Страстный модерн. Искусство, совершившее революцию

Орнамент Климта основан на стилизованных органических формах – фигурах, птицах и цветах. На этом фризе Климт выразил свое понимание символизма, используя большое количество тайных символов, изображения древнеегипетских богов. Рассмотрим детали.

Густав Климт. Удовлетворение, 1908–1911, дворец Стокле. Бельгия, Волюве-Сен-Пьер

Дерево со спиральными ветвями, так называемое «Древо жизни», соединяет группы фигур на двух длинных боковых стенах. Оно находится в центре композиции и простирается на все семь поверхностей картины, которые вместе образуют одну сторону фриза. Три черные птицы, соколы Гора, сидят на его ветвях. Цветки называют глазчатыми. Справа от ствола расположен пышный куст розы, вокруг которого жужжат бабочки. Стилизованное, геометрическое изображение листьев и цветов уже прослеживается во фризе Бетховена. Слева от ствола стоит «Ожидание», которую также назвали «Танцовщицей» из-за ее позы.

Густав Климт. Рыцарь, 1908–1911, дворец Стокле. Бельгия, Волюве-Сен-Пьер

На противоположной стороне изображение зеркально перевернуто, «Ожидание» заменено «Влюбленными», или «Удовлетворением». Цветочные луга и водотоки дополняют райское настроение фриза Стокле.

«Ожидание» («Танцовщица») закутана в платье А-образной формы, которое, кажется, ниспадает с ее золотых ожерелий. Плечи открыты, руки украшены бесчисленными браслетами. Поза «Ожидания» сравнивается с фигурами египетских танцоров. Здесь важен орнамент. Ткань платья украшена полосами, на которые нанесены треугольники неправильной формы. Климт дополняет его спиралями и орнаментом в виде глаз.

«Удовлетворение» показывает влюбленную пару в крепких объятиях. Еще раз вспомните фриз Бетховена в Сецессионе или «Поцелуй» Климта в Бельведере, в которых мужчина изображен сзади. Это позволяет Климту показать лицо женщины, ее закрытые глаза и ее преданность. Как и в «Поцелуе», Климт использует различные узоры для выражения мужественности и женственности. Женщина носит платье с цветочным рисунком, а мужчина – тяжелый плащ с геометрическими формами, овалами и прямоугольниками. Вечернее солнце заставляет «Удовлетворение» сверкать.

Узкую стену столовой занимает почти абстрактное, стилизованное изображение рыцаря. Рыцарь, изображенный на фризе Бетховена, намеревался бороться со злыми силами от имени слабого человечества, здесь он превратился в геометрическую фигуру и расположен на стене за хозяином дома во главе стола.

«Рыцарь» образует колонну, напоминая по композиции одновременно портрет Эмилии Флеге 1902 года, «Поцелуй» на фризе Бетховена 1902 и «Три возраста» 1905 года.

Неужели это первое абстрактное изображение XX века? Принято считать, что абстрактное искусство началось в 1910 году с работами Василия Кандинского. Критики аргументировали, что творение Климта – это не картина, а декоративно-прикладная работа, таким образом конкуренция становилась бессмысленной. По мнению искусствоведов, мужская фигура без глаз напоминает позднее кубистическое фигуративное изображение.

С помощью эскизов ремесленники Венской мануфактуры создали панно из мозаики, которое располагалось на трех стенах столовой.

Эскиз был перенесен с помощью темперы, акварели, золотой и серебряной краски, мела, карандашей и известки на двухметровые мраморные плиты – по семь на каждую сторону. На каждом цветущем кусте возле дерева жизни 200 листов из эмали различных оттенков зеленого. Все цвета были согласованы с Климтом.

Египетские глаза геометрической формы украшены драгоценными материалами: медью, серебром, золотом, кораллами, эмалью и фаянсом.

Сев во главе стола, хозяин дома вместе с рыцарем у него за спиной смотрит в сад, спроектированный Йозефом Хофманом. Кусты роз Климта находят свое продолжение в красных розах и лечебных травах в саду семейства Стокле.

Когда Густав Климт впервые посетил дворец Стокле 18 мая 1914 года, он писал своей вечной подруге Эмилии Флёге:

«Дом Стокле действительно очень красивый. Фотографии не дают представления о концепции. Сад также прекрасен сверх всяких ожиданий. Однако в настоящее время наблюдается недостаток цветов, тюльпаны засохли, розы, которых будет много, и все остальное еще не цветет. Эта фотография также дает плохое представление. Мой бедный рыцарь стал черно-зеленым. Дизайн его платья слишком «горбатый», но коррозия металла несильная. Некоторые вещи я должен был сделать по-другому, многие вещи мастерская могла бы сделать лучше. На стене могло бы быть гораздо больше золота» (18.05.1914)

Пейзажи Климта

Пейзажи Климта малоизвестны, хотя они занимают четвертую часть его наследия. Интересно, что Климт создавал к портретам много эскизов, а к пейзажам ни одного! Он работал в своей венской мастерской по фотографиям и открыткам, сделанным в отпуске на Аттерзее.

Как и в портрете, Климт развивался к декоративности и мистическому языку. Пейзажи были созданы в летние месяцы, которые Густав проводил с Эмилией Флёге и ее семьей на Аттерзее в Зальцкаммергут. Ранние виды этих мест – «Остров на Аттерзее» 1901-го или «Березовый лес» 1902 и 1903 годов – показывают любимую композицию Климта. Это увеличенный отрезок пейзажа с многочисленными деталями, в большинстве случаев без неба, обязательно квадратного формата.

Климт не ведет рассказ. Он показывает независимую от человека природу, атмосферное и спокойное настроение. Изображая волны и деревья, художник поднимает темы прошлого, вечности и естественного круговорота природы. Отпуск на Аттерзее с Эмилией стал для Климта отдушиной от венского общества, разрываемого скандалом, связанным с факультетскими картинами. Он пытался расслабиться в кругу друзей.

Климт составлял композицию пейзажа, используя вспомогательные средства: оптическую трубу и оперный бинокль. Так возникли плоские необъемные пейзажи с орнаментами, созданными с помощью цветного декоративного узора.

Густав Климт. Дом на Аттерзее, 1915, Бельведер. Австрия, Вена

©Österreichische Galerie Belvedere

Пейзажи Климта предвещают поздний стиль художника. У Климта была потрясающая коллекция восточного искусства. Он собирал африканские статуэтки, японский текстиль и китайские вазы. Во время поездок в Париж, Лондон и Брюссель художник покупал предметы азиатского и африканского искусства, но и в Вене была возможность купить вошедшую в моду этнографику. После Всемирной выставки в 1873 году в Вене были открыты магазины японского искусства «Икебана» и «Ау Микадо» на Кертнерштрассе, где продавался фарфор, бронза, зонты и кимоно. В письмах к своей любовнице – Мари Циммерман с озера Аттерзее – Климт упоминал о том, что читает каталоги с азиатским искусством.

Давайте рассмотрим развитие творчества Климта от «золотого» периода до позднего на примере двух картин – «Юдифь 1» и «Юдифь 2».

Густав Климт. Юдифь 1, 1901, Бельведер. Австрия, Вена

©Österreichische Galerie Belvedere

Написанная спустя 8 лет после первой, вторая версия показывает творческое развитие Климта к экспрессивному языку, которое выражается в ярких цветах и искаженных формах.

«Юдифь 1» была создана в 1901 году в разгар «золотого» периода Климта. Между этими картинами произошло много поворотных событий: раскол Сецессиона, запрет показывать эскизы факультетских картин в Австрийском павильоне на Международной выставке в 1904 году в Сант-Суисе, отказ Климту в желании стать профессором Академии изобразительных искусств Министерством образования.

Густав Климт. Юдифь 2, 1909, Музей современного искусства. Италия, Венеция

В «Юдифь 2» Климт использует плоское изображение, упрощая женскую фигуру до уровня декоративного элемента. Вместо эротических изображений фатальной дамы-искусительницы, которая отрубила голову своему любовнику, Климт создает образ торжествующей убийцы, которая тащит голову своей жертвы за волосы.

Для поздних работ декоративность или орнамент были важными элементами изображения цикла жизни, аллегорической темы, которая появляется в течение карьеры Климта в таких сильных картинах, как «Три возраста» 1905-го и «Смерть и жизнь» 1908–1911-го.

Густав Климт. Смерть и жизнь, 1910–1915, Музей Леопольда. Австрия, Вена

«Смерть и жизнь» – большая картина на тему цикла жизни человека. Существует две версии: эскиз на бумаге 1908 года и картина на холсте 1910 года.

На левой части аллегории изображена персонификация смерти, на правой – цикл жизни с матерью и ребенком, пожилой женщиной и парой влюбленных. В первом варианте смерть угрожающе показывает череп, в конечной версии наступает с красной булавой. Все парят как во сне. Картина была показана в Дрездене, Будапеште, Маннгейме, Праге, Берлине, а в Вене при жизни Климта не выставлялась ни разу. В 1911 году картину наградили первым призом на Международной выставке искусства в Риме. Снова непонимание в Вене и признание во всем мире.

Когда Климт умер в 1918 году, в его мастерской нашли несколько незаконченных загадочных работ, среди них «Невеста» 1917–1918 годов. Это новая интерпретация сакрального обряда свадьбы – двусмысленное эротическое переплетение, в котором узорчатое тело молодой невесты окружено многочисленными фигурами. Аллегории Климта нельзя назвать простыми, их значение часто остается непонятным. Атмосфера похожа на сон.

Картина «Адам и Ева» осталась незаконченной. На ней фронтально изображена обнаженная женщина, а за ней в полутени скрыта мужская фигура. Картина возникла одновременно с «Невестой». Возможно, здесь Климт реализует свое исследование женщины. С «Адамом и Евой» открывается новая линия развития серии картин с мотивом поцелуя, которую Климт проводит в течение всего творческого пути, создавая свой символический язык. Здесь мы видим мужчину в высшем состоянии исполненности. Взгляд женщины не искушающий, а скорее игривый. Она не женщина-вамп, а воплощение новой независимой женщины, которой подчиняется мужчина. Это большая перемена в символизме Климта.

Густав Климт. Невеста, 1917, Бельведер. Австрия, Вена

©Österreichische Galerie Belvedere

В течение последних лет жизни Климта возникли новые течения – кубизм и абстракционизм, которые в корне изменили эстетические представления. Климт внес свою лепту в эти изменения, а они повлияли на него. Его смерть стала трагической потерей для модерна. 11 января 1918 года художник пережил инсульт, после которого не смог оправиться и умер 6 февраля. Климт стал философом и поэтом, сам себя он видел рыцарем искусства. Для своих друзей он был королем.

Густав Климт. Адам и Ева, 1917–1918, Австрийская национальная галерея. Австрия, Вена

©Österreichische Galerie Belvedere

В последних незаконченных работах Климт как будто пытается найти идеал эротического наполнения и воплощения, независимый от исторических и социальных традиций, которым подчинялись художники XIX века. Если в ранних работах Климт исследует новые открытия психологии и силу подсознания, то в поздних художник отказывается от темных страстей и образа фатальной дамы. Его последние незаконченные работы значительно повлияли на молодое поколение австрийских экспрессионистов – Эгона Шиле и Оскара Кокошку.

Глава 4

Фрейд и трио экспрессионистов: Шиле, Кокошка, Герстль

Второй фигурой эротического жанра после Климта, не менее скандальной и в какой-то мере даже мрачной, был Эгон Шиле. Будучи последователем Климта, эротические сюжеты он решал совсем по-другому. Секс у Шиле по Фрейду – безжалостен. Основной инстинкт становится сильнее личности. Он писал не саму женщину, а вызванное ею желание. Он писал не двух влюбленных, а соединяющую их страсть.

«Все, что живет, – мертво», – говорил Шиле. Смысл данного высказывания заключается в том, что в любом живом существе этого мира таится зерно разрушения, а жизнь – только смерть перед возрождением. Неизбежность гибели, заключенная внутри любого земного существа, лишь усиливает яркость последней. Во многих своих работах живописец стремился показать, что нет четкой границы между здоровьем и болезнью, а усиление жизни и приближение смерти – вовсе не противоположные процессы.

Фрейд и венская душа

В 1900 году Вена стала центром интеллектуальной жизни Европы. Это было время академических и художественных прорывов, расцвета литературы, музыки, искусства, архитектуры и философии на фоне социальных изменений и конфликтов. Столица империи Габсбургов была благодатной почвой для бесчисленных новых идей, теорий и методов, многие из которых продолжали давать о себе знать еще долго в XX веке. По сей день работы Фрейда продолжают обсуждаться, критиковаться и применяться.

Колыбелью психоанализа, где знаменитый врач, психоаналитик и теоретик жил и работал почти полвека, является квартира на Берггассе, 19 в Вене. Сегодня здесь находится музей Зигмунда Фрейда.

Густав Шиле. Автопортрет, 1910, Музей Леопольда. Австрия, Вена

Зигмунд Фрейд бо2льшую часть своей жизни провел в Вене. Сын галицийских евреев, он переехал в Вену из своего родного города Фрейберга (Моравия, ныне в Чехии) в возрасте четырех лет.

Практика и частные апартаменты на Берггассе стали центром жизни Фрейда на 47 лет. Именно здесь он работал над своими теориями, писал научные статьи и анализировал венское высшее общество, лежа на своем диване.

В 1902 году многоквартирный дом на Берггассе стал местом встреч общества «Психологическая среда». Основанное Фрейдом, оно было предшественником Венского психоаналитического общества. Отсюда Фрейд и его семья бежали в 1938 году, отправившись в изгнание, чтобы спастись от национал-социалистов.

Психоанализ Зигмунда Фрейда раскрыл то, что ранее было скрыто, позволив заглянуть в глубины человеческой души. К ужасу многих его современников, Фрейд считал, что сексуальность лежит в основе многих человеческих желаний и поступков. В Вене на рубеже веков сексуальность была запретной темой, окруженной одновременно страхом и любопытством. Появление психоанализа совпало с эпохой венского модерна.

Интересно, что психоанализ пришел к Фрейду во сне, как таблица химических элементов Менделееву. В ночь с 23 на 24 июля 1895 года на живописной вилле, откуда открывается вид на винодельческую деревню Гринцинг, Зигмунду Фрейду приснился решающий сон, который привел к написанию работы по психоанализу. В 2020 году легендарная публикация «Толкование сновидений» отпраздновала 120-летний юбилей. На самом деле книга появилась осенью 1899 года, но публикация была перенесена на 1900 год. Фрейд хотел, чтобы его книга стала трудом, открывающим новое столетие.

Успешная врачебная практика и научные публикации принесли Фрейду известность далеко за пределами Австрии. Он сформировал новый революционный образ современного человека. Его отношение к женщинам значительно отличалось от отношения большинства его современников. В жизни Фрейда они были главными героинями, покровительницами и пациентками. До самого конца самой важной женщиной в жизни Фрейда была его дочь Анна. Она пошла по стопам отца и продолжила его учение.

В то время как международная репутация Фрейда продолжала расти, нацисты жгли его книги. В 1938 году, в возрасте 82 лет, Фрейд почувствовал, что у него нет другого выбора, кроме как покинуть Вену и эмигрировать со своей семьей в Лондон через Париж. Спустя год, страдая от неизлечимого рака, он принял смертельную дозу морфия с помощью своего лечащего врача.

Фрейд открыл психоанализ в 1900 году, когда эрос и смерть буквально витали в воздухе, приправленные мечтой и реальностью. Истерия и женственность были популярными темами в искусстве, но благодаря Фрейду они стали мейнстримом.

Доктор занимался не только психологией, но и изучением самоощущения современных людей. Центральную роль в его трудах занимала сексуальность и подавление психической жизни. Фрейд критиковал социальную жизнь общества догорающей монархии Габсбургов, наполненную внутренними противоречиями. Он показал, что консервативные представления прошлых лет тягостны для личности современного человека. Из-за давления общественных предрассудков личность испытывала психологическое напряжение, которое усиливалось конкуренцией мировоззрений и языков многонационального государства.

Истерия и Фрейд

Особенно неуютно ощущали себя в обществе XIX века женщины. Женщина находилась под гнетом церкви, и публичная жизнь для нее была ограничена. Истерия была известна со времен Древнего Египта и греческой античности как чисто женская болезнь и считалась патологией матки, возникающей по причине сексуальной невоздержанности и отказа от материнства. В Средневековье истерия утратила медицинский статус, и женщин стали относить к ведьмам. В XIX веке невролог Жан Мартен Шарко пытался путем эксперимента и наблюдения выявить суть явления. Пациенткой Шарко была деревенская девушка, которой в виде2нии являлась Дева Мария. Он вводил пациентку в гипноз, провоцируя виде2ния, и записывал их. Самое важное, что Шарко сделал, – он отказался от средневековой мистики и ясно описал симптомы болезни.

В 1885 году Фрейд выиграл конкурс, проводимый Венским университетом, и получил возможность поехать в Париж на стажировку к известному врачу-психиатру Жану Шарко. Он познакомился с его исследованиями истерии и по возвращении решил использовать технику ассоциаций вместо гипноза. Этот метод стал прорывом в лечении истерии. Фрейд назвал истерию болезнью цивилизации. Он выступал за необходимость освободить женщину от тесных рамок и давления в индивидуальной жизни, в социуме и политическом плане.

Женщины, страдающие истерией, со Средневековья были натурщицами художников, которые изображали человеческие страдания. Теперь Эгон Шиле ходил в дома душевнобольных, чтобы изучать мимику, телодвижения и жесты пациентов. Это становится целым направлением в искусстве.

Деформированное страданиями, разрушенное душевными болезнями, ненормальное тело как патология – навсегда закрепляется в искусстве XX века. Фрейд также способствовал развитию темы феномена сна, воображаемых миров, что стало концептуальной идеологией и подготовило содержательный базис для сюрреализма.

Эгон Шиле

Искусство Шиле демонстрирует экстремальную психическую откровенность. Он выступает дирижером, в то время как его собственное тело становится оркестром.

Художественный язык Шиле складывается из нескольких смысловых уровней. Он предъявляет нам результаты действия без необходимости совершать сами действия. Символичное представление результатов действия вместо самого действия описал Фрейд как сублимацию. Зритель управляет действием через созерцание картины.

Эгон Шиле. Шиле и натурщица перед зеркалом,

1910, Альбертина. Австрия, Вена