Помоги проекту - поделись книгой:
Уроженец Сиены, учившийся там живописному делу, Симоне Мартини работал в Неаполе, Орвьето, Пизе, Ассизи и Авиньоне. В 1317 он был возведен в рыцарский сан королем Неаполя Робертом. Мастер в своих произведениях продолжил традиции итало-византийской и готической живописи.
Мадонна из сцены «Благовещение» — створка диптиха — относится к работам зрелого периода творчества мастера. В изображение девы Марии художник привносит рафинированный изобразительный язык, яркие насыщенные цвета — золотой, синий, благородный красный; вводит элементы рыцарской светской культуры. Аристократизм подчеркнут изысканным изображением одежды, жестов рук знатной дамы, как бы отвлеченной от чтения небольшой книжки в красном сафьяновом переплете.
Итальянский художник и монах Фра Джованни да Фьезоле был прозван Беато Анджелико (Ангельским). Как никто другой он умел передавать мягкий лиризм и особую тонкую атмосферу евангельских сюжетов. Фреска «Мадонна с Младенцем, святым Домиником и святым Фомой Аквинским» некогда украшала стену доминиканского монастыря во Фьезоле, но после его упразднения была вырезана из стены и продана двум итальянским художникам. Работа принадлежит к позднему творчеству мастера.
Образы святых удивительно гармоничны и согласованы. В центре восседает Мадонна с Младенцем, слева от нее — святой Доминик с лилией в руке, символом чистоты, справа — святой Фома Аквинский с открытой книгой Священного Писания. В работах Фра Беато Анджелико органично соединились реалистические достижения мастеров круга Джотто и мягкие, проникновенные образы Симоне Мартини.
Леонардо да Винчи — крупнейший представитель искусства итальянского Возрождения. Мадонна Бенуа — бесспорно, одна из знаковых картин художника. Центром композиции является цветок в руках Девы Марии, к которому тянется Младенец Иисус. Мастер помещает Мадонну, одетую по флорентийской моде XV века, и Младенца в комнате с единственным источником света — окном в глубине помещения. Однако иной, мягкий свет льется сверху, именно он оживляет полотно игрой светотени, что придает фигурам объемность, выявляет тончайшую моделировку формы. Колорит картины неяркий, чуть приглушенный.
До поступления в 1914 в Эрмитаж произведение находилось в Петербурге, в собрании известного историка искусства Александра Бенуа.
Другая работа прославленного флорентийца, живописца, скульптора, ученого и естествоиспытателя Леонардо да Винчи — «Мадонна Лита», названная по фамилии одного из своих владельцев. У всякого смотрящего на картину возникает ощущение особого состояния — возвышенного покоя, одухотворенной созерцательной тишины. Да Винчи в образе Мадонны объединил чувственное, земное, высокое и духовное в один гармоничный непоколебимый образ красоты. Лицо Мадонны безмятежно, и, хотя на губах нет улыбки, наклон головы и поза выражают бесконечную нежность к ребенку, которого она кормит грудью. Златокудрый Младенец рассеянно смотрит на зрителя, придерживая правой рукой грудь матери, в его левой руке — птичка щегол — символ христианской души.
Филиппино Липпи, сын художника Филиппо Липпи — вероятно, самый известный из учеников Сандро Боттичелли, перенявший черты утонченного, поэтического стиля мастера.
Начиная со второй половины XIV века итальянские художники стали трактовать сцену Рождества Христова как сцену Поклонения. Эту традицию продолжает и Липпи, представив новорожденного и Мадонну в прекрасном райском саду, где крылатые ангелы с золотыми волосами охраняют их покой. Фоном выступает сказочный пейзаж с горами и замками в легкой дымке. Все здесь пронизано ощущением свершившегося таинства.
«Мадонна с Младенцем» — одна из самых ранних работ, исполненных итальянским гением Рафаэлем. В ней еще нет классической красоты и блеска живописного исполнения, которые так характерны для более позднего творчества мастера. В камерной и скромной Мадонне Конестабиле иная особенность — тонкий лиризм, который присутствует в образе молодой девушки, в мягком, наивном пейзаже с отдельно стоящими тоненькими, едва распустившимися деревцами. Выбрав форму тондо (круга), Рафаэль построил соответственно и композицию. Все линии в картине мягкие, плавные. Тельце мальчика располагается под тем же наклоном, что и голова его матери. Этим приемом достигается необычайная гармоничность построения композиции. Следует отметить, что позолоченная и расписанная рама, в которой находится картина, сделана по рисунку самого художника.
Джорджоне, венецианец по происхождению, учился у известного живописца Джованни Беллини. Он не только блестяще усвоил глубину и теплый колорит произведений наставника, но и во многом превзошел его.
«Юдифь» — одно из самых известных произведений Джорджоне — изображает прекрасную библейскую героиню, которая спасла свой город и народ, соблазнив, а потом и обезглавив спящего Олоферна, вождя вражеской армии. Джорджоне показал не сам подвиг, а момент, когда Юдифь осталась одна с головой поверженного врага, которую она попирает ногой. В ее образе чувствуются и гордость победительницы, и грусть, вызванная совершенным поступком. Фигура девушки и ее поза подчеркнуто женственны, но правая рука твердо сжимает меч. Исследователи предполагают, что Джорджоне придал Олоферну собственные черты лица. Возможно, это и объясняет тот факт, что вопреки сложившейся традиции голова Олоферна не выглядит чудовищной и мерзкой, наоборот, лицо побежденного воина красиво.
Жанр портрета достаточно редкий в творчестве итальянского мастера эпохи Ренессанса, а представленная картина — единственное произведение Корреджо, хранящееся в русском музее. Загадочен образ прекрасной молодой женщины в контрастных коричнево-белых траурных одеждах под сенью лавра, который, вероятно, символизирует ее поэтическое дарование. Ствол дерева, обвитый плющом, означает любовь и супружескую верность. На потерю близкого человека намекает сосуд, на котором написано название травы забвения из древнегреческой мифологии. По одной из версий, на портрете представлена Джиневра Рангоне, супруга Джангалеаццо да Корреджо, которая принадлежала к ордену францисканцев и овдовела в 1517. По другому предположению, это поэтесса Вероника Гамбара, покровительница художника, жена правителя города Корреджо Джиберто, умершего в 1518.
Деятельность Микеланджело, как и многих других крупных мастеров эпохи Возрождения, была весьма разнообразной: он высекал статуи из мраморных глыб, покрывал фресковой росписью огромные площади стен и потолков, воздвигал величественные здания.
«Скорчившийся мальчик» — одна из четырех задуманных скульптур, но единственная воплощенная в жизнь. Статуя должна была стоять в нише стены капеллы при церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. Мальчик изображен в сложной и необычной позе: присев на корточки, он обеими руками с силой сжимает больную или пораненную ступню правой ноги. Все тело выражает страдание и боль, особенно выразительна линия согнутой спины и выпуклая мощная лепка вздувшихся мышц тела. И хотя скульптура не совсем закончена (ее поверхность не отшлифована, кисти рук и ступней ног недоделаны), в ней можно увидеть особенности зрелого творчества мастера, вся фигура цельная, собранная и напряженная.
Баччо Бандинелли — флорентийский скульптор и художник эпохи маньеризма, соперник Микеланджело. Вдохновленный античными образцами, Бандинелли по-своему понял и воплотил образ Фавна, лесного божка Италии. Здесь он не веселый спутник бога вина Диониса, а натянуто улыбающийся напряженный человек, погрузившийся в свои мысли. Возможно, скульптор изобразил Фавна-прорицателя в момент, когда он пытается вспомнить пришедшие ему во сне откровения. Мраморный бюст поражает четкой проработкой деталей: завитков волос на голове и растительности на лице, шерстки на звериной шкуре.
Бандинелли отличался большой работоспособностью, лояльностью к заказчикам и оставил после смерти обширное скульптурное наследие.
Большая часть произведений великого венецианского художника XVI века Тициана, хранящаяся в Эрмитаже, относится к позднему периоду творчества мастера. Его талант с годами не блекнул, а приобретал новую глубину и совершенство исполнения.
«Святой Себастьян» — одно из лучших произведений живописца. Тициановский Себастьян — гордый христианский мученик, который, по легенде, был расстрелян из лука по приказу императора Диоклетиана за отказ поклониться языческим идолам. Мощное тело Себастьяна — воплощение силы и непокорности, его взгляд выражает не физическую муку, а гордый вызов мучителям. Тициан добивался неповторимого эффекта мерцающего цвета не только с помощью цветовой палитры, но и используя фактуру красок, рельефность мазков. По свидетельству современников, Тициан в поздние годы писал не только кистью, но и пальцами рук, лепил, создавая из сочетания света, тени и тональных переходов то живое впечатление от картин, которое так восхищало зрителей.
Творчество знаменитого итальянского художника Микеланджело Меризи да Караваджо повлияло на развитие мирового искусства, породив целую плеяду подражателей и последователей, так называемых караваджистов как в родной Италии, так и в других европейских странах. Мастер выработал новые форму, идеи, образы, темы и резко порвал с господствовавшим в Италии строгим академическим каноном. Эмоциональность произведений Караваджо усиливало новаторское введение в живописный обиход изображения искусственного или дневного света, пронизывающего темноту и ярко вырывающего из нее отдельные фигуры и предметы.
Художник, обладавший весьма резким характером, вел полную приключений жизнь, успевая при этом создавать прекрасные живописные произведения. Он много странствовал и скрывался, ему пришлось покинуть родной город после произошедшего в драке убийства.
Мастер писал полотна на разные сюжеты, создавал портреты, религиозные картины и бытовые сценки. «Лютнист» — одно из ранних произведений Караваджо, образ музыканта еще не раз встретится в его картинах. Лицо модели лишено классической красоты: круглый овал лица, чувственные пухлые губы и темные большие глаза создают образ здорового, цветущего юноши. Особое внимание уделено натюрморту. Художник с большим удовольствием выписывает яркие цветы и фрукты, деревянные музыкальные инструменты.
Вероятно, «Лютнист» — портрет друга Караваджо, миланского музыканта Галлюса, с которым он познакомился во время своих скитаний.
Антонио Каналь — итальянский живописец, один из величайших мастеров-ведуистов, изображавших повседневные городские пейзажи. Работал в Венеции, Риме, а также Лондоне, где был избран членом Королевской академии.
На представленной картине запечатлен официальный прием французского посла Жака-Винсена Ланже, графа де Жержи 4 ноября 1726. Программа такого рода церемоний была тщательно продумана и разработана. Посла отвозили на один из островов, откуда он как бы заново прибывал в город на роскошных гондолах. Вместе со свитой его привозили ко Дворцу дожей — центру государственной жизни республики, где и проходила официальная встреча. Венеция и ее уникальная архитектура выступают своего рода декорацией для этого театрализованного действия. Каналетто педантично зафиксировал все подробности исторического события, среди его участников легко узнаются венецианцы в черных и белых масках, треугольных шляпах, пышно и красочно разодетые французские гости. Работы Каналетто отличаются топографической точностью, сочетающейся с яркой декоративностью цвета, которым он передает красочную и праздничную венецианскую атмосферу.
Бюст императора Петра I считается одним из самых совершенных произведений итальянского архитектора и скульптора Растрелли, с чьим именем связывают зарождение русской скульптуры. Бронзовый портрет уникален по достоверности: во время работы над образом царя Растрелли использовал восковой слепок с лица императора, снятый в 1719. В этой работе наглядно проявились приемы стиля барокко: буквально ощущается порывистый ветер, разметавший пряди волос, развевающий шарф и горностаевую мантию; стремительный поворот головы блестяще использован мастером для передачи неиссякаемой энергии и характера Петра I. Несмотря на то что бюст был отлит в 1723, окончательная работа над ним завершилась только через шесть лет. Гравер Семанж закончил сложную прочеканку деталей одежды, а также изображений на щитках панциря с эпизодами Полтавского сражения и аллегорией «Петр I — великий скульптор, создающий статую новой России».
Представитель «россики», итальянский живописец Стефано Торелли, много и успешно работал в России во второй половине XVIII века. Торелли — мастер легкого и нарядного придворного стиля рококо, в своих работах часто использовавший различные аллегории.
Портрет Павла Петровича относится к репрезентативным парадным портретам. Юный великий князь помещен в некую условную театральную среду, где является главным действующим лицом. Повелительным жестом он указывает на бурное море, в котором корабли сражаются с ветрами, — прославление будущих морских побед. Нарядный арапчонок-слуга, почтительно склонившись, подносит ему как военачальнику шлем с пером. Белый военный костюм, расшитый золотом, закручивается, вздымаясь под порывистым ветром, но ничто не омрачает спокойное, сосредоточенное лицо великого князя. В этом портрете почти нет прямых линий: все здесь состоит из прихотливых изгибов, завитков, тяготеет к формам круга и овала.
Джузеппе Маццуола, ученик великого Бернини, работал над созданием статуи почти тридцать лет. Начатая в XVII столетии, скульптурная группа была завершена уже в следующем веке. Это значительно повлияло на манеру исполнения произведения, которое воплотило в себе все особенности позднего барокко.
Сюжет скульптурной группы «Гибель Адониса» почерпнут в «Метаморфозах» Овидия, в которых рассказывается о прекрасном юноше, возлюбленном богини любви Венеры, трагически погибшем во время охоты на дикого кабана. Маццуола показал Адониса в момент, когда он, сбитый на бегу диким вепрем, готов упасть. Стремительное движение на секунду остановлено, а фигура юноши застыла в сложном повороте. Поза Адониса и эффектно перекинутый плащ передают динамику мгновения. Разнообразная обработка мрамора, варьирующаяся от искусной полировки до шероховатой поверхности, передающей жесткую щетину кабана, усиливает декоративность произведения.
Видный представитель классицизма в европейской скульптуре, итальянский мастер Антонио Канова, был чрезвычайно популярен у своих современников. Он стремился возвратить простоту и строгость скульптуры, свойственные античным статуям, и отбрасывал все детали, передающие правду повседневной жизни.
В скульптурной композиции «Амур и Психея» Канова изобразил счастливую развязку древнегреческой легенды: Психею, погруженную Афродитой в глубокий, могильный сон, возвращает к жизни своим поцелуем бог любви Амур. Он только что опустился на землю, и его крылья еще распростерты в воздухе. Припав на одно колено, Амур нежно поддерживает оживающую возлюбленную, которая притягивает к себе его голову. Вся скульптурная группа удивительно нарядна и гармонична.
Канову настойчиво звали работать в Россию. По поручению Екатерины II князь Юсупов передал скульптору официальное приглашение. Тем не менее Канова отказался переезжать в Санкт-Петербург, но, чтобы смягчить отказ, уступил так понравившуюся князю скульптурную группу «Амур и Психея».
Среди многих венецианских пейзажистов XVIII века особенно выделяется Франческо Гварди — художник, как никто другой воплотивший в своих камерных картинах многочисленные улочки и окраины Венеции. Все эти уголки, переданные с особенной теплотой и любовью, населены людьми, и они не являются декорацией или дополнением к пейзажу. Картину можно отнести к «каприччо» — так называемым фантазиям художника на архитектурную тему.
В небольшой картине «Вид площади с дворцом» во дворе и под аркой видно множество людей, занятых своими повседневными делами, которых живописец представил в движении. Зритель наблюдает за ними сквозь широкую арку большого старинного здания. Гварди всегда интересовался проблемой передачи освещения. В представленном произведении он блестяще справился с задачей, показав контраст затененного пространства под аркой, где свет борется с темнотой, и залитого солнцем палаццо в глубине двора.
Искусство Англии
Уроженец немецкого города Любек, Годфри Неллер связал свою жизнь с Англией. Работая придворным художником, он выполнил множество парадных портретов, а также написал портреты представителей интеллектуальной элиты Англии.
Скульптор и резчик по дереву Гринлинг Гиббонс на полотне представлен занятым обмерами мраморного изваяния — головы статуи Прозерпины работы Бернини. Волевое лицо Гиббонса не обращено к зрителю, оно повернуто вправо, кажется, он занят какими-то подсчетами. Кисть Неллера уверенным, широким мазком формирует плотную фигуру скульптора, одетого в темно-серый плащ поверх серо-голубого кафтана. Основная гамма портрета строится на градации серо-голубых и белых оттенков.
Английский художник Джон Вуттон был одним из основоположников характерного для Британии спортивного жанра, включавшего в себя изображения охотничьих собак, породистых лошадей, сцен охоты и спортивных состязаний. Современники благосклонно отзывались об умении Вуттона «изображать в живописи лошадей и собак, которых он рисовал и расцвечивал с непревзойденным мастерством, страстью и правдивостью».
На красочном полотне представлено восемь гончих псов, в нетерпении ждущих сигнала к охоте. Каждое животное наделено своим характером и особенностями окраски. Вуттон с любовью прописывает гладкую, переливающуюся шерстку. Нахохлившаяся черно-белая сорока — хищная птица, беспокойный стрекот которой предупреждает о незваных гостях в лесу.
Картины со сценками охоты были чрезвычайно популярны в Англии и заказывались состоятельными аристократами для украшения своих поместьев.
Один из самых поэтичных художников, признанный глава английской школы, любимец английских аристократов, наперебой заказывавших ему свои портреты, в собрании Эрмитажа представлен работой, относящейся к расцвету его творчества. Замечательный колорист, Томас Гейнсборо для каждого своего портрета подбирал наиболее выразительную цветовую гамму. Так, живописная поверхность «Портрета дамы в голубом» светится холодными мерцающими красками. Тонкими и нежными переливами голубого цвета отмечены атласный шарф, лежащий поверх тонкого полупрозрачного белого платья, маленькая изящная шляпка, и кажется, что даже в напудренных волосах присутствуют отсветы голубого. Имя изображенной аристократки остается загадкой для исследователей творчества мастера. Выдвигались предположения, что на полотне изображена герцогиня де Бофор, однако это не подтверждено.
Наиболее значительным после Гейнсборо и Рейнолдса английским художником-портретистом является Джордж Ромни. Круг его заказчиков состоял в основном из аристократов и состоятельных ценителей живописи. В противоположность предшественникам Ромни не скупился приукрашать своих моделей. Перед нами — один из портретов светских красавиц, которые особенно удавались художнику и пользовались большим спросом. Мастер великолепно передает образ юной обаятельной аристократки, подчеркивает ее нежное лицо, покрытое румянцем, оттеняя его черной широкополой шляпой с пером. Однако взгляд дамы весьма надменен, в нем нет тепла и мягкости, что подтверждают и сомкнутые губы. Модель как бы дистанцируется от зрителя, желая указать на свой статус.
Английский живописец Джозеф Райт прожил почти всю жизнь в Дерби, вдали от лондонской суеты. В своих полотнах он передал атмосферу индустриальной Англии, ее технический прогресс и научные открытия эпохи. Художник любил изображать ночные пейзажи, освещенные луной, нередко включая их в композиции в качестве фона. Он как бы ставил эксперименты, играя с эффектами различного освещения. В картине «Кузница. Вид снаружи» Райт прекрасно справляется с трудной задачей совмещения в одной жанровой сцене освещения от естественного и искусственного источников. Это рождает характерное для произведений Райта тревожно-таинственное настроение. В холодную лунную ночь мягкий свет пламени горна кузницы озаряет окружающую темноту, притягивая людей.
Полотна художника обладают особым романтизмом, сделавшим мастера одним из ярких предшественников этого художественного направления в искусстве XIX века.
Первый президент Королевской академии художеств в Великобритании, получивший дворянский титул, Джошуа Рейнолдс прославился как портретист, исторический живописец и влиятельный теоретик искусства.
В 1785 Екатерина II сделала Рейнолдсу заказ на картину, предоставив выбор сюжета ему самому. Мастер, решивший прославить победы России, избрал историю Геракла, как бы намекая на силу и мощь молодой Российской империи. Еще в младенчестве, лежа в колыбели, Геракл уже показал свой героический нрав и божественное происхождение: ревнивая жена Зевса, богиня Гера, решила избавиться от мальчика и натравила на него двух змей. Когда змеи обвили тело младенца, Геракл схватил их за горло и тотчас задушил. В позах и жестах персонажей много театрального, характерного для английской академической школы живописи второй половины XVIII века. Закрученная композиция, бурное движение и красно-коричневая гамма усиливают накал страстей.
Выдающийся английский пейзажист, анималист и мастер жанровых сцен конца XVIII века, Джордж Морленд был известен как певец сельской местности укромных уголков Англии. С юных лет художник уезжал из города писать деревенскую природу и поселян. На небольших холстах, реже — деревянных досках он изображал темные леса и освещенные солнечным светом поляны, серебристые ручьи с переброшенными через них мостиками, хижины и деревенские трактиры, крестьян, живущих в гармонии с природой. «Приближение грозы» принадлежит к числу редких для Морленда больших и тщательно проработанных полотен. Удачна композиция картины: спокойная группа переднего плана противопоставлена взволнованной природе, еще немного — и из темных туч хлынет дождь! Этот контраст Морленд подчеркивает и живописными приемами: широкие удары кисти создают небо, застланное облаками; дробные, мелкие мазки динамично передают трепещущую листву и бегущие по небу облака. Ветер сгибает ветви деревьев, пробегает волной по траве, треплет гривы лошадей; набежавшая туча мгновенно меняет освещение: остается последний луч солнца.
Это одно из лучших произведений художника, относящееся к годам расцвета его творчества.
Поделиться книгой: