Поклонников не оставили без внимания во время этого «концерта». Их действия полностью управлялись звездой и его командой. В одном из фанатских клипов G-Dragon мониторит съемку и просит зрителей показать ему отснятый видеоматериал. Он внимательно смотрит через прозрачное стекло на свое изображение в смартфоне, который находится в руке у фаната по другую сторону стеклянной стены. Во время другого перерыва G-Dragon отдает команду зрителям опустить камеры и просит их участвовать в представлении более проактивно: «Некоторые из вас слишком заняты съемкой, другие просто веселятся, поэтому клип выйдет ни то ни се… Давайте покажем, как здорово мы умеем веселиться! Даже если вы просто будете иногда поднимать руки, я уверен, мы сможем снять более интересный клип!»[271] Фактически играя роль режиссера на съемочной площадке, G-Dragon далее обращается к своим поклонникам: «А не зажечь ли нам сильнее? Может, вы станцуете все вместе?»[272]
В этой режиссерской попытке пробудить хын (heung), уникальную корейскую концептуальную связь между радостью и жизнеспособностью, граница между исполнителем и режиссером исчезает не только для поклонников, но также и для самого G-Dragon. Точно так же исчезает граница между фанатами-зрителями и звездами-исполнителями, когда они все появляются в окончательном варианте видеоклипа. Вместо того чтобы помещать создателей и получателей перформанса контрапунктовые условия, музыкальное видео развертывает между ними динамику гибкого взаимодействия. Такая степень открытости максимально сближает живой концерт с исполнительским искусством – арт-перформансом, – наделяя его неожиданными возможностями.
Возможно, именно этот раппорт превратил съемку в форум для общения, выполняющий функцию встречи фанатов со звездой. Видеоклипы поклонников свидетельствуют о том, что во время многих перерывов в процессе официальной съемки G-Dragon пользовался любой возможностью для непосредственного общения со зрителями. Поклонник с идентификатором «seino772» на YouTube поделился клипом, где G-Dragon обращается к зрителям: «Я не мог организовать встречу с фанатами в этот раз (переводит дыхание), так это… просто и есть моя встреча поклонников». Данное событие предоставило идеальный повод, так как такой формат общения, при котором исполнитель и зрители отделены только стеклянной стеной, стал намного более близким, чем обычные встречи с фанатами, когда большое расстояние разделяет звезд на сцене и поклонников в зрительном зале.
Но не все были приглашены на этот дружеский форум. Процесс выбора участников отражает бессердечный маркетинг и стратегию продвижения корпорации, нацеленной на извлечение прибыли. В первую очередь приглашения присоединиться к видеосъемке высылались лояльным VIP-членам официального фан-клуба, чей статус определяется количественным, обычно финансовым, вкладом в карьеру звезд. Это может быть покупка альбомов звезд или рекламных товаров. Несколько оставшихся «спотов» распределялись между не VIP-участниками, которые должны были предоставить доказательство покупки последнего альбома G-Dragon, либо счет на загрузку альбома, либо реальную упаковку диска с вложенным рекламным постером. Короче говоря, каждый гость, принимавший участие в съемке видео, должен был купить альбом G-Dragon, чтобы получить право на приглашение. Многочисленные претенденты, желавшие участвовать в съемке, скорее всего, приобретали альбом G-Dragon в счастливом предвкушении возможного приглашения. Ирония в том, что поклонники, купившие товар, чтобы участвовать в живом взаимодействии со звездой, в конце сами превращались в товар в качестве реквизита в окончательном варианте музыкального видео.
В этом щедром предложении добровольно пожертвовать своим временем каждый оплативший фанат мог быть легко заменен на другого. Выходит, что поклонники и их эмоциональный труд взаимозаменяемы. По словам профессора Шеннона Виннабста: «Взаимозаменяемость (в неолиберальной экономике) относится к тем товарам и продуктам на рынке, которые можно менять друг на друга. Например, бушель пшеницы из Казахстана вполне можно заменить на бушель пшеницы из Канзаса, если они обладают одинаковым качеством и относятся к одному сорту пшеницы… В то время как это имеет смысл на уровне экономики, рассмотрение взаимозаменяемости в проблематичной неолиберальной сфере переводит вопрос из динамики капитала в динамику “человеческого капитала”: то есть возникает ситуация, при которой неолиберальная эпистема, кажется, становится банкротом с точки зрения этики»[273].
Следовательно, в основе события, которое кажется проявлением раппорта между исполнителем и фанатами, на самом деле лежит маркетинговая кампания, нацеленная на продвижение продаж альбома. Событие, которое на первый взгляд кажется тесным сплочением фанатов со звездой, трансформируется в денежную сделку в условиях неолиберального рынка. В то время как G-Dragon и компания YG Entertainment получили финансовую выгоду от этой сделки, поклонники, участвовавшие в съемке, ушли с аморфным ощущением, что они создали какой-то продукт совместно с их любимым айдолом. Параллель между перформансом UDC в витрине универмага Sears и видеосъемкой музыкального клипа G-Dragon еще раз находит подтверждение в продвижении корпоративного интереса, в то время как обнаженное лицо капитализма слегка скрыто привлекательностью живых событий.
Действительно, примитивный характер корпоративной поп-культуры замаскирован мастерски сделанным монтажом, соединившим профессиональную съемку с любительской. Учитывая, что в результате видеосъемки получился готовый клип, превратив репетицию в конечный продукт, и что существует 1000 различных версий клипа, «Who You?» можно считать уникальным случаем во всем блестящем многообразии существующих музыкальных K-pop клипов. По сути, это выдвигает на 1-й план самый большой парадокс. K-pop музыке удается поддерживать свою динамичную жизнеспособность, сделавшись доступной во всем мире через видеоролики на YouTube, в то время как сами K-pop звезды выполняют минимальные туры с живыми концертами. Клип «Who You?» в исполнении G-Dragon предоставил разумное объяснение этому парадоксу, создав живое событие из процесса производства цифровой музыки и сопровождения музыкального видео. Хотя этот ролик не стремится разрушить границы между длительностью повседневной жизни и ограниченными рамками перформанса, он в итоге демонстрирует, что сумел усвоить из арт-перформанса приверженность интерактивности[274], которую мы часто связываем с понятием «живой».
Звезды-голограммы приветствуют живую аудиторию
Когда мы думаем о цифровой революции, вызванной повсеместным применением телекоммуникаций, высокоскоростного интернета и виртуальной реальности, мы, как правило, имеем в виду огромный прыжок вперед, который вывел развитие человечества на новый уровень. Люди, разделенные временными поясами и пространствами, теперь могут общаться с помощью аудио и визуального интерфейса. Отец, находясь в деловой поездке в Берлине, может поговорить со своим сыном в Санта-Барбаре с помощью FaceTime, несмотря на огромное расстояние между ними. Программное обеспечение для проведения видеоконференций сокращает потребность бизнесменов в путешествиях – теперь им совсем необязательно лично встречаться со своими партнерами.
Но можем ли мы действительно назвать это шагом вперед? При более внимательном рассмотрении этих чудесных технологических нововведений, столь распространенных, что они фактически заставили нас по-другому воспринимать время и пространство, мы замечаем, что они уменьшают размеры воспроизводимых объектов: фактическое пространство в 3-х измерениях, в котором одновременное присутствие живых исполнителей и зрителей лучше всего передается на 2-мерном экране, независимо от качества разрешения 2D-дисплея. Более того, мы приходим в восторг, когда заменяем фактическое 3D-пространство, населяемое живыми людьми, на плоскую 2D-поверхность экрана.
В попытке противодействовать ограничениям, присущим плоскому 2D-экрану, были разработаны и введены различные технические девайсы, такие как дополненная реальность (AR), виртуальная реальность (VR) и технология голограммы, чтобы восстановить живые контуры настоящего тела в режиме реального времени и пространства. Технология голограммы стоит во главе этого реставрационного тренда. Голограмма – это сложное слово, которое состоит из holo (полный/завершенный) и gram (картина). Это одно из самых востребованных технических средств в информационно-коммуникационных технологиях (ICT), так как пользователям не требуются никакие дополнительные устройства, например 3-мерные очки, чтобы в полную силу насладиться реалистическим изображением предметов. На основе оптической иллюзии расширения 2D-поверхности в 3D-пространство через несколько слоев 2D-проекций голограмма представляет продолжительный сенсорный опыт, пойманный в ловушку на плоской 2D-поверхности.
Одним из примеров нашумевших знакомств с голограммой как технологией будущего может считаться эпизод IV Новая надежда (1977 год) из серии Звездные войны, в котором с помощью R2-D2 проецировалось маленькое голографическое изображение принцессы Леи, когда она обратилась к Люку Скайуокеру с просьбой спасти Альянс повстанцев. Эта сцена стала прообразом будущей коммуникации с помощью 3D-проекции. Но с точки зрения реально использованной технологии создатели фильма применили плоское 2D-изображение, проецируемое на пленку Майлара, чтобы произвести впечатление 3D-проецирования в фильме. Безусловно, это была слабая попытка в сравнении с большим количеством современных примеров. Популярная презентация, вышедшая в 1992 году, демонстрирующая творческое сотрудничество разных поколений, показывает выступление Натали Коул с ее покойным отцом Нэтом Кингом Коулом, который появился на сцене в виде голограммы. Они вместе исполнили песню «Unforgettable». Именно это выступление наиболее точно соответствует современному определению голограммы как полной передаче 3-размерного изображения на сцене.
В новом тысячелетии бесспорным лидером этого тренда является анимационная интернет-знаменитость по имени Хацунэ Мику – японская виртуальная певица. Ее 3D-концерты собирают аншлаги по всему миру – в Лос-Анджелесе, Тайбэе, Гонконге, Сингапуре и Токио. В Facebook на нее подписано более 1 миллиона поклонников. Созданная фирмой Crypton Future Media, находящейся на Хоккайдо, она дебютировала в 2007 году как вокалоид и в итоге материализовалась на сцене в образе 16-летней девочки с 2-мя чувственными косичками бирюзового цвета в 3D-проекции. Также много говорили о возрождении Элвиса Пресли в голографической проекции через технологию ротоскопинга. Он спел рядом с Селин Дион в американском музыкальном телешоу American Idol 2007. Потом в форме голограммы был показан покойный рэпер Тупак Шакур, который появился на сцене вместе со Снуп Доггом и Dr. Dre во время музыкального фестиваля Коачелла-фест в 2012 году. В Великобритании даже существует ТВ-шоу под названием Impossible Duet, в котором звезды могут петь вместе со своими кумирами – исполнителями из предыдущих поколений, которые появляются на сцене в виде голограммы.
Но не только массовая культура активно экспериментирует с голографической технологией. Голограммы также находят успешное применение в «высших» эшелонах культуры и общества. Королева Елизавета II в 2003 году позировала для голографического портрета в натуральную величину, а в 2011 году итальянский композитор Франко Баттиато использовал на сцене виртуальную презентацию певцов с помощью голограммы во время постановки новой оперы, посвященной философу XVI века Бернардино Телесио. В формате лирической оперы под названием «Telesio» оркестр исполнял живую музыку, сопровождавшуюся голографическим изображением танцев и игры на сцене[275]. Трансмедиальное применение подобной голографической технологии указывает на то, что включение голограммы в перформанс – независимо от того, встречает оно одобрение или сопротивление, – становится возрастающей тенденцией, которая в будущем будет все больше завоевывать сцену.
Дальнейшее использование технологии голограммы неизбежно расширит ее текущее применение в концертах и показах до более повседневного использования в быту, включая домашнюю электронику и портативные электронные устройства. В ежегодном отчете IBM «Next Five in Five» за 2010 год были перечислены 5 перспективных технологий, которые окажут значительное влияние на нашу жизнь в последующие 5 лет. Голограмма была включена в их число. В 2015 году истекал срок, указанный IBM в отчете, когда мир должен был увидеть широкое внедрение голографических технологий в повседневную жизнь, однако пока этого не произошло. В то же время наблюдается постоянно растущая тенденция в применении голограммы промышленными гигантами: компания Microsoft ввела Windows Holographic – технологию, которая представляет «мир с голограммами», – во время мероприятия 21 января 2015 года, посвященного выпуску Windows 10[276]. Уже в январе 2016 года Financial Times объявила, что компания Apple наняла Дага Боумана, одного из ведущих исследователей США в области виртуальной и дополненной реальности, «чтобы догнать Facebook, Alphabet, Microsoft и Samsung в области, которую многие рассматривают как следующее большое изменение в компьютерных платформах»[277]. Не только технические компании, но также бизнесы, занятые производством потребительских товаров, такие как ИКЕА, AMC и Food Network, работают, чтобы запустить «новые приложения дополненной реальности, которые поднимут мир цифровых технологий над реальным миром», – следует из отчетов CNBC за 2017 год[278].
Южная Корея не является сторонним наблюдателем в этой гонке – в данном случае Financial Times имеет в виду Samsung. Южнокорейский пример довольно примечателен. Здесь мы наблюдаем тесные, часто разрушительные способы сотрудничества между связанными с правительством корпорациями и частным сектором развлечений, взаимодействующими под лозунгом «креативной экономики».
Администрация Пак Кын Хе (президент Республики Корея с 25 февраля 2013 года по 10 марта 2017 года) провозгласила экономическое развитие на основе технологии, культуры и медиа. Предполагалось, что креативная экономика (changjo gyeongje) будет служить расширением правительственной кампании по продвижению бренда страны с позитивным имиджем[279]. Креативная экономика стала результатом политического наследия Пак ответом на тренд в постиндустриальной Южной Корее, который предусматривал постепенный переход от производства, ориентированного на экспорт, к сервисному сектору, ориентированному на экспорт. Выбор Пак также соответствовал более широкой глобальной тенденции использовать креативность как стратегию, способную пережить постиндустриализм. «Комплекс креативности» – один из главных аналогов мягкой силы в противовес «железному треугольнику» твердой силы. Он стал стратегией, «определяющей политику отношений между законодательными комитетами, государственной бюрократией и группами, консолидирующими власть элиты», дополнявшей – и даже часто превосходящей – твердую силу[280]. Технология голограммы получила специальное внимание и приоритет у южнокорейского Министерства науки, ИКТ (информационно-коммуникационных технологий) и планирования будущего[281], недавно созданного министерства, которое стало олицетворением всего президентского правления Пак Кын Хе.
Грандиозный скандал сотрясал Южную Корею осенью и зимой 2016–2017 годов, выявив коррупцию в правительстве и злоупотребления властью под прикрытием лозунга креативной экономики. Это в конечном счете привело Пак к постыдному импичменту[282]. Тем не менее, кампания способствовала появлению некоторых инновационных разработок. Например, южнокорейские исследователи создали 1-ю в мире 3D-голограмму в 2015 году[283], приблизив корейский сектор ИКТ к K-pop индустрии ближе, чем когда-либо прежде. Вместо того чтобы останавливаться на сенсационном политическом скандале, я сосредоточусь на обсуждении движущей силы, которая родилась в результате союза между K-pop индустрией и правительственной инициативой.
В 2013 году агентство SM Entertainment подписало совместное деловое соглашение, а компания YG Entertainment основала консорциум с KT Corporation, ранее государственной компаний Korea Telecom, которая владеет широкополосным интернет-рынком Кореи. Развлекательные K-pop компании и KT начали совместное активное сотрудничество в области проектирования технологий и перформанса голограммы. Это партнерство должно было помочь знаменитым K-pop исполнителям и технологиям «сделано в Корее» привлечь более широкие массы мировой аудитории.
В дополнение к сотрудничеству с KT SM Entertainment начала сотрудничать с KAIST (Корейский ведущий научно-технический институт), который ранее носил название Корейский ведущий научный институт, основанный под покровительством бывшего президента Пак Чон Хи в 1971 году. Они начали работать над совместным проектом, нацеленным на создание эффекта синергии за счет объединения науки, техники и секторов развлечений. «Роботы, программное обеспечение, приложения, технологии Big Data, экраны, дисплеи – все эти аспекты требуют совместной работы между знаменитостями и технологиями», – отметил глава SM Entertainment Ли Су Ман. Очевидно, он уже предвидел создание в будущем голографического мюзикла SM[284]. Аналогично компания YG Entertainment предпринимала успешные шаги для продвижения своего голографического перформанса в Корее и за ее пределами при поддержке агентств, финансируемых правительством.
Сотрудничество в области развития голограммы показывает, что лидеры в индустрии развлечений, представляющие частный сектор, – такие компании, как YG и SM Entertainment, – по мнению южнокорейского правительства, являются близкими партнерами в области продвижения имиджа страны как лидера будущих технологий. Если следовать этой аналогии, голографические тела южнокорейских звезд призваны демонстрировать идеальное национальное тело – технологически продвинутое футуристическое тело, созданное в результате союза культуры и информационно-коммуникационных технологий. Прошли те времена, когда идеальный национальный герой ассоциировался с мощными бронзовыми статуями (именно так большинство национальных государств запечатлевали своих национальных героев). На смену образу населения, объединенного жесткими рамками диктатуры и регламента, символу идеального коллектива (это сплочение и единство социалистические страны демонстрируют во время национальных парадов) сейчас пришли эфемерные, нестойкие голограммы.
Но с новым тысячелетием началась эпоха, когда цифровые технологии стали основным критерием измерения силы государства. Поэтому «национальные» тела должны идеально смотреться даже в пикселях. Образы K-pop айдолов в голографическом исполнении можно контролировать, они обладают замечательным качеством: их изображение можно тщательно подготовить к записи и отредактировать, прежде чем они получат допуск к общественности. Они представляют очень близкую имитацию живых тел, способных взаимодействовать с аудиторией.
2 конкретные ситуации, рассмотренные в этой главе: голографический перформанс YG Entertainment в Klive и голографический мюзикл SM Entertainment в концертном зале COEX Artium – превосходные примеры сотрудничества частных развлекательных компаний и южнокорейского правительства. Это сотрудничество носит взаимовыгодный характер: если государство нацелено на усиление мягкой силы под лозунгом продвижения «креативной экономики», то частные компании стремятся содействовать трансформации эфемерных живых шоу в постоянно воспроизводимые перформансы, направленные на увеличение прибыли. Голографическое шоу YG Entertainment четко соблюдает формат музыкального концерта, а представление SM Entertainment было признано 1-м в мире «голографическим мюзиклом». Но 2 эти перформанса родились в результате взаимодействия между государством и частным бизнесом, между индустрией развлечений и технологическим сектором, продвигающими желание заложить прочные позиции Южной Кореи в будущем.
Klive, театр голограммы и реконструкция тела
Тело – наиболее почитаемое, идеализируемое, вызывающее ожесточенные споры, ненавидимое и запутанное понятие в современной культурологии. И это при том, что мы имеем в виду просто физическое, материальное тело… Ситуация усложняется, когда мы имеем в виду его виртуального двойника.
Стив Диксон, Цифровой ПерформансЯвляясь лидером в области внедрения ультрасовременных новинок культуры, K-pop индустрия не могла остаться в стороне от недавнего бума в технологии создания голограммы. В то время как бум сопровождается усилением тенденции введения технологических улучшений в театральных перформансах, союз между K-pop и голограммой приобретает особое значение. Голографическая технология изображает человеческие тела в 3D-измерении. Максимальной имитации реального живого тела можно добиться только с помощью цифровой симуляции в месте непосредственного расположения голограммы, а именно в промежуточной зоне, созданной при смешивании живого выступления с предварительно записанным цифровым перформансом.
К использованию голограммы можно прибегнуть, когда отсутствует живое взаимодействие между зрителями и K-pop звездами, которые не могут выступить на живом концерте. Во время живого турне K-pop исполнители обычно предпочитают зарубежные рынки, более прибыльные и более эффективные в плане продвижения их музыки на глобальной арене. Находясь в Корее, они посвящают время подготовке новых альбомов, записи музыкальных видеоклипов и появлению в музыкальных чартах и развлекательных программах на ТВ. Все перечисленные мероприятия довольно далеки от живых зрителей и поклонников. Когда же они действительно появляются на мероприятиях лично, посещая либо промоакции с целью продвижения коммерческих продуктов, либо участвуя в телепрограммах в рамках музыкальных чартов или развлекательных эстрадных программах, они сталкиваются лишь с горсткой живых поклонников, решивших принять личное участие. Итак, когда же айдолам приходится выступать вживую перед зрителями в условиях традиционного живого концерта? Каким образом возможно максимально удовлетворить жажду поклонников, желающих иметь непосредственный контакт со своими кумирами?
Klive, открывший двери общественности 16 января 2014 года, оказался прекрасным решением этой дилеммы. Он, по крайней мере, попытался заполнить пробел в нехватке живых выступлений на K-pop сцене. Расположенный на верхнем этаже в сеульском Lotte Fitin – недавно открытом торговом центре для молодежи с модными магазинами одежды и шикарными кафетериями, – он демонстрирует 3D-перформансы в исполнении самых выдающихся K-pop певцов и групп, выступающих под лейблом YG Entertainment, таких как Psy, BIGBANG и 2NE1. Эта площадка была создана в результате совместных инвестиций приблизительно на сумму $9 миллионов, вложенных корпорацией KT и частными бизнесами (компаниями d’strict и YG Entertainment), в надежде привлечь туристов со всего мира в мегаполис Сеул, объявив его Меккой K-pop индустрии и ультрасовременной моды. Фишкой площадки Klive является сцена с обзором 270°.
Нацелившись на мировое лидерство, администрация Пак планировала диктовать стандарты в промышленности, разрабатывать новые продукты и возможности для развития бизнеса. Для этого правительство собиралось инвестировать около $250 миллионов к 2020 году и организовать 51 000 новых рабочих мест к 2025 году. Министерство науки, ИКТ и планирования будущего основало Комитет по стратегическому планированию в области информационно-коммуникационных технологий в мае 2014 года с целью продвижения различных проектов, связывающих ИТ, развлечения, СМИ и туризм. В том же году Klive распахнул двери для публики. Комитет изначально рассматривал Klive как площадку для реализации своей стратегии и даже организовал там свою 2-ю встречу 27 августа 2014 года, на которой председательствовал сам премьер-министр[285]. Среди многих форм взаимодействия между K-pop индустрией и южнокорейским правительственным сектором этот проект занимает особое место. Обе стороны объединяет общее видение и желание спроектировать пространство для живого перформанса, в котором будут отрабатываться будущие цифровые технологии.
Чтобы понять смысл партнерства между южнокорейским правительством и K-pop индустрией, нужно услышать версию истории от каждой стороны. Мы уже начали отвечать на вопрос, почему и как K-pop звезды получат преимущество, используя голограммы в своих выступлениях. Но мы еще не ответили на другой вопрос: почему корейское правительство решило направить свою энергию именно на K-pop индустрию и определило ее в качестве приоритетного направления в области разработки технологии голограммы? Конечно, южнокорейское правительство могло бы остановить выбор на развитии кинематографа или видеоигр вместо K-pop, чтобы поразить весь мир продвинутыми информационно-коммуникационными технологиями. Почему было решено придать статус национального значения именно K-pop звездам, таким как BIGBANG, 2NE1 или Psy? Что получит правительство, поставив себя на 1 уровень с этими поп-звездами, которые, кстати, часто сталкиваются с общественной критикой из-за различных скандалов? Можно вспомнить незаконное курение марихуаны (G-Dragon и TOP – участники группы BIGBANG), сексуальные скандалы (Сынри из BIGBANG), уклонение от военной службы (Psy) или контрабанду запрещенных наркотиков (Пак Бом из группы 2NE1). Что у них может быть общего, кроме того, что у этих звезд под лейблом YG уже есть всемирная известность и признание поклонников?
День в Klive
Я посетила Klive 9 августа 2014 года, когда летняя жара уже растеклась по улицам Сеула. Оставив позади бешеную интенсивность бурлящих улиц, я вошла внутрь 9-этажного универмага Lotte Fitin, где меня немедленно окружил прохладный воздух с приятным запахом. С рядами мерцающих витрин, в которых разместилось множество товаров, от красочных телефонных чехлов до милых канцелярских принадлежностей, Lotte Fitin не зря считают гламурным и модным местом. Он расположился рядом с недавно открытой дизайнерской площадью Dongdaemun Design Plaza (DDP; Тондэмун Дизайн Плаза), расположенной в одном из старейших коммерческих центров Сеула – Eastern Gate Market. Еще до открытия современных рынков в XX веке это место было известным коммерческим центром, питавшим наполненный жизнью Сеул – бессменную столицу Кореи с 1392 года[286]. С конца XX века здесь размещался рынок оптовой торговли одеждой, который приобрел глобальную известность на рубеже веков, привлекая розничных и оптовых покупателей из Кореи, Китая, Японии, России и других стран.
Площадь DDP была построена на месте уничтоженного стадиона Тондэмун (1984–2008 годы) и в течение XX века пережила оживленный коммерческий бум в этом районе[287]. Серебристые воздушные контуры площади DDP, спроектированной известным архитектором Захой Хадид, отражают стремление Сеула модернизировать свой имидж всемирного центра городского проектирования и архитектуры. В соответствии с лозунгом «Мечта, Дизайн, Игра» эта новая туристическая достопримечательность служит командным пунктом для корейской культурной волны и является одним из лучших мест назначения в глобальном туризме. Ее популярность растет с каждым днем, особенно среди азиатов.
Специальная выставка, посвященная популярной ТВ-дораме My Love from Another Star, была организована на площади DDP с целью привлечения туристов из Китая, где эта дорама пользовалась бешеным успехом в начале 2014 года. Промобилет, включавший посещение Klive и выставки, посвященной дораме (для того, чтобы попасть на выставку из Klive, требовалось пройти по подземному переходу в течение 10 минут), был в продаже в течение летнего туристического сезона – с 10 июня до 15 августа 2014 года. Этот пример – свидетельство в пользу того, что места предназначаются для одной и той же целевой группы – молодых местных фанатов корейской поп-культуры и иностранных туристов.
Вместо того чтобы разделить события, посещение Klive и просмотр голографического перформанса K-pop звезд в качестве зрителя рассматриваются как связанные между собой мероприятия в континууме потребления. K-pop поклонники рассматривают этот визит как некое паломничество к святым местам, а обычные туристы, не причисляющие себя к K-pop фанатам, просто посещают достопримечательность, следуя рекомендациям гидов. На многих сайтах, продвигающих туризм в Корее, Klive заявляется как место, обязательное для посещения, привлекая даже тех иностранных туристов, которые необязательно являются K-pop фанатами или последователями K-pop творчества компании YG Entertainment. Обратное тоже верно: поклонники исполнителей компании YG, которые не планировали ничего покупать, все равно вынуждены пройти через несколько этажей и подвергнуться воздействию K-pop ассортимента, выставленного на продажу.
Такой взаимовыгодный сценарий, спроектированный K-pop индустрией и ее партнерами, конечно же, можно применить и к другим достопримечательностям в Сеуле. Но Klive отличается от других видов K-pop перформансов, таких как просмотр музыкальных клипов онлайн или посещение живого концерта. Он является примером ярко выраженного симбиоза между живым и цифровым, выставляя напоказ технологическую продвинутость Южной Кореи.
Еще до того, как посетители окажутся на 9-м этаже Klive, они попадают в мир оптической фантасмагории, созданной оригинальным соединением живого тела и предварительно записанного цифрового тела. Войдя в лифт, вы обнаруживаете, что стоите прямо позади G-Dragon. Но звезда сосуществует с посетителями просто как цифровой фантом, как проекция в фотошопе на экране, расположенном над дверью лифта. Он оглядывается и машет рукой, приветствуя гостей, создавая эффект дополненной реальности, в которой он отсутствует физически, присутствуя в цифровом виде. Зато физически существующие гости могут беспрепятственно с ним сосуществовать.
Поздоровавшись с пиксельной звездой, посетители оказываются на K-pop небесах – в сверкающих, ярко освещенных магазинах с K-pop сувенирами и многочисленными экспонатами выставки. Гости попадают в сплав 2-х реальностей: реальности, в которой существуют посетители, и реальности, в которой существуют звезды. Папарацци на дисплее приглашают посетителей заглянуть в частные моменты повседневной жизни звезд, в то время как панель с большим экраном создает иллюзию поездки в машине с любимыми звездами. Посетители также могут посетить звездный фотобокс и получить фотографию с позирующим с Psy или BIGBANG (фотография 8). В другом конце фойе расположена невероятная фотография G-Dragon перед спортивным автомобилем, сделанная из прозрачного материала, ярко освещенная холодным неоновым светом. Это настоящий реквизит, который использовался для его мирового турне «One of a Kind». Чтобы усилить впечатление, что тур был действительно живой, фон, на котором сфотографирован G-Dragon, представлен созвездием желтых огней, напоминающих зрителям о том, что фанаты всегда поддерживают выступления BIGBANG на живых концертах желтыми лайтстиками. Размещая в инсталляциях реквизит, который однажды использовался на реальных концертах, организаторы выставки стремятся передать ауру живого события.
Центральной фишкой в этом святилище, куда фанаты приходят поклониться своим айдолам, является высокая башня-экран размером до потолка, с многочисленными вертикальными цифровыми панелями, на которых проецируются высококачественные изображения поющих звезд, которых посетители могут выбрать сами. Внизу этой K-pop башни расположен экран с надписью «нажмите на вашу любимую звезду». Это создает иллюзию тактильной близости со своим айдолом, хотя вы только прикасаетесь к холодному экрану (фотография 9).
Это сияющее пространство заполнено пестрой мозаикой из розовых и голубых панелей, обшитых серебристыми металлическими колоннами. И куда бы вы ни бросили взгляд, вы увидите имена популярных K-pop исполнителей, написанные серыми и черными буквами заостренным шрифтом. Везде царит виртуальная реальность. Посетители теряют чувство реального времени и пространства и отдаются во власть измененной действительности, оптического обмана, созданного то ли при помощи обычного фотошопа, то ли более сложного проецирования голограммы посредством технологии ротоскопирования.
Все же Klive не полностью стирает противоречия между настоящей материальной действительностью и искусственной пиксельной реальностью. Перед входом в театр голограммы в шикарно украшенном фойе театра посетителей встречает профессионально исполненный танец в виде пантомимы. Трио брейк-данс-танцоров в белых масках и красных костюмах появляется перед толпой зрителей, стоящих у входа в зал. Их материальное присутствие перед пиксельными изображениями звезд, выступающих под лейблом YG, подвергает сомнению давний спор о двойственности физического и цифрового тела. Так чего же все-таки хотят добиться живые танцоры от зрителей, пришедших в Klive? Что они надеются увидеть: голографиченское шоу или имитацию живого перформанса, наполненного цифровыми двойниками живых исполнителей?
Трио исполняет танец на расстоянии вытянутой руки. Лишь невидимая грань разделяет исполнителей и зрителей. Через эту легко пересекаемую границу между танцорами и аудиторией возникает сильное кинестетическое притяжение. Зрители не могут удержаться и невольно начинают танцевать в такт быстрой ритмичной музыке, повторяя движения танцоров. Таким танцевальным введением в театр голограммы зрителям дают понять, что они увидят гибридное шоу, в котором используются и живые, и цифровые тела. Голографические тела – полые проекции без материального наполнения – превращаются в эффектное зрелище в сочетании с живыми телами.
Говоря о симбиозе в этом представлении, я хочу обратить внимание на аргумент Стива Диксона, утверждавшего, что «виртуальное тело действует в качестве индикатора, в качестве следа и представления уже существующего физического тела»[288]. Подобное предшествование материальных тел подчеркивает, что «зрители на когнитивном уровне воспринимают выступающее перед ними виртуальное человеческое тело (в противоположность телу, моделируемому на компьютере) как воплощенное в форме материальной живой плоти»[289]. Диксон считает, что виртуозность пиксельных тел, независимо от того, насколько убедительно они выглядят в 3D-исполнении, объясняется тем, что они являются имитацией фактического тела, без которого не может существовать оптический обман голографического тела.
Если мы принимаем точку зрения Диксона, то присутствие живых человеческих тел в виде трио, танцующего в фойе Klive, готовит нас к появлению голографических фигур внутри зала. Как только посетители входят внутрь, их немедленно окружают актеры-мимы, которые позднее появятся в виде голограммы на авансцене. Задав тон гибридности между живым и цифровым перформансом еще во время танца в фойе несколько минут назад, 3-е танцоров одеты в новые костюмы. Теперь это клоун, мотоциклист и мужчина в костюме лимонного цвета – они имитируют персонажей из музыкального клипа «Gangnam Style» в исполнении Psy. Они деловито прохаживаются среди зрителей, устанавливая с ними контакт. Зрители недоумевают: они ожидали увидеть голограммы, а вместо этого видят живых людей. Немного пообщавшись со зрителями в зале, актеры-мимы выходят на авансцену.
В течение нескольких минут знакомое нам трио исполняет танец на сцене, как вдруг внезапно рядом с ними появляется Psy в виде 3D-проекции, возвещая о начале голографического шоу. Голограмма всемирно известного исполнителя Psy рядом с живыми телами 3-х танцоров кажется пустотелой и бледной. Шоу не скрывает, что Psy – «фейк» (в значении «неживой»); более того, фантомная природа проецирования голограммы усиливается, когда его тело делится на 5 фигур, подчеркивая идею, что цифровые тела, в отличие от живых, легче поддаются оптической манипуляции. Чтобы усилить ощущение иллюзии, зрителям предлагают увидеть, как несколько фигур Psy пролетают над известными географическими достопримечательностями: Статуей Свободы, египетскими пирамидами, Мавзолеем 1-го императора из династии Цинь, Пизанской башней и Эйфелевой башней.
Сидя в этом охлажденном кондиционерами пространстве, наблюдая за глобальными перемещениями голографического Psy над всемирно известными достопримечательностями, я не могла не задаться вопросом: что с этим всем делать? В своем фундаментальном труде Bodies in Technology (2002 год) американский философ Дон Ид вводит понятие 3-уровневого регистра тел. Это определение позволяет лучше понять шоу в Klive: 1-е тело – это наша телесная, физическая оболочка в реальном мире; 2-е тело обусловлено культурным и социальным окружением; и, наконец, 3-е тело существуют в «технологическом измерении»[290]. Если следовать этой теории, голографический Psy – или то, что Ид называет «3-м телом», – остается действительной ссылкой на тело реального певца или комбинацией того, что Ид называл «2-м и 3-м телами». Отношение между реальным Psy и голографическим образом – чисто индексальное: без 1-го не существует последнего; без последнего – 1-е ограничено исключительно 1-м уровнем в регистре тел – телесной, физической оболочкой в реальном мире. В конце концов, голографическое изображение Psy (3-е тело) не может существовать без его фактического тела (1-е тело), но интересно знать, сколько человек из посетителей Klive действительно встречались с реальным Psy (с его 1-м телом) в условиях реального времени и пространства? Большинство из нас сталкивались с Psy в виртуальном мире на YouTube во время просмотра его музыкальных клипов, то есть с его 3-м телом – неизбежной заменой присутствия его фактического тела (1-го тела) в нашем опосредованном мире. Ссылаясь на «настоящего» певца, в этом случае мы имеем в виду певца, существующего в виртуальном пространстве на YouTube.
Перформанс в Klive воплощает идею, что цифровое и реальное больше не являются феноменологически раздельными понятиями. Другими словами, технология голограммы разрушает различие между 3-мя уровнями тела, предложенного Идом. Когда голографический Psy (3-е тело) стреляет из лазерного пистолета, целясь в живую аудиторию, мы начинаем осознавать, что вошли в эпоху, когда виртуальных исполнителей и живых зрителей больше не волнуют онтологические[291] разрывы – неважно, в какой форме материализованы тела. Когда голографический Psy нажимает на курок, трио живых танцоров одновременно стреляет в зрителей из водяных пистолетов, чтобы вызвать у них кинестетическую ответную реакцию. Но действительная взаимосвязь между 3-мя уровнями тел проявляется в тот момент, когда на сцене проецируются фотографии 3-х реальных зрителей, присутствующих в зале (1-го тела), которые одновременно являются 2D-версией (3-е тело), во время их взаимодействия с голографическим Psy на сцене.
Эта одновременная трансформация реальных зрителей в цифровые проекции на сцене стала возможной, потому что посетители в ожидании начала шоу делали свои фотографии со звездами в фотобоксе. Таким образом, у организаторов шоу появилась возможность выбрать несколько фотографий зрителей и включить их в цифровое шоу. Когда голограмма Psy разговаривает с «недавно оцифрованными» зрителями, на самом деле находящимися в зале, вновь подтверждается теория Диксона о том, что фактическое 3D-тело должно существовать до создания его голографического изображения. Как Диксон точно отметил: «Независимо от среды онтология перформанса в течение многих веков носила виртуальный характер и напоминала симулакру[292], а плоть даже виртуального исполнителя остается слишком плотной, чтобы растаять»[293]. Но, учитывая взаимную зависимость между реальными и виртуальными телами на сцене в Klive, в этом заявлении также проявляется обратная сторона: виртуальная реальность, населяемая цифровыми телами, освобождает реальные тела от их заключения в рамках времени и пространства.
Взаимосвязь между виртуальным и реальным, продемонстрированная в выступлении Psy, продолжается в показе следующих частей шоу – выступлениях групп 2NE1 и BIGBANG.
Вот еще несколько примеров неразрывного переплетения живых и цифровых тел в этом шоу: мгновенный перевод лиц живой аудитории в цифровой формат и перемещение зрителей на сцену в виде голографических изображений, где они взаимодействуют с голографическими звездами; обращения голографических звезд непосредственно к аудитории в зале в попытке сломать 4-ю стену. Полет цифрового Psy над различными достопримечательностями, полет участников группы 2NE1 на ковре-самолете в 3D-проекции и левитация исполнителей группы BIGBANG вопреки законам тяготения напоминают зрителям, что эти исполнители выступают в статусе «просто голограммы», в то время как цифровая виртуальная действительность не прекращает взаимодействовать с реальной. В этой попытке шоу заходит еще дальше, когда гигантская цифровая проекция руки появляется на сцене, чтобы разрушить голографические фигуры в натуральную величину, рассеивая любую потенциальную веру, что голограммы – реалистические исполнения человеческих тел. В общем, в этом шоу невозможно перепутать виртуальное и цифровое, хотя они все же взаимно зависят друг от друга. И эту мысль подтвердил мой 3-летний сын, когда сказал после шоу: «Те люди на сцене были НЕНАСТОЯЩИМИ».
В свете этого симбиоза цифрового и реального, подчеркивающего искусственный характер цифрового, несколько иронично звучат комментарии, которые приводятся в промо-видео на YouTube. Зрители, посетившие шоу, на китайском, японском и английском языках пишут о том, насколько «реалистично» выглядят голографические изображения. Комментарии типа «У меня было ощущение, будто G-Dragon стоял рядом со мной» или «Это было похоже на реальный концерт» – попытка поддержать хрупкую иллюзию, что голограммы надежная основа для воплощения реальности материального тела. Но мои наблюдения подсказывают, что перформанс в Klive всего лишь доказывает, что цифровое и реальное живое тело никогда действительно не могут быть преобразованы друг в друга. Это шоу всего лишь заставляет зрителей понять, что они живут во времена, когда смешивание тел считается достижением высоких технологий.
В данном случае можно считать частично верным высказывание, что «повседневное завидует телеприсутствию, завидует виртуальному»[294], так как не существует никакого конкретного желания различных уровней тел подражать друг другу и вызывать путаницу, когда мы выдаем одно тело за другое. Возможно, именно это является неоспоримым доводом, почему южнокорейское правительство рассматривает физиологические тела айдолов как идеальный вариант для голографического проектирования. Тела К-pop звезд хорошо поддаются регулированию и восприимчивы к внешнему давлению. После стольких лет корректировок в процессе обучения, после косметических операций и строгой диеты айдолы превратили свои тела в игровое поле, на котором можно тестировать любые технологии. Klive как раз является тем примером, в котором отражаются самые высокие национальные технологические устремления и чаяния.
Эффективная технология для страны
Технологическая сложность и трудоемкость производства этого шоу скрыты от аудитории. Большинство зрителей просто наслаждаются результатом бесперебойной слаженной презентации, несмотря на то что шоу в Klive включает 3 технологических компонента: голограммы, виртуальной реальности (VR) и дополненной реальности (AR). Преимущество технологии голограммы заключается в том, что для получения 3-размерных изображений не требуются специальные устройства. Для виртуальной реальности (VR), наоборот, чтобы получить 3D-эффект, нужны специальные гаджеты – защитные очки и перчатки, усиливающие работу визуальных и осязательных сенсорных систем. Этот тип технологии зависит от интерфейса пользователя с программным обеспечением. Дополненная реальность (AR), в свою очередь, отличается от VR тем, что она опирается на «наложение» реальных и виртуальных изображений, чтобы создать «бесшовное» поле зрения.
Съемка видеоголограммы для 1-й песни, обычно длящейся 4 минуты, занимает минимум 3 дня. Исполнителям, которые пользуются особенно высоким спросом, включая Psy, 2NE1 или BIGBANG, действительно было трудно выделить время для записи перформанса в Klive. Каждый исполнитель представляет в среднем 3 песни, поэтому, скорее всего, пожертвовал на подготовку шоу приблизительно неделю. Это намного превышает время съемки музыкального клипа, на который обычно требуется от 24 до 48 часов интенсивной работы. Но момент вознаграждения для звезд наступает, когда выходит ролик, который можно без конца просматривать и распространять в интернете. Бесконечная воспроизводимость голограмм заставила некоторых артистов безоговорочно утверждать, что будущее музыки изменится. Британская певица, автор песен Emmy the Great, например, написала в 2015 году, что голограммы в будущем усложнят работу для певцов:
Мы сможем проводить дни своих туров на диване и смотреть канал Netflix 2.0, в то время как наши аватары будут трясти голубенькими пинетками на потных концертных сценах. Голограммы не чувствуют запаха, не спят, не едят; поэтому изнурительные графики с посещением пропахших алкоголем баров за 1000 миль от последней автострады Waitrose для них вполне подойдут. Ты слышишь – «голограмма», я слышу – «музыкальный раб»[295].
Как бы соответствуя этому прогнозу, музыкальные рабы настоящих K-pop звезд работали беспрерывно для живой аудитории с 1-го дня своего появления. Как сообщает Korea Economy TV (Hanguk Gyeongje TV), в течение 7 месяцев на шоу Klive побывало 30 000 посетителей, заплативших за билеты. Подобное шоу голограммы можно увидеть в театре в парке развлечений Everland, который находится в собственности Samsung. Посещение шоу голограммы включено в стоимость входного билета в парк. За год около 750 000 человек посмотрели это шоу в парке[296]. Каждый сеанс в местах проведения шоу может посетить 350 человек. При сравнении количество зрителей на голографических шоу намного превосходит количество зрителей на живых K-рор концертах. В то время как настоящие K-pop звезды записывают коммерческие ролики или отдыхают за границей, их голографические рабы пашут в поте лица перед живой аудиторией.
Подобно фильмам, голограммы тоже могут легко распространяться за границей. Существует много примеров, когда голографические образы K-pop певцов появлялись за пределами Кореи, особенно на 2-м 10-летии нового тысячелетия. Группа 2NE1 была в числе 1-х исполнителей, начавших эту тенденцию. Их голографический дебют состоялся в Старом Биллингсгейте в Лондоне во время выставки Korea Brand and Entertainment Expo (KBEE) в 2013 году. Голографический перформанс BIGBANG – самой известной звезды, выступающей под лейблом YG, – демонстрировался на Выставке YG в Японии в Кисаразу Молле, расположенном в префектуре Тиба, с 22 февраля по 20 апреля 2014 года[297]. Шоу пользовалось такой популярностью, что его работу продлили еще на месяц.
Чтобы воспользоваться благоприятным моментом и познакомить еще больше зарубежных стран с голографическим шоу, YG Entertainment в сотрудничестве корпорациями d’strict Holdings, KT и Paradise Group основала совместное предприятие Next Interactive Korea (NIK). Такое решение было принято для того, чтобы открыть цифровой парк развлечений PLAY K-POP в Чичжоу в провинции Аньхой, где шоу голограммы будут демонстрироваться китайским посетителям. Открытие этого голографического парка служит очередной демонстрацией передовых корейских информационно-коммуникационных технологий – 3D, 4D, VR и голограммы.
Кампания «креативной экономики» ставила целью продвинуть голограммы как симбиоз планирования правительства и частного бизнеса, точности и спонтанности, промышленности и культуры, для того чтобы ликвидировать традиционное разделение между культурным содержанием и информационными технологиями, чтобы объединить их в единую движущую силу в современной Южной Корее. Зарубежные СМИ отмечали усилия, способствующие синтезу технологии и искусства. Например, в отчете BBC в 2014 году было написано следующее:
Музыкальная волна – проявление изменений в стране. Под руководством ее нового президента – Пак Кын Хе – Южная Корея вступила на новый путь, на котором страну ждет ускорение, как заявила Пак… Корея стремится создать так называемую новую креативную экономику, а K-pop является ее частью. Корейские мыльные ТВ-оперы, корейские дорамы и, конечно, K-pop музыка. В основе этого творческого прорыва лежат технологии, которые в Южной Корее развивались в последние 20–30 лет. Страна производит смартфоны, популярные во всем мире, и почти в каждом корейском домашнем хозяйстве имеется доступ к широкополосной интернет-связи[298].
Статья, написанная преимущественно в положительном тоне, вышла еще до крупного политического скандала в результате выявленной коррупции, связанной с проектами в рамках креативной экономики, что в итоге привело к импичменту президента Пак. Статья подчеркивает успешную координацию между частными и государственными секторами как национальное преимущество Южной Кореи. Однако в статье отсутствует критика оппортунизма южнокорейского правительства, которое воспользовалось плодами спонтанного культурного бума, созданного не только в результате движения «сверху вниз». На критический разрыв между непоследовательно развивающимся частным сектором и более регламентированной, но в то же время оппортунистической правительственной политикой указывается в другой статье:
Экономика Южной Кореи должна догнать свой народ. Южнокорейцы – наиболее «электронные» пользователи в мире и самые продвинутые пользователи смартфонов. Корейские звезды – самые популярные в Азии; корейские гаджеты и корейская мода – крутейшие. В их стране находятся огромные производственные конгломераты, chaebol (jaebeol), такие как Hyundai Motor Group, Samsung Group и LG Group, которые остаются оплотами ориентированной на экспорт системы, созданной после Корейской войны властным лидером Пак Чон Хи[299].
Как отмечает в этой статье газета Korea Herald, нелегко совместить разнонаправленные подходы: подход сверху вниз при формировании культурного движения и дискурсивный поток поп-культуры снизу вверх. Только агрессивный толчок южнокорейского правительства сумел сгенерировать особый вид креативной экономики со смешанными результатами – от экспериментального соединения музыки и технологий до абсурдных схем, втянувших артистов и продюсеров в самый причудливый политический скандал, который Южная Корея, знакомая с коррупцией, когда-либо видела за всю свою современную историю[300].
Особенно громко о переходе к креативной экономике было заявлено в 2014 году на проходившей в Южной Корее конференции Международного союза электросвязи (ITU). ITU является специализированным агентством Организации Объединенных Наций по информационно-коммуникационным технологиям. На открытии его полномочной конференции в Пусане (Южная Корея) 20 октября 2014 года выступили 2 самых известных южнокорейца – Пак Кын Хе и Psy[301]. Самая большая разница между их выступлениями заключалась в том, что южнокорейский президент лично произнесла вступительную речь перед делегациями из 193 стран мира, тогда как несуразный певец выступил в голографическом воплощении и станцевал свой знаменитый танец лошади, прославивший клип «Gangnam Style». Этот пример тесного сотрудничества между политикой и развлечениями сумел продемонстрировать высокий уровень информационных технологий Кореи. Но чье именно присутствие означало более эффективную поддержку идеологии креативной экономики – реального человека или голографического фантома?
Непосредственное выступление национального лидера на церемонии открытия придало больше значимости этому событию, подчеркнув важное место, которое занимают информационно-коммуникационные технологии в судьбе Южной Кореи[302]. В своей речи Пак подчеркнула:
Мы уже достигли переломного момента в цифровой революции, обеспечившей нас всеми видами связи. Произошла цифровая революция, которая принесла нам увеличение связи, более умную связь и более быструю связь. Эта революция, обеспечивавшая гиперсвязь, приведет нас к возникновению новых отраслей промышленности и сервисов. У нас появятся умные транспортные средства, умное здравоохранение и умные города. Она преобразует наш образ жизни и внесет вклад в развитие нашей экономики и общества[303].
Комментарии Пак прежде всего касались быстрого развития взаимосвязи сетей в конкретных секторах, таких как технологии, культура, экономика, городское планирование и путешествия. Гибкий взаимный обмен в этих категориях, отмеченный появлением голографической экосистемы, в которой промышленность, развлечения и СМИ создадут непрерывный континуум, ставит перед обществом трудные задачи.
Закрадывается некоторое сомнение, что применение голограммы будет только увеличиваться в будущем и что идея голографической экосистемы не просто ажиотаж и рекламный трюк. В свете этого тренда идея внедрения технологий голограммы в нашу повседневную жизнь – важный урок, который необходимо изучать в образовании граждан. Урок уже хорошо отрепетирован на шоу Klive, а также на конференции ITU 2014 года, где живые и цифровые тела смешивались, не мешая друг другу, и даже представляли цельное видение. Личное присутствие южнокорейского президента рядом с голографическим Psy расширяет модель сосуществования живых зрителей и голографических K-pop звезд, выходя за рамки перформанса Klive. Они зеркально отражают друг друга, доказывая, что в живую ткань сегодня неизбежно вплетается смешанная реальность, в которой аура пиксельного изображения и физического присутствия из плоти и крови имеют одинаковое значение.
Голографическая экосистема обязательно окажет долговременные последствия для K-pop индустрии. Музыкальные клипы закрепили за K-pop музыкой статус перформанса, оказывающего воздействие на все органы чувств, а не просто музыкального жанра. Голограммы делают то же самое, но в более агрессивной форме, чем музыкальные клипы. В театре голограммы заложено понятие «живого» присутствия, особенно при взаимодействии с живыми зрителями в зале, – это как раз то, чего недостает в случае с музыкальными видеоклипами.
Живое участие, как мы увидели на примере с шоу Klive, в котором демонстрировались технологические чудеса для живой аудитории, открывает потрясающие возможности для формирования нового вида общественного пространства, где технологический прогресс будет показан как национальное достоинство как внутренним, так и внешним зрителям. Вот почему южнокорейское правительство так заинтересовано в инвестициях в технологию голограммы на стадии ее становления и разработке гибких экосистем, объединяющих культуру, экономику, цифровую технологию и туризм. Превратив K-pop звезд – даже в голографических проекциях – в символ будущего Кореи, правительство демонстрирует, какой вид общественного пространства и социального диалога оно заинтересовано обеспечить в Корее. Подобно представителям британской королевской семьи, K-pop звезды прилагают все усилия, чтобы избегать любых политических заявлений и споров и оставаться просто иконами, ублажающими общественность. С другой стороны, потребители K-pop культуры помещают своих айдолов в центр потребительского желания, и их коммерческие сделки относительно К-pop звезд принимают форму аффективного труда (мы уделим больше внимания этому вопросу в следующей главе о KCON).
Общественное пространство, продвигаемое K-pop музыкой и южнокорейским правительством, является прекрасным воплощением неолиберальных сделок, в основе которых лежит цель «перевести любое действие человека в сферу рыночных отношений», как однажды заметил Дэвид Харви[304]. После окончания шоу в Klive зрители проходят на выход через соблазнительно выставленные на продажу K-pop товары и сувениры. Эти товары, не являясь голограммами, тем не менее, ассоциируются с образами виртуальных звезд и поэтому как бы лишены реальной коммерческой ценности – все под эгидой южнокорейского правительства. Подводя итог, можно сказать, что дух живого перформанса может быть превращен в товар в условиях неолиберального государства, которое так радостно танцует с пустотелыми голографическими звездами.
Школа Оз и музыкальная голографическая экосистема
В то время как компания YG Entertainment создала новую парадигму K-pop перформанса с полноценным театром голограммы в Klive и другими зарубежными голографическими проектами, SM Entertainment также предпринимала упорные попытки в разработке голограммы. Чтобы не отстать в гонке за использование голограммы в индустрии культуры, SM Entertainment совместно с Universal Studios Japan в 2013 году открыла V-Театр Голограммы в Японии, чтобы демонстрировать голографические исполнения своих популярных звезд, таких как TVXQ, Super Junior, SNSD, SHINee и EXO, которые выступают вместе с глобально признанными иконами Elmo и Cookie Monster. Эта попытка протестировать перформанс голограммы на японском рынке – родине всемирно известной голограммы Мику Хацунэ – оказалась столь успешной, что SM Entertainment показала еще одно шоу с голографическим концертом в тематическом парке Huis Ten Bosch Theme Park в Нагасаки с 3 апреля по 5 июля 2015 года. Посетители парка увидели идеальные голографические изображения самых известных звезд компании. Согласно сообщению в местных СМИ, последний проект голограммы компании SM был организован в превосходных условиях. Театр голограммы, «превосходящий по размерам кинотеатр Imax» с «33-метровым крупномасштабным экраном, с качеством разрешения 12K, позволил максимально приблизить перформанс к реальной жизни»[305].
Этот пример показывает разительный контраст в стратегиях развития между компаниями YG и SM. В то время как YG сначала опробовала корейский рынок, перед тем как вывести шоу голограммы на зарубежный рынок, SM Entertainment следовала противоположным маршрутом, сначала протестировав иностранный рынок, а затем обратившись к освоению рынка в Корее. Пока еще слишком рано оценить процесс и делать выводы. Мы не знаем, какая стратегия окажется более жизнеспособной, но одно уже очевидно: хотя SM Entertainment несколько запоздало присоединилась к проекту по соединению K-pop музыки с голограммой и все еще находится на стадии испытания, ей, тем не менее, удалось разработать новый трансмедиальный эксперимент и собственные голографические проекты, которые достаточно отличаются от проектов YG Entertainment. Если YG Entertainment создала шоу, в котором с помощью технологии голограммы показывают концерт артистов YG с периодическими вкраплениями оптических иллюзий, то голографический мюзикл School Oz – детище SM Entertainment – делает все с точностью до наоборот, создав шоу в формате обычного мюзикла с сюжетом, игрой актеров, пением и танцами. В то время как YG обращается к голограмме как к техническому инструменту, чтобы усилить эффект живого музыкального перформанса на сцене, SM рассматривает голограмму как волшебный набор инструментов для создания совершенно нового музыкального жанра, способного расширить карьеру K-pop исполнителей.
Как я уже упоминала в главе 2, приверженность SM Entertainment к постановке бродвейских мюзиклов значительно влияет на творчество их айдолов. Если видеоклип «Twinkle» в исполнении группы TaeTiSeo воссоздал ауру живых бродвейских мюзиклов из прошлой эпохи, мы можем только задаться вопросом, каких высот достигнет жанр мюзикла в School Oz при взаимодействии с технологией голограммы. Это 1-й известный пример «голографического мюзикла», образец голографической изобретательности, давший начало новому гибридному жанру. Насколько эффективно он может создать уникальный живой продукт? Насколько ясно этот продукт отразит главные проблемы продвижения национального брендинга и креативной экономики? Мы сможем получить ответы на эти вопросы, посетив пространство, где этот голографический мюзикл идет на сцене. Поэтому мой анализ начинается с более внимательного рассмотрения одной из самых впечатляющих святынь K-pop музыки, существующей до настоящего времени, – SMTOWN. Здесь регулярно проходят постановки 1-го в мире голографического мюзикла.
День в SMTOWN
Итак, мы идем в SMTOWN – представительный культовый центр почитания K-pop музыки. Klive по сравнению с ним выглядит как небольшое семейное предприятие, если сравнивать их по размеру и удобству расположения. С тех пор как 14 января 2015 года SMTOWN распахнул двери перед туристами и поклонниками K-pop музыки, он стал обязательным для посещения местом. Каждый фанат стремится побывать здесь, так же как паломники из отдаленных уголков мира стремятся посетить святые места.
SMTOWN расположен в Каннамгу – одном из самых процветающих районов на юге Сеула. Для освещения 7-этажного здания служит сочетание естественного света, проходящего через синеватые стеклянные панели, и ослепляющих софитов, стратегически подчеркивающих его футуристические архитектурные детали.
Я посетила SMTOWN 26 апреля 2015 года, спустя 3 месяца после его открытия для широкой публики. Общее впечатление можно описать 2-мя словами – оригинальность и блеск. Когда входишь в SMTOWN, испытываешь ощущение, что ты попал в «SM box». В переводе с малопонятного жаргона K-pop фанатов это означает ярко освещенную, первоклассную, ультрасовременную студию, в которой часто снимают музыкальные клипы с исполнителями SM (например, клип «Mr. Simple» в исполнении Super Junior; танцевальная версия «Your Number» в исполнении SHINee; «The Boys» в исполнении Girls’ Generation и др.). SMTOWN – пестрое скопление магазинов-флагманов высокой моды, роскошных салонов красоты, комфортных спа, футуристических космических кораблей, мультиплексных/многозальных кинотеатров и безукоризненно чистых кафе, в которых театр голограммы всего лишь «одно блюдо в банкетном меню», состоящем из многочисленных желаний потребителей.
Монохроматический вход в SMTOWN под крышей оживленного торгового центра напоминает вход в отель высокого класса в Лас-Вегасе и поражает смесью строгого стиля с кичем (фотография 10). Гладкие гранитные колонны черного цвета подпирают просторный вход с обеих сторон. Подобно блестящим созвездиям на ночном небе, 1000 зеркальных инкрустаций демонстрируют названия групп SM. В форме геометрических знаков – символов, обозначающих каждую группу, – они аккуратным кольцом окружают большой логотип «SMTOWN». Как только посетители входят в приветственную зону на 1-м этаже, они сразу же видят «светящуюся фантастическую медиастену», на которой члены бой-бэнда SHINee, выступающего под лейблом SM, приветствуют гостей с неотразимыми улыбками. Затем по эскалатору посетители поднимаются на 2-й этаж, где сразу попадают магазин К-pop знаменитостей – SUM.
Посетители входят в SMTOWN через сувенирный магазин и выходят также через него. Если вход в SMTOWN только задает тон абсолютной ультрасовременности, то в сувенирном магазине SUM на 2-м этаже машина потребления начинает работать на полную мощность. Посещение SUM – серьезное испытание для посетителей: трудно устоять перед соблазном и не купить хоть что-нибудь. В этом пространстве выставлены на витрину «уникальные образцы жизни знаменитостей» – здесь представлен ассортимент товаров от маек, сумок и обуви до солнцезащитных очков, духов и блокнотов, и, конечно, на всех товарах присутствует изображение лиц и логотипов айдолов SM.
На 3-м этаже расположена студия SMTOWN, которая на сайте SMTOWN описывается как «студия EDUtainment, где посетители могут примерить на себя роль артистов с помощью профессионального персонала». Здесь можно полностью преобразиться в K-pop звезду – записать собственную музыку или снять музыкальный видеоклип, как это делают айдолы. Если SUM – это место, где посетители могут приобрести связанные с айдолами товары, то студия – это место, где они могут имитировать самих айдолов. SMTOWN предоставляет возможности для реализации любой фантазии, причем полет фантазии ограничивается только вопросом цены.
Цикл полного потребления продолжается в кафе LIVEary на 4-м этаже. Оно снова представляет пространство с объединенными функциями: «кафе», «музыка», «медиа», «книги» и «специальные товары» – все это можно найти в кафе. На самом деле LIVEary функционирует как музыкальный архив артистов SM. Здесь посетители могут заказать собственный CD, расположив песни артистов SM в определенном порядке, или могут побаловать себя выпечкой в стиле К-pop тематики, правда, по завышенным ценам. Капкейки в форме бейсболок с логотипами айдолов в пастельных тонах такие непреодолимо восхитительные, что трудно удержаться и не купить даже по такой непомерной цене. Выпечку можно запивать такой же дорогой газировкой в прозрачных бутылках, названной в честь айдолов SM Entertainment. Лимонная вода «BoA», ярко-розовый напиток «Girls’ Generation», голубая вода «SHINee», темно-фиолетовая вода «f(x)», вода «TVXQ» цвета кровавый гранат. Эти напитки, идеально расставленные на белоснежных меламиновых полках, соблазняют поклонников, испытывающих жажду, «попробовать» айдолов своей мечты.
Пока посетители передвигаются на эскалаторах между этажами, они знакомятся с групповыми фотографиями исполнителей SM, с коллекциями звездных трофеев, выставленных как экспонаты в музеях, и профессиональными инсталляциями костюмов, которые айдолы носят в музыкальных клипах (фотография 11). Я сочинила сложное слово Larchiveum – его поймут те, кто знает английский язык. Оно обозначает: библиотеку – Library, архив – archive и музей – museum и описывает несколько функций, которые выполняет SMTOWN. А если слово написать через дефис со словом storine, то получится еще 1 сложное слово, придуманное мной, состоящее из слов «магазин» – store и «святыня» – shrine. Этот двойной неологизм более всего отражает весь набор функций, которые этому удивительному месту суждено выполнять.
Как Klive в предыдущей главе, SMTOWN тоже может представлять интересное место для посещения обычных туристов. Но для преданных фанатов айдолов SM оно имеет сакральное значение; это место, созданное для религиозного паломничества, где открыто провозглашается поклонение товарному идолу. Авторитет SMTOWN как места поклонения заключается в его способности передавать ауру живого присутствия звезд, так же как религиозные храмы, которые считаются святыми местами, где присутствует или подразумевается объект поклонения. Как подчеркивается в названии кафе – LIVEary – понятие «живой» может присутствовать в нескольких формах: живая музыка, подлинное присутствие айдолов и, что самое важное, живое взаимодействие между отсутствующими звездами и присутствующими зрителями. Понятие «живой» в последнем значении крайне важно для лучшего понимания голографического мюзикла, который мы будем смотреть в зале на верхнем этаже SMTOWN.
Когда посетители поднимаются на 5-й этаж, они попадают в яркое открытое пространство, освещенное через окна в крыше и за счет медиастены в 50 футов высотой, протянувшейся вдоль всей стороны зала. Во время моего визита 2 последних музыкальных видеоклипа, выпущенных SM, – «Call Me Baby» в исполнении EXO и «Automatic» в исполнении Red Velvet – постоянно звучали по кругу. Блестящий пол перед экраном был усыпан белыми табуретами кубической формы с изображением автографов популярных артистов SM. Да, эти айдолы бывали здесь лично, и мы видели существенные доказательства их живого присутствия, которое предшествовало нашему посещению. Фойе в театре голограммы уже посылало мощные сигналы, что посетители вошли в договорное пространство, где следы живого присутствия пытаются отменить заметное отсутствие айдолов. Точно так же театр голограммы предоставляет себя одновременно живому перформансу айдолов и их голографическим проекциям, превращаясь в место, где игра между иллюзиями присутствия и маскировкой отсутствия станет главной темой на сцене.
Как бы в дополнение к нарастающей напряженности между отсутствующими звездами и присутствующими зрителями, вестибюль театра голограммы отмечен другими признаками близости, потенциально сигнализирующими о взаимодействиях между звездами и поклонниками. Везде стоят картонные фигуры айдолов в натуральную величину, с которыми посетители могут сфотографироваться. В воздушном атриуме разместились интерактивные экраны, с помощью которых посетители могут сравнить свои руки с руками айдолов и подобрать руку, наиболее подходящую им по форме и размеру. Сравнив данные, экран высветит личностные черты, которые объединяют посетителя со звездой. Как в случае с надписью «прикоснись к своей любимой звезде» на медиабашне в Klive, воображаемое тактильное прикосновение рождает близость и придает конкретную форму и характер отсутствующей звезде.
Театр голограммы усиливает идею, что расстояние между физически присутствующими зрителями и отсутствующими звездами может быть легко уничтожено простой визуальной уловкой, во многом похожей на ту, которая применяется в Klive. Когда я собиралась войти в театр, сотрудник с камерой, решив, что я японская туристка, спросил меня на японском языке, с какими айдолами я бы хотела сфотографироваться. Я выбрала TVXQ, популярный мужской дуэт SM. 1 из участников играл главную роль в голограмме мюзикла, который я пришла посмотреть. Через 2 секунды сотрудник вручил мне входной «фотобилет» в театр SMTOWN, на котором я улыбалась, стоя рядом с привлекательными участниками дуэта. Чудесное появление K-pop призрака на моем билете основано на простой логике: с помощью технологии можно увидеть то, что ускользает от невооруженного взгляда.
Мюзикл School Oz
В отличие от театра Klive, который изначально задумывался как концертная арена со стоячими местами, театр голограммы в SMTOWN был построен как типичный концертный зал с 746 обитыми материей местами[306]. Дубовые стеновые панели цвета меда окружали партер, в котором сидели зрители. Их было немного, на самом деле я могла пересчитать их по пальцам рук. Количество зрителей едва ли превышало количество обслуживающего персонала в зале. Я немедленно подвергла сомнению успех кампании по продвижению театра голограммы и всю шумиху в СМИ о новом проекте SM[307].
