Помоги проекту - поделись книгой:
Ричард Бонингтон — английский художник-пейзажист, относящийся к кругу романтиков. Он обучался во Франции и дружил с Делакруа. Творческий и жизненный путь Бонингтона был очень недолгим, он умер от туберкулеза в 25 лет. Основные работы первой половины XIX века были посвящены туманным берегам Англии и Нормандии, прибрежным ландшафтам Италии. «Лодки у берегов» — одно из лучших реалистических произведений живописца, не лишенных при этом определенного романтического настроения. На небольшой картине изображен отлив у подножия меловых скал. Море отошло, обнажив дно небольшой гавани. В неустойчивом положении находятся баркасы, а запряженная лошадьми тяжелая повозка, около которой суетятся люди, почти въехала в море. В противоположность им легкие суда свободно скользят по воде у самого горизонта. Небо в работе особенное — просвечивающее через дымку тумана. Ярким солнцем освещены утесы, обрывающиеся в море. В отличие от многих художников, любивших изображать бури и шторма, Бонингтону нравилось писать обычное, спокойное состояние водной стихии и природы.
Искусство Германии
Творчество выдающегося немецкого художника Лукаса Кранаха Старшего особенно наглядно отражает своеобразие немецкого искусства XVI века, когда суровая доктрина Реформации находилась в гармонии с идеями гуманизма и национальным фольклором.
Кранах изобразил рыжеволосую Мадонну в образе прекрасной молодой женщины, напоминающей принцессу из немецких сказок. Она находится в яблоневом саду на фоне пейзажа с видом Саксонии — замком и горами. Одежда Мадонны соответствует одежде немецких аристократок. Цветовая гамма картины разнообразна и насыщена благородным красным, желтым, золотистым, зеленым и их оттенками. Мадонна и Младенец Иисус, с деликатно подчеркнутыми пропорциями детского тельца, внимательно смотрят на зрителя, словно давая понять, что им уже известна уготованная судьба и они готовы принять ее без тени сомнения. Взгляд удлиненных глаз Богоматери печален и задумчив — она знает, что должна потерять сына. Прямым намеком на это служат яблоко и хлеб в руках Младенца, символы искупления греха.
Ханс Аахен — представитель немецкого маньеризма в живописи, прославившийся своими аллегориями и картинами на мифологические и религиозные сюжеты. На крупноформатном полотне изображено торжественное празднество по случаю единения Мира, Искусства и Изобилия. Мир — обнаженная девушка в центре композиции, чье тело изображено по канонам маньеризма. У нее в руках — оливковая ветвь — символ мира. Персонифицированное Искусство обнимает Мир за плечо. Спиной к зрителю представлено Изобилие, которое протягивает Миру кубок с вином. Военная атрибутика попрана: барабаны, копья и латы лишние на этом празднике. Художник не зря поместил Мир в центр, ведь от него зависит благополучие искусства. Композиция не лишена театральности, которую подчеркивает красная материя-кулиса, обрамляющая действо.
Картина поступила в Эрмитаж из императорского дворца в Гатчине в 1925.
Христофер Паудисс, немецкий художник, один из крупнейших мастеров XVII века, писал жанровые и религиозные сценки. В портретной живописи Паудисс испытал влияние Рембрандта, поэтому гораздо более самобытны его натюрморты, исполненные в традициях поэтического реализма.
Представленная картина отличается изысканным золотисто-коричневым колоритом, в ней тонко передана световоздушная среда, которая окутывает простые предметы, поэтично повествующие о жизни человека. Обыденные, непритязательные вещи — связка лимонов, кувшин и висящая на светлой стене банка — составляют типичный «кухонный натюрморт». Контуры объектов лишены объема, они — часть окружающей, будто залитой золотистым светом среды.
Немецкий мастер Георг Гроот, много работавший в России, прожил всего 33 года, но на своих полотнах успел запечатлеть некоторых особ императорского двора и русской знати. На овальном портрете изображена 16-летняя Екатерина Алексеевна, будущая императрица Екатерина II, в ярком атласном платье с красной муаровой лентой и знаками ордена Святой Екатерины, учрежденного ее предшественницей-тезкой. В удлиненном лице модели лишь угадывается тонкий намек на то удивительное обаяние, которое, по свидетельству современников, отличало Екатерину II. Темный фон, избранный живописцем, великолепно контрастирует, подчеркивая мраморную кожу и светлое лимонно-желтое платье с затянутым корсетом. Спокойное, рассудительно лицо с сомкнутыми губами выражает решительный характер, которым обладала правительница Российской империи.
Антон Рафаэль Менгс, крупнейший немецкий представитель неоклассицизма XVIII века, обращался к античному наследию для поиска совершенных художественных форм. Он преклонялся перед античной скульптурой и часто цитировал на холсте лучшие мраморные образцы древнего искусства. Сюжет картины, заимствованный из греческой мифологии, повествует о подвиге Персея и спасении Андромеды от чудовища, в жертву которому ее должны были принести. Образ героя напоминает статую Аполлона Бельведерского, поза Андромеды списана с античного рельефа. Произведение рождает ассоциации с четко срежиссированной театральной сценой, где каждый персонаж застыл в определенной позе.
Интересна судьба полотна: написанное в Италии, оно было отправлено заказчику в Англию, но корабль захватили пираты. Они перепродали работу французскому морскому министру, а уже от него картина попала в собрание Екатерины II и в настоящее время украшает зал немецкого искусства в Эрмитаже.
Великий немецкий художник Каспар Давид Фридрих — один из лучших представителей романтического направления в живописи. В своих картинах он затрагивал проблему трагического одиночества и затерянности человека в огромном мире. Художник продолжает эту тему и в камерном полотне «Мечтатель». Его задумчивый герой, сидящий на основании окна готической руины, некогда прекрасного собора, погружен в себя, его одолевают мысли о прошлом и настоящем, о загадочном будущем своей судьбы. Безымянный мечтатель — своеобразный двойник зрителя, которому Фридрих предлагает мысленно занять его место. Для живописца священна природа, которую он понимает как носительницу глубоких религиозных переживаний, в его картинах она приобретает символическое значение, через нее он отображает свои глубокие эмоциональные переживания. Непризнанный при жизни, он оказал влияние на движение английских прерафаэлитов. Слава пришла к Фридриху в конце XIX века с возникновением символизма.
Франц Винтерхальтер, немец по происхождению, в 1834 обосновался в Париже и вскоре стал блестящим салонным мастером. Придворный портретист короля Луи Филиппа, а затем императора Наполеона III, он исполнял многочисленные заказы русского императора и петербургской знати.
Среди эрмитажных работ Винтерхальтера выделяется изысканный по своему необычному пастельному колориту «Портрет императрицы Марии Александровны», жены Александра II. Императрица изображена на серо-коричневом фоне в белом воздушном платье с лентами. Художник внимательно относился к передаче материи платья и досконально выписывал все аксессуары и украшения, поэтому нить тяжелых жемчужин, которая переплетает темные волосы, и жемчужная брошь на груди кажутся осязаемыми. Бледные болезненные черты тонкого лица и глубокий, печальный взгляд необычайно выразительных голубых глаз намекают на неизлечимую болезнь императрицы. В 1880 Мария Александровна умерла от туберкулеза.
Портрет имел большой успех, и впоследствии многие живописцы делали с него копии.
Искусство Нидерландов, Фландрии и Голландии
Нидерландский живописец Рогир ван дер Вейден по праву считается крупнейшим мастером раннего Северного Возрождения. В портретных произведениях он ставил своей целью с помощью изобразительных средств раскрыть индивидуальность личности, ее внутренний мир.
Согласно легенде, евангелист Лука был первым, кто написал портрет Богоматери, исполнив его с натуры. На этом основании он считается покровителем художников и иконописцев. В картине ван дер Вейдена действие происходит в открытой лоджии. Слева у подножия трона под красочным балдахином располагается Мадонна, одетая по нидерландской моде XV века. Она кормит грудью улыбающегося Младенца Христа. Трон намекает на ее будущую роль Царицы Небесной, он украшен маленькими скульптурными фигурками Адама и Евы, служащими напоминанием о первородном грехе, который искупил Христос. Напротив Мадонны святой Лука в красном одеянии запечатлевает облик Богоматери, почтительно преклонив колени. В образе евангелиста ван дер Вейден старается показать внутреннее состояние, сосредоточенность художника в момент творческого процесса. За спиной святого через приоткрытую дверь различимы книга и бык — его атрибуты как одного из авторов Евангелия и Деяний святых апостолов. Две фигуры, стоящие спиной к зрителю и созерцающие пейзаж, — вероятно, Иоаким и Анна, родители Марии.
Полотно предназначалось для капеллы живописцев Брюсселя.
В XVI веке в нидерландской портретной живописи возник групповой портрет, одним из основоположников которого являлся Дирк Якобс. «Групповой портрет корпорации амстердамских стрелков» — раннее произведение этого жанра. На полотне запечатлены члены стрелковой гильдии, основной функцией которой была охрана общественного порядка и защита города от внешних врагов. Стрелки облачены в одежду своей корпорации: красно-синий плащ и черную плоскую шапочку. Фигуры располагаются в три ряда, друг над другом. В центре выделяется глава гильдии, он одет в кирасу, а в руке держит мушкет. На плаще мужчины, представленного на переднем плане, изображен орлиный коготь — эмблема корпорации. На картине запечатлены разновозрастные люди, которых объединяет понимание своей социальной значимости, выраженной в борьбе за независимость страны. Стремление изобразить на одном холсте как можно больше фигур продиктовано практичностью заказчиков. Известно, что оплата групповых изображений производилась каждым портретируемым отдельно, а сумма напрямую зависела от места размещения на полотне, самым дорогим был первый план. Живописный талант Дирка Якобса проявился в умении дать индивидуальный психологический портрет каждого изображенного. Подобные портреты помещались в главной ратуше города, они редко встречаются в музейных собраниях.
Ученик Рубенса, Антонис Ван Дейк — прославленный фламандский живописец и график, мастер придворного портрета и религиозных сюжетов в стиле барокко.
«Автопортрет», написанный вскоре после возвращения Ван Дейка из Италии, является жемчужиной эрмитажного собрания. Он принадлежит к числу лучших произведений художника в своем жанре. Портрет передает изящество облика и своеобразие натуры «баловня судьбы», как называли живописца современники. Именно таким, похожим на светского кавалера с тонкими чертами лица и белыми холеными руками хотели видеть своего любимца европейские аристократы. Работу Ван Дейка отличает присущая его зрелому творчеству утонченность. Сочетанием ограниченного числа цветов — коричнево-розового, черного, серо-белого — мастеру удалось сохранить свежесть натурного этюда и достичь мощного живописного эффекта.
В облике изящного молодого человека отображено характерное для эпохи представление о художнике как артисте, причастном к миру гармонии и красоты.
Среди портретов великого фламандского живописца это полотно занимает особое место. Из мерцающего полумрака глядит молодая женщина XVII века в черном платье с белоснежным воротником — фрезой. Картина исполнена в сдержанных тонах, построена на неуловимых тончайших переходах цветов. Кисть Рубенса, обычно широко и активно создающая форму, здесь мягко касается создаваемого портрета. По-лисьи лукаво смотрят на зрителя зеленоватые глаза девушки. Светлые волоски, выбившиеся из прически, непокорно вьются у висков, образуя мягкий и светящийся ореол вокруг лица. Однако искусно написанные губы плотно сжаты, они скованы правилами этикета, из них не вылетит ни одного лишнего слова. Хозяйка этой ангельской, едва заметной улыбки умеет хранить дворцовые секреты. Это произведение не парадное, оно подчеркнуто камерное и простое по композиции. Портрет девушки выполнен по рисунку, написанному с натуры. Существует предположение, что черты лица камеристки сходны с обликом рано умершей дочери Рубенса — Клары-Серены.
Франс Снейдерс — крупнейший мастер натюрморта и художник-анималист Фландрии XVII века. Сюжет картины «Птичий концерт» восходит к басне Эзопа «Сова и птица». Под управлением совы, перед которой раскрыта нотная тетрадь, птицы пытаются петь. Живописец выбирает сюжет как предлог, чтобы продемонстрировать невероятное богатство пернатой фауны и свое мастерство анималиста. Точно переданы окрас, особенности строения и оперения разных птиц: от небольшого удода и голубя-дутыша до красочного амазонского попугая и павлина с прекрасным широким хвостом. На полотне представлены как населяющие европейские леса, поля и водные просторы, так и более экзотические, декоративные птицы. Несколько десятков больших и малых пернатых свободно размещены в пространстве, образуя на фоне светлых облаков яркий красочный ансамбль.
Под влиянием Снейдерса тема «Птичьего концерта» широко распространилась во фламандском искусстве XVII века. Исходя из крупного формата произведения, можно предположить, что оно предназначалось для десюдепорта — декоративной панели, расположенной над дверным проемом. Существует множество версий и копий картины.
Питер Пауль Рубенс — яркий представитель стиля барокко в живописи, плодовитый мастер, чье наследие составляет внушительный список работ. Глава фламандской художественной школы XVII века как ни один другой мастер сумел передать подвижность, безудержную жизненность и чувственность европейской живописи эпохи барокко. Он работал в мифологическом и религиозном жанрах, писал портреты, разнообразны его графические произведения.
Тема союза двух стихий в картине «Союз Земли и Воды» наполнена новым и актуальным смыслом. В масштабном полотне художник выразил надежды своих сограждан на выход к морю, чаяние мира и процветания страны. Союз пышнотелой и чувственной богини земли Кибелы и сильного, энергичного морского бога Нептуна современники воспринимали как жизненно важный союз моря и Фландрии, реки Шельды и города Антверпена. Картина поражает чистотой ярких красок, игрой света на обнаженном теле богини, динамикой мощных форм — качествами, характерными для творчества фламандского мастера.
Признанный шедевр нидерландского художника Рембрандта «Даная» был написан по мотивам мифа о Данае, матери Персея. Отец девушки узнал из пророчества, что умрет от руки сына Данаи, заключил ее в подземелье и приставил к ней служанку. Это не остановило верховного греческого бога Зевса, который проник к узнице в виде золотого дождя, после чего она родила сына. Картина привлекает внимание особым «рембрандтовским» колоритом. Сочетание мерцающих тонов занавеса, покрывала и скатерти с вкраплениями золотых бликов поражает своей красотой и изысканностью. Тело нагой женщины, лежащей в постели, выделено ярким льющимся солнечным светом, падающим благодаря сдвинутому служанкой пологу. Даная приподнялась и нерешительно вытянула руку навстречу свету. Вот-вот появится ее божественный возлюбленный. В образе Данаи Рембрандт запечатлел черты своей жены Саскии. После ее смерти они были изменены и дополнены чертами новой любимой женщины художника. Смеющегося ангелочка в изголовье кровати Рембрандт также переписал, теперь он плачет, очевидно, по усопшей.
Непростой оказалась и судьба произведения: в 1985 сумасшедший вандал, посетивший Эрмитаж, выплеснул из склянки серную кислоту на центр картины, а потом дважды ударил полотно ножом. Повреждения затронули почти 30 % произведения, а реставрация длилась двенадцать лет.
Фламандский художник Якоб Йордане — автор многих картин, подобных представленной, брызжущих весельем и задором. Мастер был плодовитым, его художественное наследие составляет почти 700 работ.
В произведении «Бобовый король» показан существующий до сих пор праздник «трех царей». По преданию, три царя-волхва пришли поклониться родившемуся Младенцу Христу. Одной из традиций, связанных с этим событием, является запекание в праздничный пирог боба. Тот, кто обнаружит его в своем куске, провозглашается «королем» и становится председателем пиршества, на него возлагается корона, он выбирает себе королеву, остальные участвующие — его придворные. Йордане изобразил момент пиршества, когда веселье достигло своего апогея. Каждый из присутствующих уже развлекается самостоятельно, один поет, другой играет на музыкальном инструменте, женщина поит вином маленькую дочку, мужчина в костюме шута пытается произнести речь, даже героиней на первом плане завладело хмельное настроение, и она совсем позабыла о своем разомлевшем младенце. А седовласый король уже нетвердой рукой поднимает еще один бокал. Художник пишет теплыми коричневыми и золотистыми красками, поэтому все его персонажи дышат здоровьем, а манера исполнения — свободная и быстрая.
Адриан ван Утрехт — фламандский художник эпохи барокко. Его привлекало написание дворов с домашними птицами, рыбных рынков. В натюрмортах с фруктами и овощами заметно влияние Снейдерса.
«Натюрморт с виноградом» представляет квинтэссенцию «фруктовых натюрмортов». Сочные и спелые фрукты, только что вымытые и аккуратно разложенные на столе, выписаны мастером так живо и натуралистично, что возникает желание протянуть руку и отломить веточку зеленого винограда, съесть мягкий персик. Утрехт прославляет природу и ее плоды, он восхищается роскошью и изяществом натуральных форм. Все в картине говорит об изобилии и достатке. Темно-зеленая бархатная ткань подчеркивает яркую красочность осеннего натюрморта. Интересная особенность — фрукты уложены на столе параллельно картинной плоскости. Полотно, вероятно, было заказано зажиточным бюргером для украшения интерьера своего дома.
«Десерт» голландского художника Виллема Калфа — прекрасный пример богатого, нарядного и красочного натюрморта, в котором отобразилось стремление разбогатевшего бюргерского класса к роскоши и помпезности. В картине чувствуется незримое присутствие человека — хозяина изображенных вещей. Композиция «Десерта» достаточно традиционна: на столе стоят два бокала, небольшой кувшин и фаянсовая тарелка со свежими фруктами. Стол застелен дорогим бархатным ковром, золоченый кубок на нем — тонко проработанное произведение ювелирного искусства. Калф мастерски передает тонкость стекла бокала и блики на серебряной тарелке. С любовью написаны фрукты, выделена фактура глянцевой неровной корочки разрезанного лимона, его сочная мякоть. Яркие цвета и оттенки фруктов придают полотну красочное звучание, обособляя его среди других произведений. Калф благодаря своим уникальным изобразительным способностям значительно расширил иллюзионные возможности натюрмортной живописи и отобразил вкусы аристократии второй половины XVII века.
Виллем Хеда — один из первых мастеров голландского натюрморта XVII века, чьи работы весьма ценились современниками. Особой популярностью в Голландии пользовался такой вид полотен, как «завтрак». Они создавались на любой вкус: от богатых до более скромных.
Картину «Завтрак с крабом» выделяет нехарактерный для голландского натюрморта большой размер. Общая гамма произведения холодная, серебристо-серая с немногочисленными розоватыми и коричневыми пятнами. Хеда изысканно изобразил сервированный стол, на котором в тщательно продуманном беспорядке расположены предметы, составляющие завтрак. На блюде лежит краб, выписанный со всеми особенностями, рядом желтеет лимон, изящно срезанная корка которого, закручиваясь, свисает вниз. Справа лежат зеленые оливки и аппетитная булочка с золотистой корочкой. Стеклянные и металлические сосуды добавляют натюрморту основательности, их цвет почти сливается с общей гаммой.
Фердинанд Бол — голландский художник и график, ученик Рембрандта, прекрасно усвоивший приемы его живописной манеры, в результате чего многие работы Бола ошибочно приписывались мастеру. Об обстоятельствах жизни Боля почти ничего не известно. Он прославился благодаря портретному жанру и по праву занимает одно из первых мест в ряду выдающихся портретистов голландской школы.
«Портрет ученого» выделяется уютной теплой коричневой гаммой, напоминающей камни янтаря. Пожилой мужчина с бородой в задумчивости подпирает голову рукой. Позади него на столе располагаются атрибуты исследователя — глобус и книги в толстых переплетах. Ученый, облик которого напоминает русского боярина, погружен в свои мысли, обдумывает будущие открытия.
В искусстве знаменитого голландского живописца Рембрандта в 1650-е центральное место занимал новый, ранее неизвестный в европейской живописи тип портрета-биографии. Моделями художника часто служили пожилые люди, воплощавшие жизненную мудрость, на чью долю выпали горестные испытания. Это десятилетие стало вершиной мастерства Рембрандта как портретиста. Через величавое спокойствие художник передает психологическое состояние пожилого человека, его переживания и раздумья. Особый живописный рембрандтовский свет и мягкий полумрак позволяют ощутить его развивающимся во временном потоке, который связывает прошлое, настоящее и будущее. Лицо и руки старика, форму которым художник придавал не только кистью, но и своими пальцами, кажутся озаренными неким духовным внутренним светом. Образ, созданный мастером, стал олицетворением стойкости и принятия своей участи.
Франс Халс являлся одним из самых известных живописцев голландского золотого века. Мастер портретного жанра создал более 900 работ, в которых представил детей, бедняков и аристократов, гвардейцев и собутыльников из различных кабачков. «Мужской портрет» относится к серии портретов, схожих по постановке модели: она представлена вполоборота на темном фоне, из которого яркими контрастными пятнами выступают лицо и элементы гардероба — перчатки, белый воротник. Возможно, изображенный на портрете мужчина — офицер, на это намекает его правая рука, лежащая на том месте, где обычно находится рукоять шпаги. Халс работает в новой свободной манере с широким осязаемым мазком, хорошо моделирующим форму. Спустя два столетия новаторская живописная манера Халса вдохновит целое объединение художников-импрессионистов.
Вероятно, «Бокал лимонада» — это самая знаменитая картина крупнейшего мастера голландской жанровой живописи Герарда Терборха. Произведения художников были небольшого размера и предназначались для украшения квартир обеспеченных горожан. Бытовой сюжет полотна, которое можно назвать «сценой у сводни», имеет прямое отношение к действительности, но разыгран весьма деликатно и тонко, без акцента на интимной теме. Нарядная девушка и молодой человек занимаются приготовлением лимонада; девушка держит в руке бокал, в то время как юноша, придерживая его одной рукой, размешивает содержимое другой. Однако приготовление напитка — лишь повод для их близости, что подтверждается красноречивым взглядом юноши и легким смущением молодой особы. Третье лицо — старуха, склонившаяся над героиней, — как бы молчаливо советует ей решиться на что-то определенное. Терборху удавалось мастерски выписывать переливы шелка и атласа, золотое шитье в отделке платьев, что способствовало его популярности у зажиточных бюргеров.
Одной из вершин творчества великого нидерландского художника считается картина «Возвращение блудного сына». Она была написана в последнее десятилетие жизни мастера, когда он был уже немощным, старым и нищенствовал, ведя полуголодное существование. До этого Рембрандт неоднократно обращался к сюжету «блудного сына» в своих графических работах. Темой для написания картины послужила известная евангельская притча, рассказывающая, как после долгих скитаний блудный сын вернулся с несбывшимися надеждами к покинутому им когда-то отцу. Живописная поверхность полотна буквально излучает тепло рембрандтовской палитры, мерцающая светотень подчеркивает фигуры главных героев. В образах склонившегося старика и его коленопреклоненного сына живописец выражает сложнейшую гамму чувств: раскаяние и милосердие, безграничную любовь к своему ребенку и горечь позднего прозрения. В картине «Возвращение блудного сына» психологический талант Рембрандта раскрылся в полной мере, ведь в нее он вложил весь свой творческий опыт.
Поделиться книгой: