Помоги проекту - поделись книгой:
А. И. Матвеев
Государственный Эрмитаж (16 открыток)
Собрание Государственного Эрмитажа, как и многих старейших европейских музеев, складывалось как дворцовая коллекция. Хотя для царских резиденций Петербурга произведения искусства приобретались и в первой половине XVIII века, датой основания музея по традиции считается 1764 год, когда в собственность Екатерины II поступила из Берлина коллекция картин негоцианта Гоцковского, задолжавшего большую сумму русской казне. С 1764 года началось активное пополнение собрания: в Западной Европе закупались большие частные коллекции, заказывались картины лучшим современным художникам. К концу XVIII века в картинной галерее Эрмитажа насчитывалось около трех тысяч полотен.
В XIX веке в Эрмитаж начинают систематически поступать произведения русских живописцев (в 1895 году они были переданы Русскому музею). Важными источниками пополнения фондов во второй половине столетия становятся дарения и закупки у отечественных коллекционеров. В музей передаются материалы археологических раскопок, значительно обогатившие его античный отдел. По-прежнему приобретаются отдельные произведения и частные коллекции за рубежом. Хотя и по количеству произведений и по составу почти все они уступают купленным в предыдущем столетии, некоторые из них (коллекция памятников античного искусства маркиза Кампана, собрание произведений прикладного искусства и памятников византийской культуры А. П. Базилевского) сыграли большую роль в комплектовании музея, в превращении его в уникальное собрание истории мировой культуры и искусства.
После Великой Октябрьской социалистической революции фонды Эрмитажа существенно пополнились: в музей поступили произведения искусства из многочисленных национализированных частных коллекций и из царских резиденций. На протяжении 1920 - 1930-х годов в Эрмитаже были организованы новые отделы: первобытной культуры, культуры и искусства народов Востока, истории русской культуры. В послереволюционные годы была впервые осуществлена под руководством А. Н. Бенуа, заведовавшего в то время картинной галереей Эрмитажа, научная экспозиция музея. В основу экспозиции лег принцип расположения материала по историческим периодам и национальным школам.
Последнее крупное пополнение собрания произошло в 1948 году, когда в Эрмитаж влилась большая часть фондов расформированного Музея Нового западного искусства. Эрмитажные коллекции продолжают обогащаться и в наши дни. У частных владельцев приобретаются отдельные полотна старых мастеров, с выставок закупаются произведения современных зарубежных художников; картины, скульптуры, рисунки дарят музею сами авторы и коллекционеры, важным источником поступления памятников первобытного и древнего искусства по-прежнему являются археологические раскопки.
Главное место в экспозиции Эрмитажа занимают произведения классической западноевропейской живописи. Не все этапы ее развития представлены с одинаковой полнотой. Так, в собрании отсутствуют работы многих мастеров раннего Возрождения Италии, ряда крупных художников немецкого и нидерландского Ренессанса: искусство этого периода попало в сферу интересов коллекционеров только в середине XIX века, когда основное ядро эрмитажной картинной галереи уже сформировалось. Однако и в этих разделах экспозиции можно познакомиться с творениями Симоне Мартини, Филиппино Липпи, Робера Кампена, Гуго ван дер Гуса, Рогира ван дер Вейдена, Лукаса ван Лейдена, Лукаса Кранаха Старшего. В сравнительно небольшом разделе итальянской живописи Высокого Возрождения имеются первоклассные произведения крупнейших живописцев этой эпохи: Леонардо да Винчи и Рафаэля, Джорджоне и Тициана, Веронезе и Тинторетто. Живопись XVII - XVIII веков представлена в музее с исключительной полнотой - как шедеврами ведущих мастеров, так и многочисленными работами менее известных художников. Полотна Караваджо, братьев Карраччи, Гверчино, Сальватора Розы, Луки Джордано, Тьеполо, Каналетто, Гварди создают широкую панораму развития итальянской живописи XVII - XVIII веков. Коллекция картин испанских живописцев XVII века - золотого века испанского искусства - включает работы Эль Греко, Веласкеса, Риберы, Сурбарана, Мурильо. В собрании фламандской живописи, содержащем произведения таких мастеров, как Ван Дейк, Тенирс, Иордане, Снейдерс, главное место занимают сорок четыре картины Рубенса. Гордостью обширного голландского раздела являются двадцать четыре полотна кисти Рембрандта, созданные художником в разные периоды его творчества. Произведения Пуссена, Л. Ленена, Ватто, Лоррена, Буше, Фрагонара. Шардена и их менее прославленных современников образуют необычайно целостную картину истории французской живописи на протяжении двух столетий. Западноевропейская живопись XIX - начала XX века в основном представлена работами французских мастеров, что весьма закономерно, поскольку французская школа была в это время ведущей в Западной Европе.
Сейчас в Эрмитаже хранится более двух миллионов шестисот тысяч произведений искусства и памятников культуры. По масштабам с его коллекцией могут соперничать немногие музеи мира. Необычайно широк временной и географический диапазон эрмитажного собрания: в нем представлено искусство первобытного общества, античности, Византии, западного и восточного средневековья, Возрождения, нового времени, XX века.
За два столетия своей истории Эрмитаж превратился из закрытого дворцового собрания в крупный научный и просветительский художественный центр европейского масштаба. В нем ведется большая научная работа по атрибуции и изучению памятников искусства, их реставрации. Ежегодно с его сокровищами знакомятся миллионы зрителей.
А. Матвеев
Итальянская школа
Поклонение младенцу Христу.
Середина 1480-х годов
Медь, масло, переведена с дерева. Тондо, диаметр 53
Государственный Эрмитаж
Сын известного живописца Филиппо Липпи, флорентиец Филиппино Липпи, старший современник Леонардо и Рафаэля, был учеником Боттичелли, в мастерскую которого поступил в возрасте пятнадцати лет. В творчестве Филиппино, как и у его учителя, отразились некоторые противоречия духовной жизни Флоренции конца XV века. Картины художника, несмотря на некоторую повествовательность, «вкус» к детали, изысканно хрупкую красоту форм - черты, характерные для живописи XV века (кватроченто), - предвосхищают открытия мастеров Высокого Возрождения, проникнуты его идеалами.
«Поклонение младенцу Христу» относится к числу его наиболее совершенных и поэтичных произведений. Мария, преклонившая колени перед новорожденным сыном, и две почти симметричные группы ангелов слева и справа образуют центрическую композицию, подчеркнутую и самой формой картины. Все персонажи объединены состоянием особой сосредоточенности, отрешенности от всего, что происходит за пределами изображенной сцены. В «Поклонении младенцу Христу» художник достиг поразительной гармонии реального и отвлеченно-идеального. Примечателен пейзаж на заднем плане картины. В отличие от пышного ковра травы и букетов на балюстраде, переданных с тщательно выписанными мельчайшими подробностями, уходящий в перспективу вид на бухту как бы окутан воздушной дымкой. В этом отходе от «наивной» детализации кватрочентистского пейзажа искусство Филиппино Липпи сближается с произведениями художников следующего столетия.
Итальянская школа
Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа).
Около 1478
Холст, масло, переведена с дерева. 49,5 X 31,5
Государственный Эрмитаж
Живопись Леонардо да Винчи - одно из ярчайших явлений искусства Высокого Возрождения. В его картинах впервые в полную силу выразились гуманистические идеалы эпохи, провозгласившей человека мерой всех вещей. «Мадонна с цветком» относится к числу самых ранних произведений Леонардо, но уже в этом полотне проявилось присущее эпохе Ренессанса новое видение мира. Изображение Марии и младенца, играющих с цветком, встречается в искусстве XV века нередко. Но Леонардо впервые решил эту тему в чисто человеческом аспекте. В позах Богоматери и Христа отсутствуют скованность и условная торжественность, подчеркивавшие в произведениях средневековых мастеров философско-символический смысл сцены. Пластический центр композиции - цветок, вокруг которого сплелись три руки: к нему обращены взгляды матери и ребенка, к нему сходятся все основные линии. Внимание участников сцены, равно как и зрителей, не отвлекает ничто постороннее (не случайно в окне на заднем плане отсутствует традиционный в иконографии сюжета пейзаж). Благодаря тончайшей моделировке светотени, сфумато, Леонардо сплавливает все элементы изображения: и фигуры персонажей и фон - в единую пространственную структуру. «Мадонна с цветком» отличается простотой и жизненностью. В то же время, при всей предельной конкретности созданный Леонардо образ идеально совершенен, выражает представления художника о счастье материнства.
Итальянская школа
Святое семейство (Мадонна с безбородым Иосифом).
1506
Холст, темпера, масло, переведена с дерева. 72,5 X 57
Государственный Эрмитаж
«Святое семейство» написано Рафаэлем, великим мастером итальянского Возрождения, вскоре после того, как он, закончив ученичество у Перуджино, приехал во Флоренцию. Созданные им в 1504 - 1508 годах картины, изображающие Богоматерь с младенцем и другими персонажами евангельских мифов, принесли художнику большую известность. Эрмитажное «Святое семейство» - образец зрелого стиля художника. В картинах Рафаэля нет раскрытия сложных эмоциональных состояний. Его герои - спокойно-величавы, возвышенны, очищены от всего будничного. За каждым человеческим образом, воссозданным Рафаэлем, стоят не только впечатления от непосредственных жизненных наблюдений, но и в значительной мере представления живописца об идеальной душевной и физической красоте. В умении органично соединить реализм и идеализацию с ним могут соперничать очень немногие художники. Пластическое мастерство Рафаэля заключается в безупречном пространственном мышлении и чувстве пропорций. Пространственные отношения в его картинах и фресках всегда четко выявлены и несут большую смысловую нагрузку, во многом обусловливают ощущение величественной гармонии, возникающее при созерцании его произведений.
Итальянская школа
Кающаяся Мария Магдалина.
1560-е годы
Холст, масло. 118Х 97
Государственный Эрмитаж
Тициан - мастер, принадлежавший к венецианской школе живописи, которая в середине XVI века заняла ведущее место в Италии, - первый в западноевропейском искусстве колорист во всей полноте этого понятия. В его картинах доминирует живописное начало: он строит форму не линией или светотенью, а цветом; и пространство - не сопоставлением объемов, а соотношением тонов. Центральное место в обширном наследии Тициана занимают мифологические и аллегорические композиции, принесшие художнику наибольшую славу выраженным в них полнокровным ощущением бытия, жизненной достоверностью. К образу Марии Магдалины Тициан обращался неоднократно. Эрмитажная картина создана им в поздний период творчества, когда его мастерство достигло предельной виртуозности. Сюжет картины взят из христианской мифологии: Мария Магдалина - блудница, которая раскаялась в прегрешениях и стала истовой последовательницей Христа и его учения. Вопреки сложившейся традиции толкования этого образа как иллюстрации христианского идеала аскезы, Тициан изобразил Марию Магдалину в виде цветущей венецианской красавицы. Пафос его картины заключается в восхищении чувственной красотой бытия.
Нидерландская школа
Святой Лука, рисующий мадонну.
Около 1435 - 1440
Холст, масло, переведена с дерева. 102 X 108,5
Государственный Эрмитаж
Рогир ван дер Вейден - один из основоположников искусства Северной Европы эпохи Ренессанса, автор композиций на евангельские темы и портретов. Его творчество пронизывает активный интерес к миру реальных человеческих чувств и окружающей человека действительности. «Святой Лука» - одна из первых в европейском искусстве композиций на тему «художник и его модель». Сюжет картины восходит к апокрифу VI века, согласно которому Лука, автор одного из четырех евангелий, написал первый портрет Богоматери и младенца Христа. В позднее средневековье и в эпоху Возрождения св. Лука считался покровителем художников. Его изображения в виде живописца появились в западноевропейском искусстве в XIV веке. На картине Рогира обращает на себя внимание яркая портретная характеристика Луки, что породило гипотезу об автопортретности этого образа, которая, впрочем, не была подтверждена неоспоримыми аргументами. Важное место в картине занимает пейзаж - вид на город, расположенный на берегу реки. Несмотря на то, что пейзаж у Рогира, как правило, всего лишь фон и не играет роли в действии, в этой картине проявился ряд особенностей, характерных для ренессансного пейзажа Нидерландов. Это не маленький фрагмент окружающего мира, а далеко простирающееся пространство, словно символизирующее всю землю, проникнутое ощущением логичности и закономерности всего сущего. Очень подробно прорисованы детали: даже конструкция каждого дома и особенности каменной кладки. Как остроумно отметил один из исследователей, единственное, что удерживает художника от дальнейшей детализации, - предел восприятия человеческого глаза.
Немецкая школа
Женский портрет. 1526
Дерево, масло. 88,5 х 58,6
Государственный Эрмитаж
Большую часть жизни Лукас Кранах Старший - один из ведущих художников немецкого Ренессанса - провел в столице Саксонии городе Виттенберге, ставшем в эпоху Реформации идеологическим центром Германии (именно здесь развернул свою деятельность Мартин Лютер). Творческие интересы и устремления художника были необычайно разнообразны. Среди его многочисленных живописных и графических произведений - композиции на античные и библейско-евангельские темы, аллегории и жанрово-назидательные сценки, изображения охот, портреты, сатирические гравюры, высмеивающие католическую церковь. Для созданной Крана-хом на протяжении 1510 - 1520-х годов портретной галереи деятелей Реформации и саксонской аристократии характерны индивидуализация образов, отчетливая реалистическая тенденция. В портретах, написанных позднее, после поражения народно-демократического движения в Германии, выходят на первый план эстетические идеалы придворного искусства - красота и благородство облика моделей подчас оборачиваются красивостью, изысканность исполнения - самодовлеющей изощренностью мастерства. В «Женском портрете», относящемся к последним годам расцвета кранаховского искусства, художник воплотил свой идеал женской красоты - не случайно это же лицо встречается в ряде его сюжетных композиций. В основе созданного живописцем образа - портретные черты двух женщин: принцессы Сивиллы Киевской и Катарины фон Бора, жены Лютера. В фантастическом пейзаже с замком на заднем плане отчетливо слышны отголоски готического искусства. Виртуозно написана одежда кранаховской красавицы: прекрасно переданы фактура и рисунок тканей, подробно, до мельчайших деталей показаны все украшения. Но подчеркнуто великолепный антураж в этой картине, в отличие от более поздних произведений Кранаха, не затмевает образ портретируемой.
Фламандская школа
Пейзаж с возчиками камней.
Около 1620
Холст, масло, переведена с дерева. 87 X 129
Государственный Эрмитаж
Поделиться книгой: