Помоги проекту - поделись книгой:
На творчество Карла Блехена большое влияние оказали современные ему художники романтизма, такие как великий Каспар Давид Фридрих. Блехен стал знаменит благодаря своим пейзажам, мастер также успешно преподавал в берлинской Академии художеств.
Эта картина создана в последний период творчества живописца. Он исполнил целый ряд пейзажей с изображением лесов и болот. В подобных сюжетах его привлекала возможность отобразить мистическую темноту, глушь этих мест, в чем, безусловно, чувствуется отзвук романтической поэзии, которая была близка Блехену в ранние годы его жизни. Кажется, что это традиционный идиллический пейзаж, однако при внимательном рассмотрении становится заметна общая мрачность сцены, созданные чисто живописными средствами. Молодую крестьянку с тюком хвороста окружает темнота величественного леса. Светлое пятно слева лишь усиливает тревожность взгляда женщины. Блехена притягивали резкие, контрастные тени от солнца. Художника преследовала депрессия, переросшая в тяжелую болезнь, о чем свидетельствуют его картины: через слой типичной для того времени романтико-идиллической живописи словно просвечивают неустроенность, громадный отчуждающий мир. По земле разбросаны обломки веток, дорога разбита, недавно был сильный шторм. Автор активно использует контрастные эффекты. Фигура испуганной женщины рифмуется с монументальным старинным готическим замком вдали, окутанным неземным золотым светом небес. Карл Блехен — мастер подобных деталей, именно благодаря тонкому артистическому чутью его, казалось бы, обычные работы несут в себе многообразные смысловые оттенки, которые не сразу открываются зрителю.
Карл Фридрих Шинкель прославился в истории искусства как великий немецкий архитектор XIX века. Он автор таких шедевров зодчества, как берлинский Старый музей, Новая Гауптвахта, драматический театр и многих других. Художественные образы этих зданий роднит стремление создать неогреческий стиль, повторить достижения греческого храмового зодчества. Большое количество живописных работ мастера посвящено воспроизведению городских пейзажей античности. Подобные картины были своего рода выдуманными жанровыми сценами из жизни древнегреческого полиса, к идеалам которого стремился Шинкель.
Представленная работа — копия полотна Шинкеля, исполненная художником Августом Вильгельмом Юлиусом Альборном. На фоне панорамы греческого города он изобразил обнаженных мужчин, которые строят ионический храм. Перед зрителем — реконструкция античного города: умозрительные архитектурные декорации, массивные колонны, идеальные скульптурные композиции, живописно расположенные на местности. Слева марширует армия, солдаты остановились на минуту, чтобы отдохнуть у источника с водой. Строители без видимых усилий, словно наслаждаясь играми, возводят храм, который своими скульптурными декорациями напоминает знаменитый Парфенон. Греческая надпись на нем цитирует гимн Аристотеля во славу битв и геройской смерти в битвах. Мужчины, наносящие надпись, остановились, чтобы взглянуть на солдат, возвращающихся с войны. Здесь явный намек на наполеоновские войны и борьбу Пруссии за независимость.
Шинкель создал пейзаж и в то же время программное произведение, в котором отразил собственные взгляды на культуру и политику своего времени. Вильгельм Альборн дважды сделал копию этой работы мастера, в 1826 и в 1836, оригинал, написанный самим Шинкелем был утерян.
Немецкий художник XIX века Густав Карл Людвиг Рихтер прославился, в первую очередь, как портретист. Он провел годы обучения в Берлине, Париже и Риме.
Данная работа нетипична для творчества мастера. Обычно он предпочитал сдержанные неоклассические колорит и композицию. Пейзаж был написан под впечатлением от академической выставки в 1836 в Дрездене. На ней Рихтер увидел натурные штудии местного художника Августа Ширмера, поразившие интенсивностью красок и манерой письма. Крконошские горы находятся на границе Чехии и Польши. Это огромный массив, который переводится на русский язык как «Гигантские горы». Озеро изображено по центру картины, возникает ощущение замкнутости, несмотря на открывающийся фоном простор. Впечатлению скученности пространства, закрытости от внешнего мира способствуют тяжелые тучи, нависшие над водой, общий темный, мрачный, тревожный колорит и позы людей. Старик с собакой и мальчиком, закрываясь от холодного ветра, с изнеможенными лицами идут мимо озера. В руках у пожилого мужчины четки, они символизируют молитву путников. Выражение его лица, а также окружающая непогода говорят о том, что это не развлекательная прогулка. Все детали свидетельствуют о страданиях и неудачах. Примечателен черный цвет водной глади. Он отсылает зрителя к старому германскому искусству, в котором художники для большей экспрессивности использовали контраст черного с ярко-салатовыми, оранжевыми и голубыми цветами. Возобновленное использование традиций средневековой живописи было характерно для романтико-национального направления творчества немецких мастеров XIX века.
Карл Ротман — один из известных немецких пейзажистов XIX века. Он принадлежал к кругу живописцев, которым благоволил король Баварии Людвиг I. В 1826–1827 правитель оплатил художнику путешествие по Италии. Из поездки Ротман привез обширный цикл итальянских пейзажей, ставших украшением мюнхенского королевского двора.
В 1834–1835 мастер совершил еще одну важную поездку — целый год путешествовал по Греции. Более четырех веков территория этой страны была под властью Османской империи. Получив независимость в 1830, государство сразу же стало местом паломничества. Туда тянулись образованные люди, поэты и художники, мечтающие заново открыть для себя колыбель европейской цивилизации.
Эта работа — плод поездки и впечатлений от древней страны. Ротман является мастером больших пейзажных полотен, где главный акцент задают мифические и героические аллюзии. Пейзаж очень выразителен и символичен. Он призван передавать зрителю настроение тех мест, говорить с ним с помощью аллегорий и олицетворений. Символично уже название работы. Художник изобразил поле аттического города Марафон в Греции, получившего всемирную известность благодаря легендарной битве величайших исторических героев — персидского царя Дария и древних греков, которым удалось остановить его триумфальный поход на Запад и спасти Европу от порабощения. Ротман подчеркнул историческую роль места, прибегая к художественным преувеличениям. Он широко и смело использовал сочные цветовые акценты. Для большей экспрессивности мастер по-особенному написал небо и атмосферу, придавая им вид драматических погодных условий, не встречающихся в обычной жизни. Пейзажи Ротмана обладают героической мощью, эти титанические аллегории в ландшафтах делают его работы узнаваемыми.
Адольф Менцель
Немецкий художник Адольф Менцель, проживший долгую и плодотворную жизнь, оставил большое творческое наследие. В его многочисленных живописных и графических работах нашли отражение сюжеты, события, сцены и образы, иллюстрирующие различные стороны жизни немецкого общества. Менцелю было интересно все: история германской государственности, памятники зодчества, обыденные городские сценки, виды улиц, парады, шествия, карнавалы, существование простых крестьян и досуг высшей аристократии.
Славу Адольфа Менцеля среди современных историков искусств, безусловно, составляют его небольшие полотна жанрового характера. «Комната с балконом» стала одной из первых работ мастера, где он использовал эффект будто случайного запечатления произвольного фрагмента домашнего интерьера. Данный аспект радикально отличал произведения Менцеля от традиционного на тот момент искусства бидермейера, в котором художники стремились наиболее полно и репрезентативно представить городские интерьеры. Две трети полотна — это пустые, невзрачные стены. Создается ощущение, что мастер забыл их доработать. Основной эффект картины достигается движением занавески и лучом солнечного света, именно эти детали делают небольшую вещь такой уютной и притягательной. Небрежно, будто случайно расставленные стулья усиливают впечатление мимолетности и домашней интимности.
Несмотря на то что Адольф Менцель только полгода провел в берлинской Академии художеств и может по праву считаться автодидактом, он стал самым знаменитым немецким живописцем XIX века. Наибольшую популярность еще при жизни мастер получил благодаря своим полотнам, передающим реалии и дух Пруссии времен короля Фридриха II Великого. Таланту художника сопутствовал пристальный и плодотворный интерес к немецкой истории. Еще в начале своей творческой карьеры Менцель выполнил около четырехсот иллюстраций к книге «История Фридриха Великого». Именно с XVIII столетия начался интерес к реалиям того времени: к достоверной передаче костюмов, униформы, архитектурных и декоративно-прикладных деталей городской и повседневной жизни. Картины мастера поражали скрупулезной документальностью, которая соединялась с щедрым художественным чутьем.
Представленная работа — прекрасный пример талантов Менцеля. В картине как бы соединены натурная штудия, «портрет» дерева и сцена строительства новой берлинской улицы. Солнечные свежие тона голубого неба, сочной, с сизеватым оттенком листвы и травы и изображение мирно пасущейся лошади создают своеобразный идиллический пейзаж. И только в правом углу видна стройка городских зданий. Скоро небольшие уголки природы отступят перед натиском жизни людей. Именно подобные работы, изображающие повседневность, где соединяется документальность происходящего с лирической атмосферой природных зарисовок, чрезвычайно ценятся в творческом наследии немецкого мастера.
Творчество немецкого живописца и графика Адольфа Менцеля поражает своим разнообразием и разносторонностью. Мастера интересовали не только сюжеты из истории Германии, он напряженно следил и за современными событиями в жизни страны. Менцель изображал городские сценки, праздники, официальные мероприятия, новые стройки и случайных прохожих. Одной из постоянных тем именитого живописца являлась железная дорога. В то время именно она была последним словом техники, с ее помощью надеялись связать всю страну и тем самым повысить качество жизни простого народа. Потсдамская дорога стала первой железной дорогой в Германии. Она была открыла в 1838. Первое художественное произведение, посвященное железной дороге, мастер исполнил в 1845. Менцеля, как и его коллег французов, интересовали не только новая техника и сюжеты, связанные с изменением быта, но и чисто художественные свойства технических устройств. Живописец изобразил дымку, которой вторит туман города на заднем плане. Он выбрал ракурс сверху, создавая панораму местности. Художник традиционно для себя использовал теплую цветовую гамму, совсем немного оттенков в пределах желто-коричневой палитры, получив очень цельное полотно. Какую бы тему ни взял немецкий мастер, его работы всегда полны теплой, душевной атмосферой родных мест.
Современным историкам искусства Адольф Менцель известен своим многообразным наследием, сюжетно связанным с бытовой живописью, посвященной, как правило, собственной семье, друзьям, неприхотливым занятиям и предметам повседневности.
Менцель изобразил стену своей мастерской. Руки натурщика при отсутствии головы выглядят почти угрожающе. Позже, в 1872, художник снова представит эту стену, однако в ней будут доминировать маски мертвецов. Обе картины подчеркивают важность натурных штудий для мастера. Мягкий свет, любимая художником ограниченная палитра теплых оттенков коричневого цвета, уголок шкафа и домашний старый стул делают эту зарисовку очень простым, душевным эскизом. Картина пронизана теплотой эмоций, атмосферой любимого дела и домашнего уюта. Обращает внимание также и то, что художник-самоучка намеренно не изображает традиционные академические гипсы, стремясь подчеркнуть свою творческую независимость.
Адольфа Менцеля часто сравнивали с французскими художниками того времени, чтобы обосновать лидерство в новациях последних. Однако представленная в музее совсем небольшая работа, сцена из театра Жимназ, безусловно, говорит о первенстве немецкого мастера. Главным новаторством стало изображение сюжета без фиксированной точки перспективы. Позже подобные сцены спектаклей этого театра рисовал Оноре Домье, а затем Эдгар Дега.
Названный театр стал одним из культурных символов Парижа XIX века. Он был чрезвычайно популярен у публики, здесь ставились самые острые, а подчас и озорные пьесы современных авторов. Колорит картины напоминает об исторической живописи Эжена Делакруа. Менцель использует синий, свой любимый оттенок кирпично-красного и золотистый оттенок желтого. Сюжет почти фотографически случаен: художник сбоку, с не самых хороших мест зрительного зала, запечатлел сцену спектакля. В этой случайности есть новаторские нотки. С середины XIX века формировалось кредо современного живописца, для которого наравне с полотнами на исторические и триумфальные сцены на первое место встали намеренно субъективный взгляд на сюжет, особая приверженность к случайно выхваченному моменту из потока жизни.
Картина все больше сближается с этюдом, который художники использовали как предварительный рисунок. В нем были живы впечатления и первые эмоции от увиденной и понравившейся сцены. Композиция полотна делится на три основных фрагмента: черный цвет зрительного зала, красный тон сцены и бежевый оттенок ложи. Менцель фиксирует и особый световой эффект, наблюдаемый зрителями. Синий цвет платья героини спектакля буквально светится, что придает этой картине еще большее ощущение моментального запечатления происходящего.
Тема физического труда стала одной из важных в творчестве художников-реалистов Франции и Бельгии во второй половине XIX века. Особенно ее прославили француз Густав Курбе и бельгиец Константин Менье, также среди тех, кто уделял большое внимание жизни слабых и обездоленных, создавал работы, критикующие устои общества, был Оноре Домье.
Адольф Менцель впервые сделал зарисовку сцен труда еще в 1869 на медных промыслах в Берлине. Возможно, желание написать данный холст с прокатчиками железа родилось у него под влиянием друга Пауля Мейерхайма, который работал над серией иллюстраций по истории железных дорог. В 1872 Менцель отправился в Верхнюю Силезию, чтобы лично познакомиться с характером и условиями труда на заводе. Там он создал сотни эскизов и подготовительных набросков.
Данная большая работа отличается сложностью строя пространства и движений персонажей. Менцель изобразил сцену в здании цеха, где люди заняты работой. Все внимание мастера направлено на то, чтобы продемонстрировать мощь современной индустрии. Цех становится местом действия новой драмы, схватки человека с машиной. Помещение наполнено туманом, вспыхивающими то тут, то там огнями и причудливыми тенями. Композиционно картина выстроена очень гармонично. Низ полотна занимает динамичная сцена упорной работы, а верх — только пустые, наполненные сизыми испарениями металлические своды помещения. Очевидно, что в этой работе Менцеля интересовали не только технологические особенности труда, но и чисто творческая возможность попробовать создать световые и пространственные эффекты в совершенно новых для художественной практики условиях.
После 1860-х Менцель стал частым гостем светских вечеров в берлинском городском замке. Сохранилось множество этюдов и зарисовок этих балов. Представленное полотно — одно из самых сложных по количеству персонажей и композиции. Общество показано в перерыве между танцами. Интерьер дворца буквально утопает в пламени свечей и золоте дорогой мебели. Художник виртуозно изобразил большое количество сценок, это одновременно и толпа людей, и отдельные группы, члены которых тщательно запечатлены в разнообразных позах. Полотно можно очень долго рассматривать, хотя оно совсем небольшого размера. В нем нет строгой точки перспективы, взгляд зрителя скользит по лицам, охватывая всю картину в целом. Живописец бегло наметил детали, главное в произведении — это настроение вечера, атмосфера типичного светского приема того времени. Спецификой Менцеля-рассказчика является то, что ему удается одновременно четко зафиксировать место действия и группы людей, создается впечатление, что все детали и черты лиц выписаны очень подробно, однако при попытке сфокусироваться на какой-либо из сцен взгляд зрителя вынужденно скользит то по одной, то по другой детали. Художник остается беспристрастным наблюдателем, он не уточняет собственного отношения к происходящему. Интересно, что пространство в работе композиционно усложнено обилием зеркал, которые увеличивают зал, множат отражения, рождают интересные световые и пространственные эффекты. Ясная композиция картины, четкие соотношения и пропорции ее разных элементов ярко свидетельствуют о высочайшем мастерстве немецкого живописца.
Изобразительное искусство второй половины XIX века
Камиль Коро — один из главных представителей французской барбизонской школы, художественного течения середины XIX века. Оно отличалось ярко выраженным стремлением к реализму в рамках романического направления. Школа названа так по местечку Барбизон, в котором работали мастера. Они опирались на традиции голландской живописи и отечественную французскую школу прошлого, к которой принадлежали Никола Пуссен и Клод Лоррен. Виртуозную технику, разнообразную и сложную, мастера-барбизонцы соединяли с лиричным настроением, повышенным вниманием к передаче атмосферы. Авторскую манеру Коро характеризуют мягкие тона и сглаженные формы, свободная работа кистью. Он известен, прежде всего, своими пейзажами. Поражают нежные, тонкие мазки жемчужных, перламутровых оттенков. Мастер использует в полотне классическое для собственного творчества сочетание зеленых, черных, белых и красных цветов. По сравнению с реалистической трактовкой света в первый период своей деятельности после 1850-х Коро предпочитает почти сказочный свет вечерних сумерек. Воздух и вода отражают его, нежный переход в гамме от серо-серебряного до зеленого. Художник изобразил место Шату недалеко от собственного дома в Виль д'Авре. Как говорил сам мастер, главное для него была не точность передачи деталей, а точность, на которую бы отозвалось его сердце. Авторский стиль Коро многосоставен. Он создает пасторальный сюжет — крестьянки занимаются повседневным трудом в живописных декорациях. Художник использует палитру неоклассицизма и реализма, а манера накладывать краски уже прямо отсылает зрителя к предимпрессионизму.
Французский художник Шарль-Франсуа Добиньи является ярким представителем барбизонской школы живописи. Исследователи видят в нем одного из важных предшественников классического импрессионизма. Непосредственное влияние на его манеру оказало искусство великого Густава Курбе, с которым он познакомился в 1852. Сам Добиньи повлиял на творческие установки Клода Моне, с ним он встретился в 1866. Как представитель барбизонской школы, Добиньи стремился объединить сложную технику живописи, внимательное отношение к проблемам натурного освещения и созданию сюжетов, в которых герои погружены в природу в лучших традициях романтизма.
Представленная картина прекрасно отражает это направление в творчестве мастера. Добиньи, как и знаменитый Моне несколькими годами позже, работал в небольшой лодке-мастерской, в которой плавал по рекам Оаз и Сене в поисках подходящих мотивов. Его целью было уйти от субъективности взгляда художника и рисовать природу так, как она есть. Добиньи использует ограниченную гамму цветов. Картина фактически состоит из двух равных по площади горизонтальных слоев — оттенков зеленого и серого-синего. Главную прелесть создает сочетание тщательной отделки холста, ее геометрической симметрии и стремления передать восприятие наблюдателя с помощью легких предимпрессионистических мазков. В изображении героев явственно ощущаются романтические нотки — молодая пара удаляется от зрителя вглубь сцены. Художнику удалось добиться двойственного ощущения особой интимности и нейтральной будничности запечатленного пейзажа.
Немецкий художник Ансельм Фейербах написал эту картину во время своего путешествия в Рим. Он создал идиллический и аллегорический сюжет, запечатлел двух детей, которые беззаботно проводят время в Тиволи, недалеко от итальянской столицы. Эти места особенно вдохновляли художников-неоклассицистов всей Европы, потому что именно Рим и Италия считались великими центрами творчества прошедших времен. Творцы стремились образом жизни и манерой живописи подражать таким итальянским мастерам, как Рафаэль, Караваджо и Аннибале Карраччи. Дети олицетворяют муз пения и музыки. Водопад на заднем плане написан достоверно, он почти не изменился вплоть до нашего времени. Художник работал над данным полотном почти год, в наследии мастера осталось большое количество тщательных зарисовок этого места.
Французский живописец Клод Моне — один из самых знаменитых художников в мировой истории искусства. Он признан основателем импрессионизма. До того как стать классиком этого направления, Моне учился не только в парижской Академии, но и у старых мастеров, штудируя их работы в богатейшей коллекции Лувра. Во время Франко-прусской войны живописец переехал в Англию, где его наставником был Джон Констебль. Перед возвращением на родину Моне несколько месяцев провел в Нидерландах, там ближе познакомился с поэтикой живописи старых мастеров. С этого времени он создавал в основном этюды, зарисовки из повседневной жизни.
В 1865 молодой Моне впервые выставил свои работы в парижском Салоне — официальной выставке искусств. Но уже в 1867 его жюри отказало художнику в участии. С тех пор Моне и его друзья отошли от официального искусства и непосредственно занялись выработкой новых методов в искусстве, что вылилось в стиль импрессионизм. Основным принципом стало видение окружающей среды «так как есть». Отсюда повышенное внимание к световым эффектам, выбору случайных фрагментов, интерес не столько к сюжету, сколько к особенностям восприятия того или иного предмета.
В апреле 1867 Моне и Ренуар попросили у руководства Лувра разрешить им поставить свои мольберты в здании музея, чтобы иметь возможность зарисовывать городские виды, которые полюбились живописцам во время самостоятельных учебных занятий. Моне создал три городских пейзажа из стен Лувра. Данная картина представляет вид на соседнюю церковь Сен-Жермен, построенную в готическом стиле. Архитектурный объект очень велик, но он не давит, художник мастерски строит городское пространство. В этом раннем полотне Моне прекрасно видно влияние и школы Добиньи, и всей барбизонской школы пейзажной живописи, которая сформировалась на идеях работы на пленэре. Художник изображает яркий солнечный полдень. Все цвета выбелены под открытым солнцем. Мастер вводит множество синих пятен, чтобы усилить ощущение палящего зноя. Моне создает глубокие, почти черные тени. Цветущие каштаны, манера их написания, а также фактурность всего холста свидетельствуют о готовности живописца сформулировать принципы импрессионизма.
В апреле 1874 Клод Моне и группа его коллег впервые выставили свои работы в независимом от официального Салона помещении. Полотна новаторов приютил в своей мастерской на бульваре Капуцинок фотограф Надар. Первоначально импрессионистами живописцев назвали критики, которые хотели таким образом посмеяться над поверхностным стилем бунтарей. Однако те с радостью приняли прозвище, потому что впечатление (именно от этого слова происходит название) составляло основу их произведений. Впечатления от солнечных бликов, цветных пятен, мимолетных движений и случайно выхваченных фрагментов жизни — вот художественное кредо импрессионистов.
Моне провел лето 1874 вместе со своими друзьями, Пьером Огюстом Ренуаром и Эдуардом Мане, в местечке Аржентей на Сене. Картина была представлена в той же студии Надара в 1876 и отмечена в обзоре выставок Эмилем Золя. На ней изображены жена и сын Моне, отдыхающие в поле. Камилла читает, юный Жан прогуливается поодаль, повернувшись спиной к зрителю, не замечая того, что отец рисует его. Художника не интересуют их лица, эмоции, он передает свои собственные чувства от летнего дня и мирного отдыха. Деревья, солнечный свет, ветер, травы и горы вдалеке — такие же полноправные герои полотна, как и семья живописца. Композиционно работа очень проста. Моне делит полотно по горизонтали, тонкие стволы деревьев служат вертикальными акцентами. Данная картина может считаться классикой стиля импрессионизм.
Пьер Огюст Ренуар — один из самых значительных и влиятельных художников французского импрессионизма. Для этого портрета мастеру позировала служанка его семьи Лиза. Работа пронизана реминисценциями из классической живописи, знатоком и ценителем которой был Ренуар. Например, свободная хлопковая белая блуза с приспущенным плечом напоминает одеяния на портретах эпохи романтизма. Изображение очень телесно, мастер пластично лепит лицо героини и стремится создать ощущение непринужденного позирования модели. Однако, судя по ее взгляду, видно, что девушка утомлена от долгого сидения. Контрастом реализму и документальности служит очень условная передача зелени на заднем плане. Художник использует гамму коричневого, зеленого и черного, которая говорит о влиянии на его творчество мастеров французского реализма.
Пьер Огюст Ренуар — один из самых значительных французских живописцев рубежа XIX–XX веков. Он считается представителем классического импрессионизма. Мастер совершил несколько учебных, очень важных для становления своего художественного языка путешествий. В 1881 он посетил Алжир, который ассоциировался с кумиром многих французских живописцев Эженом Делакруа, Мадрид, где изучал полотна великого Диего Веласкеса, а также Италию, центром интереса Ренуара здесь стали шедевры Тициана и Рафаэля. В 1883 он также провел некоторое время в Англии, где много рисовал местные пейзажи.
После женитьбы в 1890 большая часть полотен мастера посвящена семейным темам, домашним интерьерам, портретам близких. В художественном отношении Ренуар выработал свой, стилистически многосоставный метод работы. Он предпочитал сдержанную, неоклассическую палитру, которую совмещал с интересом к передаче световых эффектов краски. Под влиянием импрессионизма живописец стал работать непосредственно на пленэре. Однако он никогда не изменил своему предпочтению дисциплинированности пространственных отношений и строгой, даже жесткой цветовой гамме, поражающей световыми эффектами. Мастер отдавал предпочтение изображению людей.
В 1879 он познакомился с банкиром и дипломатом Полем Бераром и его женой Маргаритой. В их парижском и загородном домах Ренаур создал большое количество натюрмортов, пейзажей, семейных портретов. Это довольно крупное полотно изображает дочерей Берара Люси и Марту. В течение нескольких лет мастер написал также и отдельные портреты девочек. Данная работа относится, скорее, к жанровой живописи, об этом говорит и ее название. Героини увлечены своими делами, и только одна смотрит на художника. Полотно создано в типичной для автора несколько классицизирующей манере. Он интересно располагает цветовую палитру. Левая сторона картины голубая, а правая в основном выполнена в кирпично-охристой гамме. В распределении цветов и взгляде одной из дочерей на зрителя проявляется намеренная установка на «художественность» работы. Мастер не стремится сделать полотно реалистически достоверным и декларирует это.
Оноре Домье — яркий и плодовитый художник, скульптор и график Франции XIX века, работавший в стиле классического французского реализма. В это понятие входят независимость от академических тем, поиск новых сюжетов, а также, что не менее важно, адекватного темам живописного стиля, социальная критика общества. Именно Оноре Домье, художник-реалист, считается одним из предтеч импрессионизма и даже экспрессионизма. После 1850 мастер, который был известен публике в основном как карикатурист, посвятил свои графические и живописные работы испанскому роману Мигеля де Сервантеса «Дон Кихот». Произведение привлекло художника своей неоднозначностью: карикатурный рыцарь, попадающий в разные нелепые ситуации, и одновременно — герой, полный трагики, которого сравнивают с Гамлетом. Живописцу импонировала и другая черта персонажа: Дон Кихот жил в мечте, фантазиях, не отличая их от реальности, он преувеличенно, гротескно героичен. Санчо Панса, наоборот, карикатурно прозаичен. Эти характеры давали Домье возможность создать интересные по сюжетным и художественным характеристикам работы. Картина привлекает своей композицией и сдержанной цветовой гаммой. Живописец выбирал земельные оттенки, он пользуется только коричневым и охристым. Очень свободную манеру письма, пластичные силуэты Домье усилил черным контуром, что создает впечатление условности. Композиция полотна также свидетельствует об отвлеченности происходящего. Герои путешествуют в каком-то замкнутом пространстве, где нет ни солнца, ни неба, ни зелени. Перед зрителем в очень суженном пространстве только холмы и крупные фигуры героев. Решительный Дон Кихот направляется вперед, положение его спины выражает энергичность, позади него — инертный, придерживающий лошадь на спуске Санчо Панса.
Вильгельм Трюбнер — один из представителей немецкой реалистической живописи рубежа XIX — начала XX века. Стилистически он принадлежит к кругу Вильгельма Лейбля, чьи работы также представлены в музее. Существенную роль в его становлении сыграло творчество Эдуарда Мане.
В данной работе хорошо виден синтез реализма с импрессионизмом, который выражается в богатой фактурности холста, манере нанесения красок, во внимательном отношении к проблеме освещения. Сочетание красного, черного, коричневого и белого цветов напоминает о живописи старых мастеров, а декоративно трактованные орнаменты тканей — о влиянии импрессионизма. В пользу тщательного изучения искусства позднего Средневековья Северной Европы говорит акцент не только на лице героини, но и на ее руках. Такой будничный, казалось бы, жест доведен до вневременного, монументального звучания при общей домашней теплоте запечатленной атмосферы.
Творчество, образы и аллегории швейцарского художника-символиста Арнольда Бёклина были чрезвычайно популярны на рубеже XIX–XX веков. Он предпочитал мрачные сюжеты, наполненные мистическим смыслом, мифологическими персонажами и аллегориями смерти.
Автопортрет с мертвецом — одна из самых известных его работ. Череп как символ известен еще со Средневековья, он напоминал о быстротечности человеческой жизни («memento mori»). По рассказам, Бёклин нарисовал фигуру смерти, играющей на скрипке, после того, как кто-то из друзей спросил художника, к чему тот прислушивается во время сеанса. Это полотно стало очень популярным, многие мастера, такие, например, как Ганс Тома и Ловис Коринт, создали аналогичные автопортреты с фигурой смерти.
«Остров мертвых» — самая известная картина швейцарского символиста Арнольда Бёклина и одна из наиболее популярных работ рубежа XIX — начала XX века. Трудно переоценить влияние, которое оказал этот образ на европейскую художественную культуру того времени. Представленная версия произведения — третья из пяти известных. Она была заказана живописцу арт-дилером Фрицом Гурлитом. Интересно, что именно он дал название работе Бёклина, которое так и закрепилось за ней. В каждой из версий автор сгустил или подчеркнул разные аспекты образа таинственного острова мертвых. Все в картине символично и имеет значение. С древних времен дерево кипариса означало печаль, греки и римляне клали кипарисовые ветви в могилы. Управляющий лодкой гребец напоминает Харона, древнегреческого бога, перевозчика душ через реку Стикс. Фигура мертвой женщины облачена в белую материю, саван — традиционный похоронный наряд. Рядом с ней — гроб, в котором ее похоронят. На острове — скальные гробницы, так хоронили в древности, в том числе по христианскому обычаю.
Произведение стало настоящим культурным событием того времени. Его образность повлияла на становления принципов сюрреализма (Сальвадор Дали), репродукции работы можно было встретить в домах по всей Европе, а композитор Сергей Рахманинов в 1908 под впечатлением от нее написал одноименную симфонию. Колористически картина создана строго по канонам немецкого романтизма, знатоки искусства сразу вспомнят представленное в том числе и в берлинском музее творчество Каспара Давида Фридриха.
Работа написана под впечатлением от посещения итальянского города Искья, где художник побывал осенью 1878.
Немецкий художник Ганс Тома сформировался под влиянием идиллического пейзажного искусства начала XIX века. Существенную роль в формировании его творческого кредо сыграла любовь к средневековым живописцам Германии, таким как Альдорфер и Кранах Старший. До 1877 именно пейзажи были главной темой творчества Тома, позже к ним прибавились работы на религиозные темы, аллегории и портреты.
В наследии мастера видное место занимают пейзажи из Шварцвальда, одной из самых живописных областей Германии. Стилистически они не эволюционировали. Точное описание природы Тома виртуозно совмещал с поиском наилучшего выражения лирического впечатления от мира в целом. В его полотнах сквозит опоэтизированный пантеизм, внутреннее стремление к единению с природой. Мастер отдавал предпочтение теплой палитре, отчего в его работах создается душевная, почти сказочная атмосфера.
Для данного полотна художник использовал очень насыщенные цвета, написав нереалистично густой цвет неба. Этот оттенок придает всей картине нарочито выдуманный вид. Особое внимание следует уделить компоновке. Живописец крупно рисует два холма, занимающие большую часть холста, сверху — синее без проблесков небо, в центре вертикальная доминанта. Эти простые элементы, гармонично сложенные между собой, придают полотну еще больший уют. Герои утопают в зелени, в лугу, они одеты в средневековые костюмы. Весь пейзаж, таким образом, становится идиллической картиной золотого века, райского места, затерянного среди холмов. Интерес к миру прошлого роднит художника с коллегами — английскими прерафаэлитами.
Поделиться книгой: