100 вопросов – 100 ответов. Хрестоматия

В музыке ритмом называется последовательность длительностей звуков музыкального произведения. В музыке ритм достигает наибольшего многообразия, придавая неповторимый облик музыкальному произведению. Именно ритм позволяет нам сразу же узнать музыку такого известного танца, как вальс, едва только он зазвучит. Потому мы никогда не спутаем вальс с военным маршем, под который хорошо маршировать, но невозможно танцевать.

Часто музыка словно сама возникает из ритма. Композитор Иоганн Штраус, прозванный «королём вальса», говорил, что первые такты своего знаменитого вальса «Сказки Венского леса» он уловил в… ритмичном перестуке колёс кареты, в которой ехал.

Вот так равномерное постукивание и поскрипывание кареты превратилось в замечательное и любимое многими музыкальное произведение.

Почему нот семь?

Древнегреческий математик и философ Пифагор Самосский, живший около 570–500 годов до нашей эры, построил специальный музыкально-математический инструмент, названный им монохордом, что в переводе означает «однострун».

Инструмент представлял собой длинный ящик-резонатор для усиления звука, на ящик была натянута единственная струна. Под струной находилась подставка, двигая которую, Пифагор мог делить струну на части.

Пифагор

Прежде всего Пифагор разделил струну на две равные части. Сравнив высоту звучания целой струны и её половинки, он был поражён: целая струна и её половина звучали очень похоже, получилось удивительное созвучие. Струна, которая была вдвое короче, звучала значительно выше, но тем же тоном, что и целая струна. Словно один и тот же звук, рождённый одновременно высоким женским и низким мужским голосами.

Он поделил струну ещё на две части. Новая половинка струны дала тот же звук, сливающийся с предыдущими, только ещё более высокий. Словно к мужскому и женскому голосам присоединился и детский голосок, поющий ту же ноту.

Гораздо позднее расстояние между нижним и верхним тонами этого абсолютно ладного созвучия стали называть октавой, что на латинском языке означает «восьмая» или просто «восемь». Но почему именно восемь, а не шесть или девять?

Пифагор исследовал не только половинки струны. Он делил струну на три, четыре, пять равных частей… При этом он получал разные по высоте звуки. Эти звуки-тоны Пифагор расположил по высоте этакими ступеньками звуковой лесенки. И у древнего математика получилось, что в октаве уместились восемь звуков-ступенек . И эти восемь звуков, получившие впоследствии имена ДО – РЕ – МИ – ФА – СОЛЬ – ЛЯ – СИ и снова ДО, обязательно повторяются внутри каждой октавы. Этот ряд звуков – звукоряд – позже стал называться Пифагоровым строем, или Пифагоровым звукорядом.

Почему барабан круглый?

Барабан – пожалуй, самый популярный из всех ударных мембранных инструментов. Он и сегодня выглядит так же, как много столетий назад, и похож на отрезок большой деревянной трубы, концы которой обтянуты кожей. Мембрана этого инструмента натягивается на деревянное или металлическое кольцо. Раньше это делали при помощи верёвки и гвоздей, сейчас для натяжения кожи или синтетической плёнки используют специальные металлические винты.

Но почему барабан всегда круглый, а не квадратный или, например, не треугольный? Ответ очень прост. Оказывается, натянуть кожу равномерно можно только на круге .

Играют на барабане деревянными палочками с утолщениями на конце. С их помощью можно вызвать самые разные эффекты – от слабого шороха до раскатов грома, самое трудное – это барабанная дробь, то есть быстрое тремоло.

Чем отличаются литавры от барабана?

Похожие на барабан литавры – тоже очень старинный музыкальный инструмент, пришедший к нам в XVI веке с Востока. Литавры – это большие медные, а иногда и серебряные барабаны, формой напоминающие котлы , на которые натянута телячья кожа.

Литаврщик бьет в мембрану деревянными палочками, на конце которых есть шарик, обтянутый войлоком или кожей. В отличие от короткого звука барабана литавры издают звук долгий и гулкий, протяжно гудящий, точно завывающий в медном котле под кожаной мембраной. Литавры могут издавать звук определённой высоты , и в этом ещё одно их отличие от барабана. Чем сильнее натянута кожа, тем выше будет звук. Сегодня звук оркестровых литавр изменить очень легко – надо лишь нажать ногой на педаль.

Кто придумал ноты?

Кто придумал нотный стан – пять горизонтальных линеечек, на которых и разместились нотные знаки? Произошло это в начале XI века. Тогда итальянский монах Гвидо д’Ареццо – Гвидо Аретинский (992–1050), музыкант и учитель пения из города Ареццо, – нарисовал те самые первые линеечки, по которым, словно по ступенькам, вверх и вниз побежали нотные знаки. Правда, сначала линеечек было не пять, а четыре, и все они были разного цвета.

Такие знаки-символы стали называться нотами. Ноты (от латинского «notatio», что означает «записывание, обозначение») стали размещать как на самих линиях, так и между ними. Ноты похожи на маленькие головки-овалы. Длительность звука обозначается белой или чёрной головкой ноты, а по расположению ноты на нотном стане можно определить его высоту.

Ноты нужно было как-то назвать. Чтобы легче было запомнить названия звуков, Гвидо велел своим ученикам-хористам разучить молитву-гимн в честь святого Иоанна, который считался покровителем церковных певцов. Для этой молитвы Гвидо сочинил новую мелодию, в которой каждая последующая стихотворная строчка начиналась на ступень выше предыдущей. А каждый первый слог новой строчки стал названием новой ноты. Вот и получили ноты свое первое название: Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La – по начальным слогам первых шести слов молитвы-гимна. Со временем слог Ut заменили на слог Do, а также появилось название ещё для одного звука-ноты – Si, составленного из первых букв словосочетания Sancte Iohanne – Святой Иоанн. Так появился первый международный язык – язык нот, который ныне понимают все музыканты мира: ДО – РЕ – МИ – ФА – СОЛЬ – ЛЯ – СИ.

Правда ли, что консерватория – это приют для беспризорников?

В Италии в XVI веке существовало много церковных храмов, где пели дети, у которых родители умерли, или же дети-беспризорники, вообще не имеющие своего дома. Они жили в специальных приютах для сирот. Их там кормили, одевали и обучали хоровому церковному пению. Эти детские приюты именовали консерваториями , что в переводе с латинского «conservo» означает «охранять», «сохранять».

В Италии было великое множество таких приютов. Постепенно преподавание музыки в них заняло основное место, и консерваториями стали называть высшие музыкальные учебные заведения. Самая первая такая консерватория была открыта в Неаполе в 1537 году.

Из чего делают деревянные духовые инструменты?

Духовые инструменты делятся на две группы: деревянные и медные. Но все духовые инструменты настолько разные, что объединить их по семействам – задача не из лёгких. Да и термин «деревянные духовые» не совсем оправдан, хотя и общепринят. В настоящее время флейта, относящаяся к деревянным духовым, делается в основном из металла , а кларнет – из искусственного материала эбонита .

Флейта

У духовых инструментов звук возникает в результате колебаний столба воздуха, заключённого внутри корпуса. Чем больше размер инструмента, тем медленнее эти колебания и тем ниже звучание. По диапазону звучания можно сказать, что флейта и гобой примерно соответствуют скрипкам, а кларнет и фагот – альту и виолончели.

Что за верная подруга была у учителя танцев?

Верная подруга учителя танцев в прошлом – пошетта . Пошеттой называется совсем малюсенькая скрипочка, размер её всего 35 сантиметров. Название «пошетта» происходит от французского «pocheter», что значит «носить в кармане». Эту скрипочку в давние времена всегда носил с собой учитель танцев в специальном кармане на камзоле. Потому её называли «танцмейстерская скрипка». Но примерно двести лет назад вместе с учителем танцев на уроки стали приходить и специальные музыканты. Поэтому пошетты сделались ненужными и постепенно исчезли.

Пошетта

В чём секрет Антонио Страдивари?

Николо Амати, знаменитый скрипичный мастер, подобрал маленького Антонио Страдивари на улице города Кремона во время эпидемии чумы – у мальчика умерли все родственники, и он стал бездомным. Первую свою скрипку Страдивари сделал самостоятельно в тринадцать лет, а последнюю – когда ему перевалило за девяносто. Всего же Антонио Страдивари изготовил около 1200 скрипок, на каждой из них стоит специальное клеймо мастера. Сегодня скрипки Страдивари стоят чрезвычайно дорого.

Но почему скрипки Страдивари звучат и по сей день так прекрасно? В чём тайна мастера? Не одно столетие скрипичные мастера пытались разгадать этот секрет. Старые скрипки разбирали на части, пытались тщательно их копировать, но – напрасно. Созданные по образцу скрипок Страдивари инструменты обладали звуком, лишь отдалённо напоминающим волшебный звук скрипок великого мастера.

Кто-то утверждал, что всё дело в секрете лака, которым покрывают скрипки, чтобы предохранить инструмент от воздействия сырости и различных испарений. Чтобы лак не слишком глубоко проникал в дерево, скрипки сначала покрываются специальным составом – грунтом, затем наносят от восьми до двенадцати слоёв лака, и каждый из них сохнет около двух недель. А склеивают детали скрипки только животным клеем, который легко растворяется в воде. Это нужно для того, чтобы при ремонте инструмент можно было разбирать.

Но, исследовав лак и грунт, специалисты пришли к выводу, что никакого секрета в них не содержится. Лак для своих скрипок Антонио Страдивари покупал у знакомого аптекаря и выбирал его исключительно из-за понравившегося цвета.

Иные утверждали, что секрет в размерах деталей скрипок. Но и тут незадача. Оказывается, великие скрипичные мастера Гварнери и Страдивари каждый раз создавали скрипку, чуть отличающуюся от предыдущей. И все непохожие скрипки звучали одинаково превосходно! В чём же всё-таки дело?

Со временем выяснили, что знаменитые мастера перед склеиванием корпуса скрипки настраивали верхнюю и нижнюю деки… ещё без струн . Если провести по скрипичной деке-крышке смычком или просто постучать, она будет издавать определённый звук. А скрипичные деки не так-то просто изготовить, ведь в середине они толще, а по краям – тоньше. Если не следовать этому правилу, то деки окажутся слишком плотными и не будут резонировать на звук струн, дрожание их почти сразу угаснет. Поэтому старые мастера, изготовляя скрипичные деки, постоянно их прослушивали, добиваясь определённого тона звучания. Возможно, в этом и есть секрет скрипок Антонио Страдивари?

У каждой хорошей скрипки есть душа, если хотите – часть души мастера. Страдивари было уже шестьдесят лет, когда он создал свои самые лучшие скрипки. Звук их глубокий и мощный, они поют почти человеческим голосом, откликаясь на самое лёгкое движение смычка. Наверное, это получилось благодаря интуиции и огромному опыту Антонио Страдивари. Его мастерство так и осталось непревзойдённым, и самые ценные в мире скрипки сделаны его руками.

Что такое концерт?

Концертом называется музыкальное произведение для одного инструмента или группы инструментов, сопровождаемых оркестровым аккомпанементом . Итальянское слово «concerto» буквально означает «согласие», но когда-то латинское слово «concerto» означало «состязание», «соревнование». И действительно, музыкальный концерт – это словно состязание в согласии: кто лучше сыграет – солирующий музыкальный инструмент или оркестр? Концерт – это словно диалог-соревнование инструмента с оркестром.

Многие композиторы работали в этом жанре. Моцарт написал 27 концертов для фортепиано, его концерты – одна из лучших страниц творчества этого великого композитора. Бетховен написал концерт сразу для трех солирующих инструментов – скрипки, фортепиано и виолончели в сопровождении оркестра.

Такие концерты, где солирует более одного инструмента, стали называть «двойными» или «тройными» концертами, в зависимости от количества солистов.

А ещё концертом очень часто называют публичное исполнение музыки любого жанра, чаще всего по заранее объявленной программе. И первый такой концерт публичного музицирования за плату состоялся в 1672 году в Лондоне, куда смогли прийти не только избранные богатые любители музыки, но и многие горожане.

Как кастрюли помогли первому композитору Франции?

Композитор Жан-Батист Люлли оказал огромное влияние на музыкальную жизнь Франции. Он чудесно играл на скрипке и стал основателем французской скрипичной и дирижёрской школы. Люлли написал 15 опер. Он также основоположник французской классической оперы.

Джованни Баттиста Люлли родился 28 ноября 1632 года в итальянском городе Флоренция. Уже в двенадцать лет он прекрасно играл на гитаре и сочинял замечательные песни. Отец и мать мальчика умерли, и он остался один-одинёшенек. Джованни служил в трактире, но хозяин его прогнал. И мальчик отправился куда глаза глядят. Устав, он присел на камень у дороги и начал петь, аккомпанируя себе на гитаре.

Вдруг на дороге показалась роскошная карета и остановилась возле юного певца. В карете сидел герцог Гиз – один из самых знатных вельмож Франции. Герцогу понравились песни Люлли, и он взял его с собой.

Однако, прибыв в Париж, герцог узнал, что заболел его любимый пёс, и совершенно забыл про Люлли. Джованни заметил шеф-повар герцога.

– Мне как раз нужен ещё один поварёнок, – обрадовался он и забрал Люлли к себе на кухню.

Так вместо пения и игры на гитаре Джованни пришлось целый день ощипывать перепёлок и фазанов.

А однажды в гости к герцогу Гизу приехал сам король Франции – Людовик XI, которому тогда было не больше восьми лет. На кухне началась суматоха, ведь нужно было приготовить множество изысканных блюд для короля. Тут Джованни решил запеть, чтобы веселее было работать. Но шеф-повар вдруг разозлился и, выхватив у Джованни гитару, бросил её в огонь. Мальчик заплакал от отчаяния…

А вечером во дворце герцога Гиза начались танцы. Во время менуэта восьмилетний король вдруг остановился и гневно топнул ногой:

– Ваши музыканты не умеют играть! Они всё время сбиваются с такта!

Скрипач из оркестра герцога ужасно испугался гнева короля и объяснил:

– Простите, ваше величество, но мы не виноваты. Где-то внизу играет другой оркестр, который и сбивает нас с ритма.

– Тогда приведите сюда этих музыкантов! – потребовал маленький король.

Слуги герцога привели поварёнка Люлли:

– Ваше величество, это он играл.

– Оркестр – это я и мои кастрюльки, – смущённо пояснил Люлли.

Король рассмеялся:

– Оркестр – это ты? Так сыграй нам на своих кастрюлях. Я хочу послушать!

Слуги тотчас принесли из кухни кастрюли, на которых играл Люлли, и скалки, которыми тот стучал. Джованни заиграл. Звучал гавот, музыка весёлая, звонкая, живая.

– Герцог Гиз, – заявил король, послушав кастрюльную музыку, – я хочу, чтобы поварёнок переехал ко мне во дворец.

И Джованни Люлли перебрался во дворец короля. На французский манер его стали звать Жан-Батист Люлли. А через двадцать лет он был признан первым композитором Франции. Впоследствии стал даже личным секретарём и советчиком другого короля – Людовика XIV. Но в историю французской музыки он вошёл в главном своём качестве – как прекрасный исполнитель и композитор.

Какой музыкальный инструмент самый большой?

Самый большой из всех музыкальных инструментов – орга́н (происходит от греческого «organon», что значит «орудие», «инструмент»).

Игра на органе внешне схожа с игрой на фортепиано – в нём звук извлекается нажатием на клавиши. Но, в отличие от фортепиано, орган не струнный, а духовой инструмент. Являясь клавишным духовым инструментом, орган состоит из набора труб разной величины и устройства. Звук в трубах рождается от того, что в них поступает струя воздуха. Раньше для этого использовали мехи – вроде тех, что когда-то имелись в сельских кузницах и служили для раздувания огня. Органные мехи приводились в движение человеком. Сейчас строят очень большие органы, имеющие несколько тысяч труб! И воздух в них, конечно, вдувает электромотор, трубы открываются и закрываются тоже при помощи электричества. Внутри современного органа-великана, среди многих тысяч труб, вполне может разместиться двух– или даже трёхэтажный дом!

Какая музыка называется классической?

Пожалуй, никому ещё не удалось точно сформулировать, что такое классическая музыка в сегодняшнем понимании. Кто-то говорит, что это просто серьёзная музыка. Дело в том, что не существует единого критерия. Ведь слово «классический» происходит от латинского «classicus», что значит «образцовый» . Вот и получается: какая музыка для тебя образцовая, та для тебя и классическая. Для одного классика – произведения композитора-романтика Фредерика Шопена, а для другого классикой является творчество группы «Битлз».

Но музыковеды обычно сужают рамки понятия «классическая музыка». Классическим музыкальным периодом традиционно считается эпоха классицизма – довольно короткий промежуток времени между 1750 и 1830 годами.

Образцами для подражания в эпоху классицизма считали произведения искусства Древней Греции и Древнего Рима, поэтому и в музыке, особенно в опере, как и в литературе и живописи, часто появлялись произведения, созданные на основе древнегреческих и древнеримских сюжетов.

Первыми операми эпохи классицизма стали произведения Кристофа Виллибальда Глюка. Но вершиной музыки этого периода стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, живших и творивших в Вене и очень повлиявших на всю музыкальную культуру второй половины XVIII – начала XIX века. Эти великие музыканты создали художественное направление в музыке, получившее название «Венская классическая школа». Искусство венских классиков связано с просветительством, вдохновлено идеями Г. Э. Лессинга, И. В. Гёте, Ф. Шиллера, И. Канта, Г. Гегеля. Для музыкального произведения венской школы характерны сочетание трагического и комического, рационального и эмоционального.

Можно мне пойти погулять?

Вольфганг Амадей Моцарт родился 27 января 1756 года в Зальцбурге. С ранних лет у него обнаружились удивительные музыкальные способности. Первым педагогом будущего композитора стал его отец – он был музыкантом, вице-капельмейстером капеллы архиепископа Зальцбургского. Он позаботился, чтобы мальчик научился играть на различных музыкальных инструментах.

В четыре года Моцарт написал свой первый концерт для клавира, причём такой сложный, что не всякий виртуоз мог бы его сыграть. Его отец, взглянув на написанные Вольфгангом ноты, изумлённо воскликнул:

– Этот концерт очень труден, его никто не сможет сыграть!

– Это не так, папа, – возразил Моцарт, – его может сыграть даже ребёнок, например я.

И довольно лихо сыграл сложную для исполнения музыку.

А с пяти лет Вольфганг стал писать музыку уже регулярно.

Всё детство Моцарта было непрерывной чередой концертных выступлений и музыкальных занятий. Чудо-ребёнок развлекал публику, играя на клавире вслепую – с завязанными глазами. Моцарт виртуозно владел не только клавесином, но также органом и скрипкой, ещё он проявил себя блестящим импровизатором. С шести лет отец стал возить сына-вундеркинда на гастроли по странам Европы. Первое большое гастрольное путешествие началось в 1763 году и продолжалось более трёх лет.

Когда Моцарту было четырнадцать лет, его избрали членом Филармонической академии в Болонье, хотя там существовало правило не принимать никого моложе двадцати шести лет. Чтобы стать почётным членом Академии, Моцарту предстояло выполнить специальное задание, которое оценивали приглашённые капельмейстеры и композиторы. Затем состоялось голосование, которое проходило при помощи чёрных и белых шаров – судьи кидали их в ящик. Все шары оказались белыми. Когда же отец стал поздравлять сына с этим событием, то Моцарт ответил:

– Дорогой отец, теперь, когда я уже стал академиком, можно мне пойти погулять?

Кого называют вдовой Паганини?

Однажды Паганини выступал в итальянском городе Парма, во дворце герцога Фердинанда Бурбонского. На этом концерте присутствовал художник Пасини, у которого имелась прекрасная скрипка работы знаменитого Гварнери. Пасини предложил виртуозу без подготовки (с листа) сыграть сложнейшее сочинение и пообещал подарить эту скрипку, если не будет сделано ни единой ошибки. Конечно же, скрипка досталась Паганини.

От отца Никколо Паганини унаследовал страсть к азартным играм. Нередко случалось, что за один вечер он проигрывал все деньги, полученные за несколько концертов. Однажды в городе Ливорно Паганини умудрился проиграть не только деньги, но и ту самую подаренную скрипку. Тогда великий скрипач осознал, что азартный игрок – это «самый ничтожнейший человек на свете». И с тех пор отказался от порочной страсти.

Но скрипка всё же была проиграна, а вечером должен был состояться концерт. Тогда импресарио Ливрон (импресарио – организатор каких-либо зрелищных мероприятий или агент артиста, действующий от его имени) одолжил Паганини для выступления принадлежавшую ему скрипку работы Гварнери, изготовленную в 1742 году.

После блестящего концерта восхищённый Ливрон воскрикнул: «Никто кроме вас не должен играть на этой скрипке!» – и вручил инструмент работы Гварнери Паганини.

Паганини завещал эту скрипку родному городу Генуя. И сегодня она хранится в городском муниципалитете под стеклянным колпаком. Итальянцы называют эту скрипку «вдовой Паганини».

С 1954 года в Генуе проводятся конкурсы скрипачей имени Паганини. И только лауреаты этого конкурса получают право играть на его скрипке.

Кто придумал оперу?

Считается, что современная опера выросла из древнегреческой трагедии. Но где и как это произошло? Идея «драмы для музыки», а именно так первоначально называлась опера, впервые возникла во Флоренции, в доме известного любителя музыки графа Джованни Барди, где собирались люди, увлекавшиеся искусством Древней Греции.

И у кого-то из присутствовавших возникла мысль воссоздать одну из греческих трагедий на сцене. Но как это сделать? Никто толком не знал. Кто-то считал, что пение должно быть постоянным, хотя в действительности древнегреческие актёры-певцы чередовали пение и декламацию стихов под музыку. А кто-то говорил, что пения должно быть совсем мало. В конце концов решили в «драме для музыки» сделать нечто среднее: чередовать пение с мелодекламацией. Члены музыкального кружка графа Барди хотели добиться сочетания слова и музыки, идеальным в этом отношении им представлялся древнегреческий театр, где стихи произносились нараспев, где каждое слово звучало чётко и ясно.

Первые оперные постановки поразили публику своей необычностью. Вместо того чтобы разговаривать, артисты почти всё время пели, причём совсем неплохо.

Вскоре новый вид музыкального искусства распространился почти по всей стране, а к началу XVIII века опера стала основным видом музыкального искусства в Италии.

Что такое оперетта?

Как самостоятельный жанр оперетта возникла относительно недавно, в середине XIX века во Франции. А до этого опереттой (в переводе с итальянского «operetta» означает «маленькая опера») называли небольшую комическую оперу.

В оперетте есть всё: песенные куплеты, танцы, разговорные диалоги. А оперные формы в оперетте – ария, вокальный ансамбль, хор и балетные сцены – имеют более лёгкий характер.

По сравнению с оперой в оперетте существуют и новые музыкальные формы: куплеты – песни, исполняемые почти всегда в быстром темпе и речитативом, а также канкан – быстрый танец, который нередко становится кульминацией спектакля. Огромное внимание в опереттах уделяется, конечно, тексту, который должен быть остроумным, весёлым, шутливым и очень ярким. Артисты оперетты непременно должны обладать хорошим певческим голосом, актёрским мастерством и прекрасной дикцией.

Почему волынку тянут?

Волынка – музыкальный инструмент, очень похожий на мешок с трубочками. Этот мешок, который называется «мех», является воздушным резервуаром, сделан он из козлиной или телячьей шкуры. В мешок вставлено несколько трубочек. Через одну из них в мешок подаётся воздух, и тогда он раздувается, как шар. Вторая трубка напоминает дудочку-свирель с дырочками – на ней играет волынщик. Есть ещё несколько трубочек, которые непрерывно издают басовые звуки. Музыкант может просто держать инструмент под мышкой, прижимая его локтем, и волынка будет сама звучать. Когда мешок сжимают, воздух из него выходит, и трубки начинают играть. Это протяжное и довольно гнусавое звучание волынки в народе сравнивают со всякой нерасторопностью и медлительностью . Отсюда и знакомое всем выражение: «тянуть волынку», «волынить».

Как появилась балалайка?

Среди русских народных струнных инструментов есть один с необычной судьбой – это домра, которая была широко распространена в России в XVI–XVII веках, а потом вдруг… совершенно исчезла.

Домра похожа на балалайку, она тоже трёхструнная, только корпус у неё не треугольный, а полукруглый. Но так же, как и у балалайки, корпус домры сделан из отдельных дощечек. Домры были разных размеров: существовали «домришко», «домра» и «домра большая басистая».

Домра

Балалайка

Когда-то на Руси было очень много домрачеев – мастеров игры на домре, особенно среди скоморохов. Но церковь называла весёлую игру на любых народных музыкальных инструментах «бесовскими игрищами». Указом царя Алексая Михайловича в 1648 году было объявлено, чтобы «скоморохов с домрами и волынками… в дом к себе… не призывали, всяких бесовских игр не слушали… и личин (то есть различных карнавальных масок) на себя не накладывали… А где объявятся домры… и всякие гудебные бесовские сосуды, те вынимать (то есть отнимать) и, изломав… сжечь». Разве мог кто-нибудь ослушаться столь грозного приказа царя? Поэтому домра практически исчезла. Но тягу народа к музыке не запретишь! Домра исчезла, зато появилась балалайка! Уже в конце XVII века возникает очень напоминавший домру инструмент, но только треугольной формы. Может быть, треугольной балалайку придумали для того, чтобы она на домру не походила? Чтобы игрой на балалайке царёв указ не нарушить? Ведь в указе ничего не было сказано про балалайку!

Вопросы о происхождении вещей

Когда появился простой карандаш?

Простой карандаш. Вот он лежит передо мной на столе. Чёрное сердечко, деревянная рубашка. А почему он называется простым? Оттого, что он очень просто устроен, а ещё потому, что им просто провести линию на бумаге. А появился такой карандаш совсем недавно, в XVIII веке .

Стержень карандаша делают из смеси порошка графита с глиной. Готовят такую смесь следующим образом. Сначала графит мелко-мелко размалывают – во много раз мельче, чем косметическую пудру. Потом смешивают его с глиной. Если делают жёсткий карандаш, глины добавляют больше, а если мягкий – меньше. Эту массу продавливают через специальные узенькие отверстия, чтобы получить стержни, затем эти стержни высушивают в специальных печах. Теперь нужно «сшить» карандашу одежду. Делают её из древесины: кедра, тополя, липы, ольхи. Выпиливают небольшие дощечки, которые сначала должны отлежаться, высохнуть. Затем в них делают шесть канавок, куда укладывают, словно в кроватки, грифели. Сверху их накрывают такими же дощечками и приклеивают, прижимая дощечки друг к другу. Когда дощечки склеятся, их разрезают на шесть заготовок. Заготовки шлифуют, четыре раза покрывают краской и два раза лаком. И вот карандаши готовы! По «характеру» они бывают разные: у одних «сердце» мягкое, нежное, у других – твёрдое, как кремень, а бывают карандаши средней твёрдости. Об этом говорит маркировка, которая проставляется на карандашах, – буквы и цифры, показывающие степень твёрдости или мягкости.

Надёжные карандаши выручат вас тогда, когда ручка может закапризничать и отказаться работать. Их берут с собой аквалангисты, чтобы делать зарисовки под водой. На них не оказывают губительного влияния даже невесомость и мороз! Так что в космосе и на полярных станциях без них никак не обойтись.

Правда ли, что перо из левого крыла гуся лучше подходило для письма?

Гусиные перья успешно прослужили пишущему человечеству целое тысячелетие. Десять веков упругое гусиное перо скрипело по пергаменту рукописных книг. Сколько королевских указов подписано им! Сколько таинственных сообщений, сколько формул вдохновлённых алхимиков, рецептов аптекарей им написано!

Брали гусиное (иногда воронье, павлинье) перо, наискосок срезали кончик, прочищали середину, обмакивали в чернила и писали. Перья применяли для письма начиная уже с VII века. А вот перья кур, индюшек, цесарок, голубей для этого не годились, так что ни одна курица, индюк или голубь не могли бы похвалиться тем, что они помогли знаменитым писателям создавать книги. Только гуси! Ведь и Пушкин, и Лермонтов, и Гоголь писали свои бессмертные произведения, обмакивая в бронзовые чернильницы гусиные перья. От того, как обрезано и заточено перо, во многом зависело качество написанного. Наш великий поэт Александр Сергеевич Пушкин никому не доверял этого важного дела. Мало того, он, как и некоторые другие любители хорошего пера, знал одну тайну. Гусиные перья, взятые из левого крыла, гораздо лучше, красивее выписывают буквы , потому что их изгиб удобнее для руки.

Чем отличается от обычной шариковая ручка для космонавтов?