Помоги проекту - поделись книгой:
XVII–XVIII века – время головокружительного расцвета инструментальной музыки. На севере Италии, в Кремоне, несколько поколений мастеров – Амати, Страдивари, Гваданини, Гварнери – создавали смычковые инструменты, которые сейчас стоят целые состояния. Были написаны дидактические труды – школы игры на скрипке и владения смычком. Появились музыкальные жанры, которые вывели на сцену ансамбли и солистов-инструменталистов.
https://www.youtube.com/watch?v=8G1HBVwewMw
Музыкальные инструменты эпохи барокко выглядели и звучали не совсем как современные – до привычного нам облика и голоса им ещё предстоял большой эволюционный путь. Вы сможете оценить разницу, если послушаете музыку великих мастеров XVII–XVIII веков – Вивальди, Корелли, Тартини, – исполненную в так называемой аутентичной, или исторически информированной, манере. Она подразумевает, что исполнители стараются восстановить старинное звучание и манеру игры: голоса барочных инструментов – более сложно звучащие, изысканно-неяркие, как старинные фрески, а манера исполнения, как правило, связана с танцевальностью, причудливостью произношения и более подвижными темпами.
https://www.youtube.com/watch?v=JfDRwiXbBRs
Итальянская инструментальная музыка – это в первую очередь жанр инструментального концерта, который подразумевал трёхчастную композицию «быстро – медленно – быстро»: таковы наверняка известные вам «Времена года» Вивальди. Наравне с ним важен жанр трио-сонаты. Казалось бы, «трио» – это музыка для трёх инструментов, однако на сцене, где играется барочная трио-соната, можно увидеть четверых и пятерых музыкантов. Так происходит потому, что несколько человек могли играть партию баса – например, гамба (предок виолончели), теорба (большая басовая лютня, которую можно узнать по характерной длинной шейке) и клавесин (предок фортепиано, звучащий немного дребезжаще, по-лютневому, словно кто-то щиплет металлические струны).
https://www.youtube.com/watch?v=T2v1339FHQA&list=PLLTRf8ZSZdR1ipy_5Uiw9Q4nckkxsuH1r
Этот бас – особый, он очень важен и характерен для барокко. Он называется цифрованным басом, и не просто играется, а «расшифровывается» исполнителем. Дело в том, что басовая партия не записывалась композитором как обычно, нотами «от и до»: цифрованный бас подразумевал частичную импровизацию исполнителей. Они могли играть произвольный текст внутри цепочки обязательных, написанных автором аккордов, которые в правильные моменты должны были прозвучать под мелодией. В этом смысле у барочного музицирования много общего с джазом. Мощный, энергичный ток быстрых частей инструментальных концертов обладает, в свою очередь, настоящим роковым драйвом – недаром барочную музыку мы часто слышим в электронных обработках.
https://www.youtube.com/watch?v=SMF49_acSTg
Инструментальный концерт – музыкальный жанр для солирующего инструмента (или нескольких) с оркестром. Он имеет трёхчастную структуру. Части контрастны по темпам: крайние – быстрые, средняя – медленная.
Трио-соната – барочный камерный жанр. Верхние голоса могли исполняться на флейтах, скрипках или гобоях, а басовую партию обычно играли сразу несколько инструментов – фагот, басовая лютня, гамба, клавесин, орган. Трио-соната делилась на две разновидности – церковную (sonata da chiesa) и светскую (sonata da camera). Она представляла собой последовательность танцев разного характера, чаще имела четырёхчастную структуру. Её части контрастны по темпам: 1 и 3 – медленные, 2 и 4 – быстрые.
Цифрованный бас (также генерал-бас и континуо, ит. basso continuo) – басовая партия в барочной музыке. Он записывался нотами и цифрами, которые обозначали аккорды. Применялся для записи аккомпанемента на клавесине, органе и др.
Антонио Вивальди, Арканджело Корелли, Джузеппе Тартини
10. Клавирная музыка английского и французского барокко
Мы уже говорили о том, что клавесин с его хрупким, блестящим, дребезжаще-металлическим звучанием – предок фортепиано. В свою очередь, у клавесина есть большое семейство родственников и предшественников. Один из них – клавикорд – был меньше и мобильнее клавесина и предназначался только для домашнего музицирования. У клавикорда не было собственных ножек, он представлял собой прямоугольный ящик со струнами и мануалом (то есть клавиатурой), который ставился на стол для игры. Клавикорд обладал певучим, пастельного оттенка звучанием по сравнению с более концертным клавесином, его особенно любили в немецкоговорящих странах. Была также английская разновидность клавишного инструмента – вирджинал. У него не было ножек, как у клавикорда, а механизм игры был щипковым – как у клавесина. Кроме музыкальной, вирджиналы обладали еще и декоративной функцией – были необычайно красивыми, с резьбой, инкрустациями из слоновой кости, агатов и перламутра.
https://www.youtube.com/watch?v=qhtf9YrzybI
Ещё в середине XVI века, за полвека до начала эпохи барокко, английский король Генрих VIII купил несколько клавишных инструментов для своего двора. На рубеже ренессансной и барочной эпох в Англии появилась целая школа, композиторов которой иногда условно называют «английскими вирджиналистами». Для утончённого, камерного вирджинала эти авторы писали небольшие пьесы, выходившие тетрадями. Среди них – старинные танцы, вариации на песни, от развесёлых до исполненных любовной боли. Были и чудесные пьесы-картины – звуковые изображения охоты, людей и птиц, или многочастные тематические циклы – к примеру, на военные мотивы.
https://www.youtube.com/watch?v=42R0UZiCf4M&list=PLiWz8pm-YgmdT8pRCjdqcxMyjXf1Bu5Yn&index=2
Формой, характерной для этой школы, был граунд (вариации на неизменный бас). Повторяющийся, как заколдованный, бас ходил по кругу, в то время как верхние голоса изощрялись в варьировании. Из-за этой закольцованности, отказа от развития граунды производят абсолютно гипнотическое впечатление.
Другой важный пласт старинной музыки для клавишных – французское барокко. Если среди музыки вирджиналистов было много вариаций на староанглийские песни, то через сто лет во Франции клавесинная музыка ориентировалась уже скорее на танец. Пленительные клавесинные миниатюры объединялись в сюиты. Среди них – пьесы с кокетливыми и загадочными названиями: «Додо, или Любовь в колыбели», «Торжествующая» или знаменитые «Таинственные преграды».
https://www.youtube.com/watch?v=t5qEBaMnEBo
Клавесин – один из предков фортепиано. Струны в нем расположены горизонтально и приводятся в действие щипком. Звук у клавесина яркий, но немного металлический, не тянется.
Клавикорд – компактнее и камернее клавесина. Звук извлекается с помощью удара по струне. Интенсивность звука зависит от характера прикосновения исполнителя, таким образом можно добиваться нюансировки. Тем не менее клавикорд звучит слабее и нежнее клавесина.
Вирджинал (также вёрджинел) – английская разновидность клавесина. Звук извлекается щипком, однако вирджинал немного компактнее и легче клавесина. В большинстве случаев не имел ножек, ставился на стол для игры.
Граунд – форма, характерная для английской музыки XVI–XVII веков. Её аналоги существовали в других странах под другими названиями. Устроена как каскад вариаций на неизменный бас.
Сюита – одна из ключевых форм инструментальной музыки барокко. Представляла собой последовательность контрастно сопоставленных танцев.
Уильям Бёрд, Джон Булл, Джон Манди, Жан-Филипп Рамо, Франсуа Куперен
https://www.youtube.com/watch?v=qR5b8aX38m8
11. Немецкая духовная оратория
Ораторией называется жанр, представляющий собой духовную оперу. Представьте, что вам нужно превратить яркий и развлекательный оперный спектакль в серьёзное действо на религиозный или нравственный сюжет. Конечно, в первую очередь придется избавиться от красочных костюмов, декораций и бутафории, от чудес сценической машинерии и неуместной виртуозности пения. Вместо любовной истории – сюжет из Библии, вместо кружевных арий – возросшая роль хора, ведь это традиционный инструмент духовной музыки. Вдобавок солисты не должны участвовать ни в каком сценическом действии: пусть чинно стоят, торжественно воспроизводя какую-то духовную историю.
https://www.youtube.com/watch?v=rcbgrJ1iz18
У нас получилась оратория. В немецкой духовной музыке это может быть пересказ нескольких глав Евангелия или истории из Ветхого Завета, повествование об одном из эпизодов Писания или рассказ о сцене смерти Христа. Оратория похожа на монументальную звуковую фреску. Она сочетает речитативы, сольные реплики и арии, а также хоровые номера; величаво и неспешно повествует. Ее солисты не «лицедействуют», они не призваны изображать Христа или Иуду, но поют реплики от их имени, как будто читая по ролям книгу. Текст – библейский в сочетании с духовной поэзией.
В немецкой оратории обязательно есть хоралы – но не средневековые григорианские, а протестантские, похожие на песни или гимны. Протестантские хоралы младше григорианских почти на тысячу лет. После Реформации, в XVI веке Германия приняла протестантизм: разновидность христианства, идеологом которой был Мартин Лютер (1483–1546). Богослужение стало радикально скромным, без кричащего золота и пухлых ангелов католических церквей. Оно велось не на латыни, а на понятном, домашнем немецком. В церковной службе, которая шла теперь в сдержанном интерьере церкви без всякого убранства, громадную роль играла музыка. Оратории исполнялись в праздничные дни как мощные духовные спектакли, они наполняли собравшихся ликованием или скорбью.
https://www.youtube.com/watch?v=KShuDiHSakI
Кстати: в отличие от католического богослужения, где пение было виртуозным и сложным, протестантские хоралы специально задумывались как простые и мелодичные песни, чтобы собравшиеся в церкви могли распевать их все вместе.
Театральная машинерия – механические приспособления, позволяющие оперным героям летать, проваливаться сквозь землю или кататься на облаках.
Оратория – духовная опера. Торжественное, лишённое примет спектакля концертное действо с духовным (но позже – также и с торжественным светским) сюжетом.
Генрих Шютц, Георг Филипп Телеман, Иоганн Себастьян Бах
https://www.youtube.com/watch?v=7EOYj9MvnDE
12. Инструментальная полифония барокко
Музыкальные инструменты, которым в наибольшей мере доступна полифония (то есть многоголосие), – это клавишные. На духовом инструменте в принципе невозможно извлечение двух звуков одновременно. Его тон меняется в зависимости от положения пальцев играющего, и каждое положение даёт единственный звук определённой высоты. На струнном инструменте можно играть по двум струнам сразу, поэтому полифония возможна. Но ограничена: например, четырёх- или пятиголосия на скрипке или на виолончели не сыграть.
https://www.youtube.com/watch?v=-cjT-Xt-b78
А вот на клавесине или органе полифоническая музыка получается очень богатой. Десятью пальцами (а в случае с органом можно вспомнить еще и о ножной клавиатуре) можно сыграть множество одновременно звучащих линий. Переплетаясь, они будут образовывать красивое многоголосное полотно.
Особенно сияла в эпоху барокко немецкая полифоническая школа. Север Германии славился целым созвездием великих мастеров, чьи органные сочинения низвергают на слушателя водопады фантазии, виртуозности и яркого звука. Полифоническая музыка производит особое впечатление: ведь в ней мелодическое развитие происходит сразу в несколько «этажей». Это не просто мелодия с аккомпанементом, а плетение и роение многих мелодий сразу. Они спланированы так, что их одновременное воспроизведение звучит не хаотически, а гармонично.
https://www.youtube.com/watch?v=qC-RiIVPYOU
Барочная полифония называется полифонией свободного стиля: она звучит не так строго, как благочестивая полифония эпохи Ренессанса, но более темпераментно и пылко, голоса совершают острые повороты и внезапные скачки. По характеру органная музыка немецкого барокко тяготеет к двум полюсам. Первый – это фантазии и токкаты: бурно импровизационные, звучащие как спонтанный поток внезапного красноречия. Второй – рациональные, дисциплинированно звучащие фуги. Многоголосие в них построено на одной и той же теме, и она, подобно девизу, звучит то в одном, то в другом голосе, как бы «мерцая» то тут, то там сквозь полифоническую вязь.
Ещё одна важная грань немецкой полифонической музыки – обработки хоралов, протестантских песнопений. Они называются хоральными прелюдиями. Тема хорала обычно простая, ясная, ритмически безыскусная, известная всем прихожанам церкви. Она звучит в одном из голосов и постепенно оплетается движением других голосов вокруг неё, как тонущий в винограде или розах каркас беседки.
Кстати: правильное ударение в слове «полифония» – на вторую букву «о».
https://www.youtube.com/watch?v=dots3_o85ls
Полифония свободного стиля (не путать с ренессансной, более ранней вокальной полифонией строгого стиля) – порождение эпохи барокко. Это инструментальная многоголосная музыка. Она испытала влияние оперы, поэтому в ней больше выражен мелодический склад: голоса ведут себя причудливо и свободно. Она обладает темпераментной яркостью, в отличие от бесстрастно звучащей старинной полифонии.
Токката – стремительная инструментальная пьеса. Барочные токкаты – импровизационные и причудливые. Они могли выполнять функцию предваряющих, прелюдийных частей перед фугами.
Фуга – полифоническая форма. Классическое количество голосов в ней – от трёх до шести. Начинается с ёмкой, яркой темы-девиза в одном из голосов; остальные вступают по очереди, каждый проводит тему. Партии голосов независимы. На протяжении фуги то в одном, то в другом голосе вновь проводится тема.
Хоральная прелюдия – полифоническая обработка протестантского хорала. Его мелодия сохраняется в одном из голосов, в то время как другие движутся, оплетая её.
Иоганн Адам Рейнкен, Дитрих Букстехуде, Иоганн Себастьян Бах
https://www.youtube.com/watch?v=kEaLvOzQRuE
К рубежу XVII–XVIII веков хаотические хитросплетённые оперные либретто (то есть «сценарии» опер) вышли из моды. Эпоха барокко приблизилась к закату, и новые – просвещенческие – идеалы начали ощущаться всё сильнее. Теперь на сцену стало неловко выводить чародеек и соблазнительных богинь, изображать сцены помешательства и явления бесов – типичные оперные эпизоды XVII века.
https://www.youtube.com/watch?v=5IP7aKWS4wU
В новой опере – классицистической опере seria (ит. «серьёзной опере») не было сверхъестественных явлений, ничего потустороннего. Это была глубокая, благородная музыкальная драма со стройным, математически просчитанным сюжетом. В ней действовали великодушные властители, венценосные влюблённые, коварные тираны, а добродетель, честь, долг и любовь побеждали клевету и подлую интригу.
Либреттист играл в индустрии такую же, а может, и бoльшую роль, чем композитор. Либретто писались в стихах и могли использоваться сразу несколькими композиторами. Популярнейшие либретто задействовались разными авторами для десятка разных опер. Качественное либретто предполагало идеально выверенную историю, которая работала как хорошая машина: мотивации героев были понятны и убедительны, их добродетели – надёжны и бесспорны, злодеяния – наказуемы.
https://www.youtube.com/watch?v=nDspp183j1o
Талантливый либреттист «собирал» такое либретто, как конструктор. Сюжет выбирался исторический, персонажей было немного (обычно шесть) из них – пара премьеров-влюблённых и пара влюблённых второго плана (чья-нибудь наперсница или юная сестра со своим возлюбленным), злодей и ещё один персонаж – благородный отец или раскаивающийся приспешник злодея.
Сценическая часть была куда сдержаннее, чем в XVII веке, – никаких излишеств машинерии и театральных чудес; главный аттракцион – виртуозное пение. Одной из существенных черт оперы seria, как явствует из названия жанра, была серьёзность: никаких комедийных или фарсовых элементов, отвлекающих зрителей от возвышенной морали.
Кстати: такой облик оперы seria почти полностью связан с одним гениальным итальянским либреттистом: Пьетро Метастазио (1698–1782).
Либретто – сюжетная и текстовая основа оперы. Либреттист – автор либретто.
Опера seria – упорядоченная и чинная классицистическая опера XVIII века. Исключала показ сверхъ- естественного и смешение трагического и фарсового.
Антонио Кальдара, Георг Фридрих Гендель, Иоганн Адольф Хассе
https://www.youtube.com/watch?v=OIB3BF8UImM
Из трагической, возвышенной оперы seria были изгнаны все элементы комического. Они нашли пристанище в новой форме оперного искусства: опере buffa или буффонной, смешной опере. Первоначально опера buffa не была отдельным жанром. Она представляла собой легкомысленные интермедии – то есть музыкальные пьески, которые исполнялись между актами оперы seria. Да-да: это кажется нам странным сегодня, но в XVIII веке публика, в течение акта следившая за перипетиями судьбы какого-нибудь бескорыстного и доблестного правителя, шла отдохнуть во время антракта на другой спектакль – конечно, совсем иного толка.
https://www.youtube.com/watch?v=K2gXr9ivcrI
Опера buffa не подразумевала эффектного виртуозного пения кастратов: тяжеловесов и суперзвёзд индустрии оперы seria. Их гонорары были сопоставимы с теми, что получают сегодня знаменитые футболисты или голливудские дивы: для простой, «быстрой», бесхитростной оперы буффа они были недоступны. С другой стороны, она в этих звездах и не нуждалась: типажи певцов-кастратов – благородные герои или вероломные подлецы – отсутствовали в комедийной опере.
https://www.youtube.com/watch?v=6VRY6YX-jb0
Там действовал набор типизированных, не отличавшихся глубиной и сложностью, но безотказно действовавших в комедийном сюжете героев-масок: старикан-простофиля, весёлая служанка, хитрый плут, глупый вояка, нерешительный влюблённый. Опера buffa могла позволить себе грубоватые шутки, фривольности, народную, далёкую от официоза и аристократизма мораль. Чтобы компенсировать отсутствие виртуозного пения, большая ставка делалась на актёрскую игру.
Это была очень обаятельная форма искусства. Начавшись как несложное развлечение, опера buffa впоследствии произвела фурор и завоевала всю Европу, а в конце XVIII века трансформировалась (прежде всего у Моцарта) в сложный, необычайно живой трагикомический или лирический жанр.
Кстати: buffo по-итальянски и значит – комический, смешной; отсюда слово «буффонада» или «буффон», шут.
Опера buffa – итальянская комическая опера.
Джованни Баттиста Перголези, Вольфганг Амадей Моцарт, Джоаккино Россини
https://www.youtube.com/watch?v=iW2g1IeeuBM
15. Классицистическая симфония
В середине XVIII века родился жанр симфонии, ставший для многих синонимом понятия «классическая музыка». Напомним: единственным светским жанром, который можно по значительности сравнить с церковными, доселе была опера: остальные носили характер домашнего развлечения или придворной утехи. Симфония появилась в результате влияния оперы – её темпераментности, её красивых мелодий, её театральности – на эти небольшие светские жанры: в первую очередь это касается скрипичной и оркестровой музыки.
https://www.youtube.com/watch?v=9ynN6Ww4sq0
В начале XVIII века существовали такие явления, как оркестровая сюита и инструментальный концерт. В обоих случаях это – несколько контрастных по темпу частей, которые исполнялись небольшим оркестром или оркестром с солистом. Ближе к концу XVIII века к трёхчастной концертной схеме «быстрая часть – медленная часть – быстрый финал» прибавили ещё одну часть в танцевальном характере: она заняла предпоследнее место. Получилась четырёхчастная конструкция «быстро – медленно – танец – быстро»: это и есть будущая симфония.
https://www.youtube.com/watch?v=CWVNjoBdyFc
Первые части таких циклов писались в особой форме: ее устройство похоже на хорошо спланированное ораторское выступление. Представьте, что вам нужно последовательно, понятно и красиво доказать какой-то тезис. Скорее всего, вы построите своё выступление так: вначале изложите его, затем приведете контраргументы, после чего последовательно разовьёте и опровергнете их. В конце вы еще раз, весомо и триумфально, выскажете свою первоначальную мысль.
Именно это происходит в первых частях симфоний. Мы слышим, как постулируется главная мелодическая идея, затем к ней добавляется побочная идея, как бы уводящая внимание слушателя от центральной точки. Потом обе идеи нам показываются в разработке, а затем главная победно утверждается ещё раз, «перетягивая» побочную на свою сторону.
Изящество риторики, темпераментность, живость тона, действенный, оптимистичный пафос – всё это черты симфоний XVIII века. По сравнению с музыкой барокко, классицистическая звучит менее цветисто и пышно, более «собранно» и элегантно. Симфонии классицизма не позволяют себе ничего чрезмерного. Они коротки, их форма совершенна, точна и симметрична (срединные части короче крайних).
Если барокко было эпохой, любившей причуды, преувеличения, страсти и тайны, то музыка второй половины XVIII века придётся по сердцу любителям ясности и сдержанности.
https://www.youtube.com/watch?v=5IWdjL0LpLE
Кстати: принято считать, что «отец» классической симфонии – Йозеф Гайдн (1732–1809). На самом деле, первым симфоническим оркестром можно считать знаменитую придворную капеллу немецкого города Мангейм. Композиторы, близкие этому оркестру (писавшие для него или работавшие в нем), и являются настоящими создателями симфонии. Своими ста с лишним симфониями Гайдн скорее поднял этот новорожденный жанр до необыкновенных высот.
Дирижёр в нашем нынешнем понимании («главнокомандующий» оркестра во фраке и с палочкой в руках) – изобретение следующего, XIX века. Профессии «дирижёр» в XVIII веке не было. Первыми дирижёрами первых симфоний были их авторы: композиторы, возглавлявшие капеллу, или первые скрипачи оркестра.
Симфония – оркестровый жанр, появившийся во второй трети XVIII века, один из ключевых жанров классицизма. В симфонии четыре части, где оживлённые первая и четвёртая части – представительнее и массивнее, чем медленная вторая и танцевальная третья.
Иоганн Антон Стамиц, Джованни Баттиста Саммартини, Франц Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт
16. Камерная и инструментальная музыка классицизма
Кроме симфонии, эпоха классицизма (вторая половина XVIII века) была ознаменована ещё одним изобретением: в это время на свет появился жанр струнного квартета. Ему предстояло прожить в культуре длинную жизнь и стать камерным (то есть рассчитанным на малое пространство и малый состав исполнителей) аналогом симфонии. Более того, квартету суждено было пережить симфонию: в XX веке больших композиторов-симфонистов можно было уже пересчитать по пальцам, симфония начала постепенно клониться к закату, чего нельзя сказать о квартете.
https://www.youtube.com/watch?v=n1I8VJ2N5P4
У квартета такая же структура, как у симфонии, четыре части: «быстро – медленно – танец – быстро», но он пишется для четырёх исполнителей: двух скрипок, альта и виолончели. Квартет и другие камерные жанры – соната (для двух инструментов, один из которых обычно – фортепиано), трио (для трёх), квинтет (для пяти), начинались как скромные сочинения для домашнего использования. Это была музыка для разыгрывания с семьёй или гостями.
Спустя несколько десятилетий их функция поменялась. Квартетный и другие камерные жанры стали для композиторов вместилищем самых сокровенных и «трудных» мыслей – таких, которые не выскажешь в парадном, официальном симфоническом формате. Для некоторых авторов камерные жанры стали местом неожиданных, поражающих экспериментов. Словом, это была особая территория, где возможны сокровенность, глубина и интеллектуализм.
Поделиться книгой: