Помоги проекту - поделись книгой:
Сальвадор Дали примкнул к движению сюрреалистов только в 1929 году. За год до этого он вместе со своим другом Луисом Бунюэлем, в будущем великим кинорежиссером, работал над созданием его первой ленты «Андалузский пес». Премьера фильма, снятого с использованием принципов сюрреализма, состоялась в Париже. Андре Бретон заинтересовался и фильмом, и его создателями. Так Дали вошел в круг сюрреалистов.
Вообще, художник бывал в Париже и раньше. Еще в 1925 году он познакомился там с Пикассо, который видел его первую выставку, прошедшую в Барселоне, и довольно высоко оценил дебют. В раннем творчестве Дали много экспериментировал, но опыты сюрреалистов привлекали его более других новых течений.
САЛЬВАДОР ДАЛИ. МЯГКАЯ КОНСТРУКЦИЯ С ВАРЕНЫМИ БОБАМИ: ПРЕДЧУВСТВИЕ ГРАЖДАНСКОЙ ВОЙНЫ. 1936
Надо сказать, что если многие сюрреалисты действительно верили в свои теории и старались воплощать их в своем творчестве, то Дали гораздо больше интересовала внешняя сторона дела. Картины сюрреалистов получались необычными, эпатажными, привлекали публику, и молодой, но весьма практичный художник почувствовал, что в этом есть нечто, что может принести еще и коммерческий успех. Любопытно, что очень многие «истинные» сюрреалисты примыкали к левым политическим движениям, становились анархистами или даже коммунистами, но Дали всегда оставался реакционером, а к концу жизни стал фанатичным католиком. Мало того, в 1930-х годах художник примкнул к франкистам (его не остановила даже гибель близкого друга, поэта Федерико Гарсиа Лорки, расстрелянного под Гранадой в 1936 году).
В начале 1930-х годов Дали считался видной фигурой в движении, чему способствовало не только его творчество, но и талантливая самореклама. В области пиара художник действительно проявлял себя как подлинный гений. В этом его вдохновляла и жена, знаменитая Гала (урожденная Елена Дьяконова), которая до знакомства с Дали, состоявшегося в 1929 году, была женой поэта Поля Элюара, также одного из основателей сюрреализма.
САЛЬВАДОР ДАЛИ. ИСКУШЕНИЕ СВЯТОГО АНТОНИЯ. 1946
Что же касается художественной стороны творчества Дали, то здесь мнения искусствоведов различаются. Некоторые действительно признают его гением (как он сам всегда о себе говорил), другие же отмечают недостатки полотен. Как мне кажется, у Дали был не слишком отработанный рисунок, довольно однообразная и примитивная палитра и сюжеты, в которых не было никакой спонтанности подлинного сюрреализма. При всей их причудливости, все его фантастические образы выстроены логически и довольно легко прочитываются. Искусство Дали – это сюрреализм для толпы с интеллектуальными амбициями, почти китч.
Но есть одна область, где Дали действительно проявил себя как подлинный художник – это его собственная жизнь. Если Пикассо был гениальным художником сам по себе, ему не нужно было ничего специально выстраивать, чтобы доказать публике свою гениальность, он просто жил, будучи гением, то Дали приложил немало усилий, чтобы прослыть гением эксцентричным. Он возвел публичность в абсолют и сделал подлинным искусством. Любое его появление на публике было выстроено и подготовлено специально.
САЛЬВАДОР ДАЛИ. РАСПЯТИЕ, ИЛИ ГИПЕРКУБИЧЕСКОЕ ТЕЛО («CORPUSHYPERCUBUS»). 1951
В конце концов, художник добился своего. Имена других сюрреалистов, например Дельво, Магритта, Миро или Эрнста, далеко не так известны широкой публике, как имя Сальвадора Дали. В сущности, именно к такой известности он и стремился всю свою жизнь.
7
Почему Рубенс рисовал таких полных женщин?
Понятие красоты, то есть способность некоего произведения искусства или явления доставлять эстетическое наслаждение зрению человека, с течением времени менялось. А женская красота вообще всегда была понятием относительным, и ее критерии в разные времена были различными. Нам сейчас могут не казаться красивыми и худосочные дамы эпохи готики с выбритыми лбами и имитацией беременности, и дамы XVII века, пышнотелые и пышногрудые, воплощающие в себе идеал процветания и материнства. Не менее странными могут показаться и бледные томные чахоточные барышни века XIX, которые даже принимали мышьяк, чтобы казаться еще более бледными и томными.
ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС. ТРИ ГРАЦИИ. ОК.1635
Между тем логика людей эпохи барокко была довольно проста и ничем не отличалась от логики некоторых современных африканских народов, где тоже господствует идеал пышной красавицы. Если дама полная, значит, во-первых, она здорова и может иметь много здоровых детей, которых выкормит без особых проблем, а во-вторых, она богата, раз может позволить себе есть много вкусной, калорийной и соответственно дорогой еды. Так в Древней Руси девушки чернили себе белоснежные зубы, чтобы продемонстрировать, что они могут есть много сладкого и соответственно болеть кариесом.
Вообще, существует теория, которая доказывает, что наше восприятие красоты диктуется достаточно прагматическими соображениями, которые засели у нас в подсознании еще со времен первобытного мира.
Формы человеческого тела, согласно этой теории, должны быть такими, чтобы как можно более продуктивно выполнять функции, способствующие выживанию человеческого вида. До сих пор мужчины особенно неравнодушны к длинноногим и пышноволосым красоткам, и это вполне укладывается в теорию: длинные ноги помогают женщине быстрее и дальше убежать от опасности, а пышные волосы – согреться под ними самой и согреть ребенка. Большие глаза увеличивают обзор; брови, изогнутые красивой дугой, лучше отводят влагу с лица во время дождя; пышная грудь помогает выкормить ребенка и так далее. То же самое касается и мужчин: высокий и мускулистый будет более удачлив на охоте, сможет быстрее притащить добычу и ловчее ее разделать. Такой кавалер будет казаться более красивым и привлекательным, поскольку более приспособлен для выживания.
С течением времени, когда социум развивался и для человека стали иметь значение не только физические данные партнера (или партнерши), но и его положение в обществе, финансовая состоятельность, образованность, критерии красоты соответственно менялись. Теперь обращают внимание на качество одежды и аксессуаров, сопровождающих человека, на то, что он ест и где отдыхает. В конечном счете мужчина на дорогой машине с гаджетом последней модели, одетый в дорогой костюм, будет казаться современной охотнице гораздо более красивым, чем обладатель старенького драндулета и в потертых штанах китайского производства.
ПИТЕР ПАУЛЬ РУБЕНС. ЕЛЕНА ФОУРМЕН СО СВОИМИ ДЕТЬМИ. ОК.1636
Женская худоба тоже имеет определенное значение в современном мире, обозначая здоровье и активность дамы, ее мобильность и способность к быстрой адаптации, а следовательно, успешность в карьере и в финансах, что для современной жизни в мегаполисе просто необходимо.
Что же касается Рубенса, вполне возможно, что его вкус на пышнотелых дам определялся не только модой того времени, но и личными пристрастиями. Обе его супруги – и Изабелла Брандт, и Елена Фоурмен – как раз обладали пресловутыми роскошными формами. И, между прочим, в первом браке художник имел троих детей, а во втором – пятерых, причем младшая дочь родилась уже спустя восемь месяцев после смерти Рубенса, умершего в возрасте 62 лет. Кстати, свой второй брак Рубенс заключил спустя четыре года после смерти первой жены, когда ему исполнилось 53 года. Его новой избранницей стала шестнадцатилетняя племянница Изабеллы Брандт Елена Фоурмен. Говорят, что оба брачных союза художника были на редкость счастливыми и удачными.
8
Неужели художник Александр Иванов написал всего одну картину «Явление Христа народу»? И были ли еще такие художники «одной картины»?
Действительно, бывают в истории культуры и искусства такие люди, которые успевают за всю свою жизнь создать только одно-единственное произведение. Чаще они встречаются среди литераторов. Мы сразу можем вспомнить, например, Александра Грибоедова – автора единственной пьесы «Горе от ума», или Маргарет Митчелл, прославившуюся единственным романом «Унесенные ветром». Можно, конечно, сказать, что Грибоедов слишком рано погиб, а если бы остался жив, вполне мог бы сочинить что-нибудь еще не менее гениальное. Да и Маргарет Митчелл, если верить утверждениям ее близких, погибла под колесами грузовика как раз тогда, когда приступила к работе над новой книгой. Но факт остается фактом. В истории литературы эти писатели остались авторами единственного произведения.
АЛЕКСАНДР ИВАНОВ. ЯВЛЕНИЕ ХРИСТА НАРОДУ (ЯВЛЕНИЕ МЕССИИ). 1837—1856
С художниками дело обстоит иначе. Конечно, картина «Явление Христа народу (Явление Мессии)» – это самое значимое произведение в творчестве Александра Иванова. Он работал над ним чуть ли не двадцать лет, и даже умер сразу после того, как привез полотно в Россию, перенервничав из-за приема, оказанного его картине. Художнику показалось, что публика не оценила его шедевр в достаточной мере.
Но нельзя сказать, что кроме этой работы Иванов больше ничего не создал. Прежде всего, он получил большую золотую медаль и стажировку в Италии в качестве награды за полноценную картину «Аполлон, Гиацинт и Кипарис, занимающиеся музыкой и пением». До этого художник создал еще одно полотно на античный сюжет: «Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора», а также автопортрет.
Многие специалисты считают, что самое интересное в творчестве Иванова – это даже не законченное «Явление Христа народу», а огромное количество этюдов и эскизов с изображением отдельных людей, групп, элементов пейзажа, деревьев, даже камней, которые Иванов исполнил в качестве подготовительной работы к своей грандиозной картине. Именно в этих эскизах он проявил себя как исключительно талантливый живописец, настолько они полны света, движения, жизни и красоты.
У Иванова есть и серьезный графический цикл, выполненный на сюжеты из Ветхого Завета.
Вообще, живопись – это такое ремесло, где, для того чтобы достигнуть определенных вершин, художнику необходима практика. Никто не может один раз взять в руки кисть и написать гениальную картину, не имея никакой подготовки. А если был период обучения, значит, были и другие работы – ученические, подготовительные, такие, где живописец искал свой стиль или свою тему. Поэтому вряд ли можно говорить о художниках, создавших за всю свою жизнь единственное произведение искусства.
9
А почему картины художника Перова такие темные и грустные?
В истории русского искусства есть такие художники, о которых, как кажется, можно узнать абсолютно все, только лишь взглянув на их картины, тем более что эти произведения чаще всего известны абсолютно всем. Именно такие полотна публикуют в качестве иллюстраций в школьных учебниках, именно к ним в первую очередь идут посетители музеев. Причем во главу угла здесь даже не всегда ставятся их художественные достоинства – главным фактором зрительского успеха оказывается узнаваемость.
ВАСИЛИЙ ПЕРОВ. ПРОВОДЫ ПОКОЙНИКА. 1865
Таким художником можно считать и Василия Перова. Он – один из основателей критического реализма, лидирующего направления в русской живописи 1860–1870-х годов, активный участник Товарищества передвижных художественных выставок и вообще кумир отечественной прогрессивной общественности в области изобразительного искусства во второй половине XIX века.
Мы смотрим на его картины, и пред нами вырисовывается образ человека с активной гражданской позицией, прекрасно знающего ту среду простых людей, ремесленников, небогатых купцов, крестьян, жизнь которых художник с такой симпатией и сочувствием запечатлел на своих полотнах. Отчасти это действительно так, но все-таки, когда начинаешь изучать биографию Перова, выясняется, что с ним все совсем не так просто.
Начать с того, что родиться он должен был вовсе не Перовым, а бароном Криденером. Отец художника, барон Григорий Криденер, был губернским прокурором в Тобольске. Криденер был человеком весьма прогрессивных взглядов, общался с декабристами, публично высказывал весьма прогрессивные для того времени идеи о справедливом устройстве общества и, видимо, был далек от соблюдения формальностей в личной жизни. Василий родился до того, как его родители заключили официальный брак, и, соответственно, был признан незаконнорожденным, то есть бастардом, байстрюком, по терминологии того времени.
Последующий брак его родителей для Василия ничего не изменил. Его братья и сестры родились Криденерами и титулованными дворянами, а он был записан в мещанское сословие (хорошо хоть не оказался крепостным) и получил фамилию своего крестного отца – Васильев. Почему мальчик стал в конце концов Перовым, до сих пор точно не известно. Есть версия, что в раннем детстве прозвище «Перов» дал ему некий дьяк, нанятый заниматься с ребенком, за необыкновенные способности к каллиграфии. По другой версии, кличка «Перов» появилась позднее, когда Василий начал посещать школу, но тоже за отличные успехи в чистописании.
Барон Григорий Криденер в конечном счете был вынужден оставить государственную службу. Отчасти причиной этого были его либеральные взгляды, кроме того, он отличался сложным характером и не умел ладить с начальством. Состояния у семьи не было, поэтому Криденер был вынужден согласиться занять место управляющего в одном из крупных имений Нижегородской губернии, недалеко от Арзамаса. Именно там, в уездном училище Арзамаса, и начал учиться его старший сын Василий.
Нужно сказать, что с местом жительства будущему художнику повезло. В Арзамасе в то время работала частная художественная школа Александра Васильевича Ступина, академика живописи и талантливого педагога. Кстати, в биографии Ступина была страница, аналогичная истории Перова, – он тоже родился в дворянской семье Борисовых, но по каким-то причинам был отдан на воспитание в семью Ступиных, принадлежавшую к мещанскому сословию. Ступины его усыновили, дали свою фамилию, но тоже записали в мещане. В дореволюционной России весь этот сословный статус достаточно жестко регламентировал права и обязанности гражданина. Так, мещане, например, в отличие от дворян, были обязаны нести рекрутскую повинность и могли быть подвергнуты телесным наказаниям.
Ступинская школа имела официальный статус и находилась под покровительством Академии художеств, которая охотно принимала ее выпускников для дальнейшего обучения, присылала в Арзамас копии классических скульптур в качестве наглядных пособий, а лучших воспитанников награждала серебряными медалями.
Перов поступил в художественную школу в возрасте 13 лет, но проучился всего три года – с 1846 по 1849-й. Вероятно, именно Ступин смог оценить талант и творческий потенциал мальчика, внушил ему уверенность в себе и в избранном жизненном пути. Ступин был не только опытным педагогом, но и хорошим психологом, до определенной степени он смог скорректировать личностные особенности своего ученика и сгладить сформировавшийся у него комплекс неполноценности. Перов, разумеется, понимал, что возможности, которые открываются перед его братьями благодаря имени, титулу, статусу и связям отца, ему никогда не будут доступны. И вот благодаря знакомству со Ступиным Василий понял, что в его жизни может быть и другой путь, не менее интересный.
Еще три года после окончания занятий в художественной школе Перов провел вместе с родителями в имении, где работал его отец. Видимо, финансовая ситуация в семье была довольно сложной, так что уехать учиться Василий смог только в 1852 году. Он добрался до Москвы и через год приступил к занятиям в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ).
Учился Перов долго, около девяти лет, и окончил училище, когда ему было почти тридцать. Впрочем, его нельзя назвать «вечным студентом», поскольку такая длительность учебы объяснялась просто: у Василия не было денег. В 1855 году Григорий Криденер окончательно разорился, так что Перов полностью лишился поддержки из дома.
Быть может, человек иного психологического склада воспринял бы историю своего выживания без денег в большом городе как череду приключений, героических, забавных, а подчас даже пикантных, но для Перова это время оказалось по-настоящему трагическим.
Начинающему художнику было негде и не на что жить, зимой в морозы он подчас пропускал занятия, поскольку не имел теплой одежды, а голодал вообще хронически. Василий предполагал даже бросить училище и отправиться в провинцию работать учителем рисования.
Некоторое время он жил в каком-то приюте для женщин, где работала его знакомая. В это заведение вход мужчинам был строго запрещен, но Перова проводили туда контрабандой и при малейшей тревоге прятали под кроватью в комнате его сердобольной приятельницы. Некоторые исследователи творчества художника считают, что от такой жизни он стал законченным невротиком.
Белая полоса в жизни Перова началась благодаря одному из его преподавателей. Е. Я. Васильев поселил молодого человека у себя в доме совершенно бесплатно, предоставив ему отдельную комнату и питание. Только после этого Василий смог начать нормально заниматься. В 1857 году он получил Большую серебряную медаль за «Приезд станового на следствие», а в 1861 году – Большую золотую медаль и грант на поездку за границу за «Проповедь на селе». Его превозносила прогрессивная критика, видя в нем продолжателя традиций Павла Федотова, соответственно, пришли и некоторые доходы.
На стажировку в Париж художник отбыл с молодой женой Еленой Шейнс. Все 60-е годы оказались для Перова сплошным триумфом. Каждая его картина признавалась культурным явлением, он получил сначала звание академика (в 1866 году за картины «Тройка» и «Гитарист-бобыль»), а позднее – профессора (в 1870-м за «Птицелова» и «Странника»). Между прочим, звание профессора было гораздо более значимым для практической стороны жизни художника в XIX веке, нежели звание академика. За академиком живописи ничего не стояло, кроме красивой бумажки с печатями, а вот профессор по закону получал бесплатную казенную квартиру в «престижном районе», бесплатные дрова и свечи и очень приличное жалованье. Перов очень успешно преподавал в МУЖВЗ, его пригласили на место Сергея Зарянко, когда тот ушел из жизни.
Эта светлая полоса продолжалась в жизни Перова не больше 15 лет. Затем снова начались трагедии и беды. В 1869 году в течение нескольких месяцев Перов потерял жену и двух сыновей, затем простудился на охоте. Эта простуда перешла в тяжелую пневмонию, а затем обернулась туберкулезом. Очень может быть, что на таком течении болезни сказались годы лишений, которые он испытывал в юности. Даже новая женитьба на очень милой и славной женщине Елизавете Другановой, состоявшаяся в 1872 году, не спасла Перова от депрессивного состояния.
Его знакомые говорили, что примерно с 1874 года в поведении художника начали проявляться какие-то странности. Впрочем, в жизни он вообще был очень мрачным человеком, полным каких-то страхов и комплексов. Известно, что Перов даже уничтожил или испортил некоторые из своих картин. По мнению современников, с середины 1870-х годов он перестал развиваться как художник, не смог больше улавливать новые культурные запросы эпохи. А может, его вообще перестало это интересовать.
Василий Перов умер в 48 лет, и к этому совсем еще молодому по нашим меркам возрасту выглядел дряхлым стариком, седым и разбитым. Его друзьям было очень печально наблюдать все, что происходило с художником в последние годы жизни. Возможно, что у него была депрессия, а может быть, его состояние было связано с прогрессирующим туберкулезом, вызвавшим общую интоксикацию организма. Перов был легковозбудимым человеком, который в любой стрессовой ситуации срывался на крик и слезы.
Содержание лучших картин художника, их обличительный пафос можно связать не только с его гражданской позицией, но и с физическим состоянием, и с психологическими проблемами. Судя по всему, комплекс незаконнорожденного так и остался с Перовым навсегда. И только искусство до определенной степени держало его на поверхности, позволив все-таки прожить хотя и короткую, но достойную и плодотворную жизнь.
10
А правда, что все люди, которых писал Репин на своих портретах и на картинах, потом очень быстро умирали? Есть ли какое-то проклятие портретистов?
Еще с доисторических времен в нас живет представление о том, что через наше изображение коварный и могущественный колдун может похитить душу, причинить вред и даже уничтожить. В цивилизованном мире люди перестали об этом задумываться, мы без всяких опасений тиражируем наши портреты, выкладываем фотографии в Интернете, обмениваемся ими с друзьями и даже с посторонними людьми и ничего не боимся. Хотя наши современники из менее продвинутого мира африканских или южноамериканских племен, живущие по первобытным традициям и обычаям, по-прежнему не разрешают чужеземным пришельцам себя фотографировать, боясь потерять душу и от этого погибнуть.
Наверное, именно из подобных древних представлений, глубоко засевших в нашем подсознании, и возникают легенды о художниках, которые запечатлевают на портретах души своих героев, после чего те очень быстро уходят из жизни. Все эти истории рассказывают обычно о самых лучших и успешных портретистах. В русском портретном искусстве Илья Ефимович Репин стоит на одном из первых мест и по количеству созданных портретов, и по их качеству. Ему действительно очень часто удавалось понять и запечатлеть на портрете душу своего героя. Но вот что касается проклятия, после которого его модели должны непременно сходить в могилу, тут все не так однозначно и просто.
Одним из самых ярких примеров пресловутого «проклятия» считается портрет Модеста Петровича Мусоргского (1839–1881), великого русского композитора, прожившего недолгую, но чрезвычайно насыщенную в творческом отношении жизнь. Репин действительно написал портрет Мусоргского в середине марта 1881 года, а 28 марта того же года композитор скончался. Поверхностное рассмотрение двух этих фактов может навести на мысль о том, что здесь прослеживается некая связь.
ИЛЬЯ РЕПИН. ПОРТРЕТ М. П. МУСОРГСКОГО. 1881
То, что Мусоргский был болен алкоголизмом, – общеизвестный факт, однако лишь немногие знают, что эта болезнь, начавшись у композитора еще в ранней юности, когда он служил в Преображенском полку, постоянно прогрессировала. Последние два года своей жизни Мусоргский почти ничего не писал, состояние здоровья ухудшалось, и в свои сорок с небольшим лет композитор выглядел глубоким стариком. К болезням печени, сердца и спинного мозга прибавились приступы удушья. Именно поэтому в феврале 1881 года Мусоргского поместили в больницу.
Все друзья и сподвижники композитора прекрасно понимали, что его дни сочтены. Репин написал знаменитый портрет всего за четыре сеанса – с 14 по 17 марта, а 28 марта композитора не стало. Портрет казался современникам потрясающим по уровню мастерства и по степени достоверности. Даже Стасов, блестящий знаток искусства и суровый критик, восхищался работой художника. Но в том, что Мусоргский умер через несколько дней после окончания работы, вины Репина нет. Он не крал ничьей души, а просто писал портрет умирающего друга, о чем знали и он сам, и его герой, и все окружающие.
Другая знаменитая история, связанная с портретом, написанным Репиным, касается писателя Всеволода Гаршина (1855–1888). Он тоже прожил недолгую жизнь, которую закончил трагически, совершив самоубийство.
В 1883 году Репин написал эскизный портрет Гаршина, который был частью подготовительной работы художника к его знаменитому полотну «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», которое в народе традиционно именуется «Иван Грозный убивает своего сына». Гаршин как раз позировал для образа несчастного царевича.
Картина была закончена в 1885 году и получилась более чем впечатляющей. Пожалуй, ни одно из полотен русских художников не производило на зрителей такого сильного и мрачного впечатления. В 1913 году на нее даже совершил нападение психически неуравновешенный молодой художник-иконописец Абрам Балашов. Полотно было прорезано ножом в нескольких местах, но его удалось отреставрировать.
Как можно судить по датам, портрет Гаршина был написан в 1883 году, основная картина закончена в 1885-м, а с собой писатель покончил еще через три года, в 1888 году. То есть пресловутое проклятие растянулось по времени на пять лет.
К тому же Гаршин происходил из семьи с большими проблемами по части психического здоровья. Самоубийством покончили жизнь его дядя, несколько кузенов и родной брат, многие из родни лечились в психиатрических больницах. Сам Гаршин начал проявлять признаки психического расстройства еще в 1872 году (более чем за десять лет до знакомства с Репиным), и с того времени его болезнь, которую современная медицина определяет как маниакально-депрессивный психоз, периодически обострялась.
Современники свидетельствовали, что именно потому, что «на его лице лежала такая печать обреченности, <…> Репин с него стал рисовать лицо царевича Ивана, смертельно раненного Иваном Грозным»[7]. Так что здесь опять первична болезнь человека, которую гениальная кисть художника перенесла на холст.
Любопытно, что для образа царевича Ивана Репину позировал еще один молодой человек, художник Владимир Карлович Менк (1856–1920). Он, так же как и Репин, участвовал в Товариществе передвижных художественных выставок, и ничего особенно трагического с ним в жизни не случилось.
Многие из тех, кого портретировал Репин, после того, как работа художника была закончена, прожили долгую и вполне благополучную жизнь, которую не омрачили даже годы революций и прочих катаклизмов, через которые прошла наша страна.
Например, Иван Егорович Забелин (1820–1908), известный историк, один из основателей и первый директор Государственного исторического музея в Москве, после того, как в 1877 году Репин написал его портрет, прожил еще 30 счастливых и плодотворных лет. Скульптор Илья Яковлевич Гинцбург (1859–1939), чей портрет Репин исполнил в 1871 году, прожил после этого 68 лет. Художник Иван Павлович Похитонов (1850–1923), запечатленный Репиным в 1882 году, ушел из жизни лишь через 41 год после портретных сеансов. И таких примеров можно найти немало.
Вероятно, человек, нездоровый физически или имеющий определенные психические проблемы, кажется художнику более интересной и выразительной моделью, поскольку чувства, эмоции, реакции у него могут выражаться острее и отчетливее, чем у человека здорового и уравновешенного. Поэтому, когда мастеру нужен для работы определенный образ, он может остановить свой выбор именно на такой личности. А если после этого модель уходит из жизни, то никакой вины художника в этом, разумеется, нет. Так что «дурной глаз» Ильи Репина – это всего лишь миф, так же как и пресловутое «проклятие портретистов».
Поделиться книгой: