет умершего преступника, примешав к краскам свою кровь и пепел, оставшийся от кремации. Недавно картина была продана за 2 тыс. долларов Заку Багансу, который является владельцем лос-анджелесского музея паранормальных вещей.

Баганс уверяет, что портрет работы Алмайти обладает некими паранормальными свойствами (правда, он не уточняет, какими именно). Понятно, что желающих посмотреть на необычное произведение искусства предостаточно.

Картины-пророчества

Если картины могут скрывать в себе тайные послания, неудивительно, что они могут и предсказывать будущее… В истории живописи известно по крайней мере несколько случаев, когда художникам удавалось описывать грядущие события.

Рок Кумской Сивиллы

Несвижский замок расположен в северо-восточной части города Несвиж (Минская область) и является одной из самых крупных архитектурных достопримечательностей Беларуси. У замка богатое историческое прошлое. В первую очередь он известен как резиденция князей Радзивиллов, владевших им с XVI в. и вплоть до начала Второй мировой войны.

Двенадцать больших залов дворца в Несвиже украшали королевская мебель, редкие персидские ковры, полотна именитых художников. Среди них была и картина Тициана «Кумская сивилла».

В конце XVIII в. в тихом и уютном Несвижском замке оказалась сиротка, племянница Радзивиллов – будущая графиня Агнесса Ланскоронская. Малышка была поражена богатым убранством покоев, но особенно ей нравилось смотреть на полотно Тициана, изображавшее удивительной красоты женщину с волосами цвета граната, со жгучими темными глазами и призывной улыбкой. Однажды девочке померещилось, что красавица с картины хочет ей что-то сказать. Но только наедине… Ночью она со свечой в руке приблизилась к полотну. Но при взгляде на незнакомку Агнессе что-то почудилось, она сильно закричала от страха и потеряла сознание. Сбежалась прислуга, но девочка так никому и не поведала о том, что довело ее до обморока.

Впоследствии маленькая графиня наотрез отказывалась переступать порог парадного зала. Ее тут же начинала бить дрожь, а на глазах выступали слезы. Вырвавшись от гувернантки, она убегала в свою комнату. Никакие уговоры и наказания не могли заставить ее вернуться в зал. О причине своих страхов она так никому и не сообщила.

Прошли годы. Подросток превратился в прелестную красавицу. К девушке посватался молодой человек, желавший породниться с богатейшим и знатнейшим семейством. В том самом парадном зале, где висела зловещая картина, собрались гости. Но невеста все не появлялась… Когда за Агнессой пришли, она объяснила, что смущается множества незнакомых людей. Княгиня Радзивилл все же внушила ей, что нужно взять себя в руки – ведь она принадлежит к славному и знатному роду! Наконец девица все же вышла к гостям, к тому времени переместившимся в столовую. В разгар веселья князь взял ее за руку, подвел к дверям пустого парадного зала, втолкнул внутрь и запер дверь. Ему казалось, что таким образом он избавит племянницу от навязчивых страхов. Девушка молила дядю выпустить ее, однако тщетно. Но вот из-за дверей раздался голос Агнессы: «Неужели вы не понимаете, что сивилла с картины напророчила мне гибель?!». Княгиня приказала мужу тут же открыть дверь. Радзивиллы вбежали в зал. Но было уже поздно. Раздался страшный грохот. Картина упала со стены и раскроила череп графини Ланскоронской…

Существует легенда о том, что Тициан перед смертью покаялся в том, что на одном из своих полотен изобразил «невиданного убийцу». До сих пор исследователи его творчества спорят, что художник имел в виду. Может, Кумская сивилла и есть таинственный убийца? И Тициан создал картину, несущую смерть?

Ренуар, рисующий будущее

Французский художник Пьер Огюст Ренуар (1841–1919), несомненно, обладал даром предвидения.

Еще в юности, выполняя заказы в художественной мастерской, Ренуар вдруг начал рисовать какую-то незнакомку. Ее лицо было у Венеры Милосской, которую он изобразил на фарфоровой вазе, у Марии-Антуанетты, профилем которой он расписывал фарфоровые тарелки. Хозяин требовал, чтобы он удлинил королеве нос, а то, мол, покупатели ее не узнают… Однако художник был непреклонен и продолжал рисовать августейшую особу со слишком коротким носиком. Тридцать лет спустя он встретил портниху Алин Шариго, которая стала его женой. У нее было то самое лицо…

Их сын, известный режиссер Жан Ренуар, рассказывал, что его отец часто рисовал портреты вымышленных людей, а потом он встречал их в реальной жизни. Он изображал детей, которые потом и в самом деле появлялись на свет, и их родители удивлялись, как их чада похожи на картины Ренуара. Задолго до рождения собственных детей художник изобразил их на холсте. Похоже, что он просто видел будущее, сам того не осознавая…

«Пир королей» как предвестие войны

Картина русского живописца Павла Филонова (1883–1941) «Пир королей» была написана в 1913 г. В кроваво-красных тонах 11 человек сидят у стола, среди них выделяются трое в верхнем левом углу, двое из них восседают на тронах, в том числе женщина, очевидно, королева. Двое находятся под столом, у ног шута свернулась собака, а на столе – маленький человечек или куколка… Большая часть персонажей обнажены. Фигуры по обе стороны от королевы, также обнаженной, скрестили на груди руки – жест, который часто используют властители. А руки самой женщины сложены в жесте, который повторяет сидящий под столом шут. На столе – рыба, которая, как считается, символизирует Христа. Чем-то эта сцена напоминает Тайную вечерю или даже жертвоприношение. Весельем тут и не пахнет.

У двоих на картине закрыты глаза, как у покойников. Впрочем, все присутствующие кажутся мертвыми. Либо они находятся в состоянии какого-то оцепенения, как будто чего-то или кого-то ждут… Может быть, нового властителя?

Известно, что изначально работа была выполнена в более светлых тонах. И персонажи в этой версии не напоминали мертвецов, они явно вели между собой какую-то беседу. В окончательной версии они безмолвны.

Интересно, что сам автор заявлял, что в день «страшного суда искусства» его картины решат участь человечества. Известно также высказывание художника из манифеста «Сделанные картины» (1914), что со временем люди будут приходить к его полотнам как к иконам.

По мнению близкого друга Филонова, поэта Велимира Хлебникова, «Пир королей» – это предсказание Первой мировой войны, которая началась в следующем, 1914 г. «Пир трупов, пир мести», – говорил Хлебников об этом полотне. Многие называют эту работу также «антипричастием». Хотя на самом деле «пир королей» (le festin des rois) – это устойчивое название, которым во Франции именуют окончание зимних Святок, совпадающее с православным Рождеством. Считается, что именно в этот день в Вифлеем явились три царя-волхва, которым было знамение о рождении Христа.

А вот какое описание дает этому творению мастера другой художник, Олег Покровский:

«Перед моими глазами была картина, которую я так хотел видеть. Огромный холст занимал почти всю стену. Кроваво-красные тона цвета запекшийся крови и разложения. В темном и глубоком подземелье, вокруг стола-жертвенника, застыли деспоты – короли смерти. Короли, вершившие мрачный обряд тризны по самим себе. Власть самодовлеющая и беспомощная, потерявшая свой смысл и свою цель. Традиция владычества, тоже умирающая».

Но на этом история картины не закончилась. Филонов умер от голода в блокадном Ленинграде 3 декабря 1941 г. И его тело прикрыли оказавшимся рядом полотном «Пир королей». Только через девять дней, которые труп пролежал в нетопленой квартире, Союз художников выделил доски для гроба. Их, по странному совпадению, было тоже девять.

Похоже, Павел Филонов предвидел не только войну, но и собственную смерть.

Предсказание Пикассо

В 1937 г. знаменитый французский художник испанского происхождения Пабло Пикассо (1881–1973) написал по заказу правительства охваченной гражданской войной Испании фреску «Герника», посвященную незадолго до этого состоявшейся бомбардировке одноименного города басков на севере страны. Добровольческое подразделение немецкого люфтваффе, легион «Кондор», сбросил на город с шеститысячным населением несколько тысяч бомб, уничтожив сотни людей!

Картина предназначалась для Всемирной выставки в Париже. На полотне огромных размеров, выполненном в манере кубизма и черно-белых тонах, изображены: женщина с мертвым ребенком; солдат с отрубленной рукой, сжимающий обломок меча; агонизирующая лошадь, нос и верхние зубы которой напоминают человеческий череп и над которой горит прозрачная лампочка в форме глаза… Голова быка с широко открытыми глазами в левом верхнем углу, по мнению некоторых экспертов, символизирует франкизм; лошадь – смерть, лампочка над ее головой – пытки или проклятие. Еще на картине присутствуют: мечущаяся птица; человек в античной маске с зажженной лампой в руках; охваченная пламенем фигура, в ужасе поднявшая руки. Справа – темная стена, в которой открыта дверь… Кстати, хвост у быка превращается в пламя, вместо языков у живых существ на картине – кинжалы, из меча в отрубленной руке солдата растут цветочные лепестки, а его рана похожа на стигматы.

Известно, что над этим довольно трудоемким произведением автор работал всего около месяца. Он тратил на работу над картиной по 10–12 ч в сутки.

Началась Вторая мировая война. Нацисты оккупировали Францию. В 1940 г. в квартиру Пикассо явились офицеры гестапо. В комнате на столе они заметили открытки с репродукциями «Герники». «Это сделали вы?», – спросили незваные гости. «Нет, это сделали вы», – ответил художник.

Сегодня считается, что «Герника» предсказала Вторую мировую войну и ужасы фашизма. Порой ее даже называют «самым важным произведением искусства двадцатого века». Кажется, бомбардировку города художник видел своими глазами, но это не так… Те, кому довелось увидеть картину, утверждают, что она вызывает ощущение тревоги и даже паники. А ведь Пикассо создал фреску задолго до того как нацизм стал угрозой для всего мира.

Проклятые полотна

Каждое произведение живописи (особенно оригинал) несет в себе частицы ауры художника и его моделей, а следовательно, оказывает определенное влияние на окружающий мир на уровне биополя… Поэтому вокруг творчества знаменитых художников ходит так много мистических слухов и преданий. Так, считается, что некоторые легендарные шедевры живописи способны отрицательно влиять на людей.

Рок натурщиков

Уже давно подмечено, что картины нередко воздействуют на судьбу натурщиков. И далеко не всегда положительно. Так, Лиза Герардини, предположительно запечатленная великим Леонардо да Винчи на портрете, известном как «Мона Лиза», как гласит легенда, умерла достаточно молодой – по одним источникам, ей было 28 лет, по другим – всего 24 года.

Великий фламандский живописец Питер Пауль Рубенс (1577–1640) часто рисовал свою жену, красавицу Изабеллу, и дочь. Первая умерла в 35 лет, вторая – в 12.

Второй супругой художника стала Елена Фоурменс. Когда они поженились, ей было 16, ему – за 50. Конечно, он тоже рисовал ее. Вскоре Елена стала вдовой… Не то все дело было в возрасте новобрачного, не то она обладала слишком сильной энергетикой, чтобы позирование могло как-то навредить ей.

Первая жена Харменса ван Рейна Рембрандта (1600–1669) Саския, также постоянно позировавшая мужу, скончалась в 30 лет от чахотки. Вторая – Хендрике Стоффельдс – также покинула этот мир достаточно рано. Также художник рисовал четверых своих детей, и трое из них умерли еще в младенчестве, а четвертый – Титус – дожил только до 27 лет.

У знаменитого испанского живописца Франсиско Гойи был роман с герцогиней Каэтаной Альба. Он постоянно рисовал ее портреты. И что же? Она умерла всего три года спустя после знакомства с художником, несмотря на то, что была намного моложе своего возлюбленного.

Итальянский живописец Амадео Модильяни (1884–1920) чаще всего рисовал свою возлюбленную Жанну Эбютьен, которая была его студенткой. Однажды Жанна выбросилась из окна и разбилась насмерть… Позировала ему в свое время и русская поэтесса Анна Ахматова. Правда, она скончалась в довольно преклонном возрасте, но ей довелось пережить смерти и аресты мужей и сына, нищету и забвение…

У Пабло Пикассо было несколько жен, и все они служили ему моделями. И что же? Одна из жен сошла с ума и умерла, две другие покончили с собой: одна повесилась, другая застрелилась.

В 1992 г. французский художник Рене Шарбонно работал над картиной «Жанна д’Арк на костре». В качестве натурщицы ему позировала студентка химического факультета Жанна Ленуа. На другой день после того, как картина была окончена, в университетской лаборатории, где в это время находилась лишь одна Жанна, начался пожар. Девушка сгорела заживо, подобно Орлеанской Деве, которую она изображала…

На знаменитой картине Карла Брюллова (1799–1852) под названием «Всадница» (1832) изображена гарцующая верхом на коне юная Джованнина Паччини, племянница итальянского композитора Н. Паччини. Сначала девочка воспитывалась в семье дяди, но после кончины родственника ее взяла к себе русская графиня Юлия Самойлова. Однако вместо блестящего будущего и выгодного брака девушку ждала совсем иная судьба: во время прогулки она упала с лошади и та затоптала ее. Может, дело было как раз в брюлловском полотне…

Наш отечественный художник Илья Глазунов (1930–2017) часто изображал на полотнах свою жену Нину Виноградову-Бенуа. И в один далеко не прекрасный день она выбросилась из окна… Так же, как и муза Модильяни Жанна Эбютьен.

В чем причина этих смертей и несчастий? Каким образом картина может влиять на человека, который на ней изображен? Одни считают, что все дело в энергетике самого художника, другие – в том, что на картины смотрит слишком много людей, которые могут желать зла тем, кто на них изображен. Третьи верят, что душа человека «входит» в портрет, и тот буквально высасывает из человека жизнь. Недаром в иудаизме и исламе изображать людей вообще запрещено. Существовал такой запрет и в первобытном обществе. Вероятно, не зря…

«Мона Лиза» – вампир?

«Мона Лиза», или «Джоконда», которая уже неоднократно упоминалась выше, – самое знаменитое и загадочное творение великого живописца эпохи Возрождения Леонардо да Винчи.

Например, никак не утихают споры о том, кто на самом деле изображен на портрете. По одной из версий, это жена флорентийского торговца Лиза Герардини дель Джокондо. По другим – трансвестит в женской одежде, мать художника, и наконец – сам художник, переодетый женщиной…

Немецкий искусствовед Магдалена Сеет пришла к выводу, что на картине изображена графиня Екатерина Сфорца, более известная как куртизанка по прозвищу Тигрица. Эта женщина имела троих мужей, 11 детей и множество любовников… Портрет графини, написанный итальянским художником Лоренцо ди Креди, когда ей исполнилось 25 лет, обнаруживает поразительное сходство с бессмертным шедевром да Винчи. Даже улыбка молодой куртизанки удивительно напоминает интригующую усмешку Джоконды. Правда, Леонардо написал «Мону Лизу» 15 лет спустя, когда Екатерине было уже 40. И на картине вроде бы изображена дама средних лет…

Впрочем, в искусствоведческой среде ходят слухи о том, что знаменитая «Мона Лиза» кисти да Винчи и его же «Джоконда» – это две совершенно разные картины.

Дело в том, что никто из современников великого живописца не видел портрет завершенным. Джорджо Вазари утверждает, что Леонардо работал над картиной четыре года, но так и не успел ее закончить. Однако портрет, выставленный сейчас в Лувре, полностью завершен.

Другой великий художник, Рафаэль (1483–1520), свидетельствует, что видел «Джоконду» в мастерской да Винчи. Он сделал набросок портрета. На нем натурщица позирует меж двух греческих колонн. На известном всем портрете колонны отсутствуют. Судя по источникам, «Джоконда» также была большего размера, чем известный нам оригинал «Моны Лизы». Кроме того, есть свидетельства того, что незаконченное полотно было передано заказчику – мужу модели, флорентийскому коммерсанту Франческо дель Джокондо. Затем она переходила по наследству из поколения в поколение.

На портрете же, называемом «Мона Лиза», изображена фаворитка герцога Джулиано Медичи Констанция д’Авалос. В 1516 г. художник привез это полотно с собой во Францию. До самой кончины да Винчи картина находилась в его поместье под Амбуазом. В 1517 г. она очутилась в коллекции французского короля Франциска I. Именно ее сейчас можно лицезреть в Лувре.

В 1914 г. один британский антиквар всего за несколько гиней приобрел на вещевом рынке города Бас изображение Моны Лизы, которое счел удачной копией творения Леонардо. Впоследствии этот портрет стал известен как «Айуорская Мона Лиза». Он выглядит незаконченным, на заднем плане – две греческие колонны, как в воспоминаниях Рафаэля.

Затем полотно попало в Лондон, где его в 1962 г. выкупил синдикат швейцарских банкиров.

Неужели между двумя разными женщинами существует такое сходство, что их перепутали? Или картина все-таки одна, а вторая – лишь копия, выполненная неизвестным художником?

Недавно два итальянских медика – пластический хирург Давид Лаццери и невролог Карло Росси – выдвинули предположение, что маэстро не закончил картину, так как у него была серьезно травмирована рука.

Портрет Джоконды действительно считается незавершенным. Официальная версия гласит, что художник работал над ним примерно с 1503 по 1505 гг. Бытует мнение, что Леонардо был амбидекстром, то есть одинаково хорошо владел правой и левой рукой. Однако для написания картин он обычно использовал правую руку.

Существует портрет да Винчи работы Джована Амброджо Финио, на котором правая рука художника закутана в складки одежды и расположена под прямым углом к туловищу, как на перевязи. При этом большой, указательный и средний пальцы на ней вытянуты, а безымянный и мизинец сжаты…

Большинство искусствоведов придерживаются гипотезы, что да Винчи перенес инсульт, который привел к парализации конечности. Однако Лаццери и Росси утверждают, что в случае инсульта на руке были бы сжаты не два пальца, а весь кулак. Кроме того, нет никаких свидетельств того, что маэстро страдал какими-либо неврологическими нарушениями, которые могли быть последствиями инсульта.

Что же случилось с мастером? По мнению медиков, положение руки указывает на травматическое повреждение локтевого нерва. Возможно, пожилой художник получил травму во время падения. Исследователи ссылаются также на запись в дневнике Антонио Де Беатиса, помощника кардинала Луиджи Д'Арагоны, который в 1517 г. навестил Леонардо и упоминал о том, что его рука «искалечена некоторым параличом».

Доктор Лаццери считает, что травма могла иметь место в 1505 г. и именно из-за нее да Винчи оставил многие свои полотна незавершенными. Среди них была и «Мона Лиза».

Еще в XIX столетии французский писатель Стендаль отмечал, что после долгого любования картиной у него приключился необъяснимый упадок сил… Работники Лувра, где сейчас висит полотно, рассказывают, что зрители нередко падают перед «Моной Лизой» в обморок. Кроме того, музейные служащие заметили, что, когда в зал не пускают публику, картина как бы тускнеет, а стоит появиться посетителям, как краски будто становятся ярче, а загадочная улыбка проступает более отчетливо… Парапсихологи объясняют феномен тем, что «Джоконда» – картина-вампир, она пьет жизненную силу человека… Может, ее жертвой стал и сам художник?

«Волхвы», несущие бесплодие

Голландский живописец Питер Брейгель-старший (ок. 1525–1569) пригласил в натурщицы для картины «Поклонение волхвов» (1564) свою двоюродную сестру. Именно с нее он писал Деву Марию.