Помоги проекту - поделись книгой:
Несмотря на некоторые национальные различия, основа у романских соборов чаще всего одна – эти постройки относятся к базиликальному типу[18]. Базилика появилась в Древнем Риме и изначально не была культовым сооружением. Однако уже в Раннем Средневековье храмы, построенные в Риме, имеют базиликальную форму. Базилика – это вытянутое в плане сооружение, внутреннее пространство которого обычно разделено колоннами на три части – нефа (на схеме – 6, 7).
Центральный неф (6) шире боковых (7). В больших соборах может быть пять нефов. Каждый неф завершает полукруглая апсида (3). В апсиде расположен алтарь (2) или капеллы (). Базилика, как христианский храм, всегда ориентирована на восток. Вход обязательно располагается с западной стороны. Он обозначается двумя башнями – этот комплекс называется вестверком (3, 4).
Романская базилика имеет форму латинского креста за счет поперечного нефа – трансепта (9). Место пересечения нефов – средокрестие (8) – венчается башней.
При мощных стенах романский собор имеет небольшие окна – это обусловлено способом перекрытия нефов. Первоначально неф перекрывали с помощью деревянных балочных конструкций. Внутреннее пространство собора освещал ряд окон в верхней части стен главного нефа. Однако деревянные конструкции были ненадежными, и на смену балочному перекрытию пришел свод. Кроме того, свод давал возможность перекрывать бо́льшие пространства, чем деревянные балки. Вначале свод перекрывал небольшие пролеты боковых нефов и апсиды, позже – и главные нефы.
Свод порой был очень массивным, поэтому стены и пилоны соответственно делали толстыми, с большим запасом прочности. А своды, которые перекрывали главный неф базилики, нуждались в еще более прочных конструкциях. Поэтому мощные стены укрепляли с помощью контрфорсов – специальных опор, о которых мы уже писали в разделе «Архитектура Междуречья». В связи с потребностью в больших перекрытых пространствах конструкцию первоначально тяжелых сводов и стен стали постепенно облегчать. Позже полукруглую арку свода заменила стрельчатая.
План романского собора основан на простых геометрических отношениях. Боковой неф в два раза уже главного. Между двумя пилонами, поддерживающими свод главного нефа и своды бокового нефа, располагается пилон, который несет нагрузку сводов только бокового нефа. Этот пилон может быть более стройным. При использовании шестичастного свода, когда все пилоны загружены равномерно, они имеют одинаковую толщину. Увеличение числа одинаковых опор зрительно удлиняет внутреннее пространство.
Апсида богато украшена, часто «слепыми» арками. По горизонтали главный неф расчленяют арка и пояс узких высоких окон. В интерьере присутствует живопись. Стены обогащают накладки, лопатки[19], профилированные выступы.
Колонна делится по вертикали на три части. Ствол колонны очень часто покрыт орнаментом. Пилоны, так же как и колонны, делятся на базу, ствол и капитель. В ранний период они были очень массивными, потом изменение пропорций и расчлененная обработка поверхности помогли облегчить конструкцию.
Окна романских соборов были узкими не только по конструктивным соображениям. Дело в том, что застеклять их стали только в готический период.
Несмотря на то, что основное внимание уделялось украшению внутреннего пространства, неизменными элементами были скульптурные порталы и пояса, состоящие из маленьких арочек – подобный элемент встречается и в древнерусской архитектуре, родственной романской. Западный фасад – самый главный, поскольку храм ориентирован с запада на восток, – обогащали архитектурными деталями. Более подробно о символическом значении западного фасада в христианской традиции мы расскажем в следующей главе.
Готика
К середине XIII в. в Северной Франции сложился новый стиль, получивший название готического. Так его стали именовать благодаря итальянским теоретикам искусства XV в. В период Ренессанса слово «готика» выражало насмешливое отношение к стилю, который возник к северу от Альп. Само слово «готика» происходит от итальянского «gotico» – «непривычный, варварский» (но, как мы понимаем, к историческим варварам этот стиль отношения не имеет). В современном смысле впервые термин «готика» применил Джорджо Вазари[20] – таким образом он проводил черту между архитектурой Средневековья и Ренессанса. Во Франции же этот стиль получил иное название – Style ogivat («стрельчатый стиль») – и действительно, стрельчатые арки и окна являются его характерным элементом.
Современные ученые считают «варварскую» готику уникальным стилем, создавшим своеобразную систему форм, а также новое понимание организации пространства и объемной композиции. Таким образом, готику отнюдь не унижают, а даже оценивают выше ее предшественницы – романской архитектуры и последующих ренессанса, барокко и классицизма.
Конечно же в готическом стиле строились разные сооружения – рыночную площадь украшали ратуши, здания цехов и гильдий, под «новомодными» сводами торговали мясом и мануфактурой, оборудовали склады. Арсеналы, строительные дворы, школы и больницы тоже несли отпечаток этого стиля. И, тем не менее, прежде всего готика ассоциируется с величественным собором – сердцем средневекового города. Огромные кафедральные соборы строились так, чтобы в них могло поместиться все население города. Но что особенно любопытно, зодчие добились небывалого эффекта: сам собор снаружи кажется гораздо меньше, чем изнутри.
Для того чтобы построить такие здания, гениальные архитекторы Средневековья продемонстрировали немыслимую смекалку. Инженерные решения готических мастеров поистине поразительны. Начнем с материала, с которым им пришлось иметь дело. Безусловно, дерево и кирпич не потеряли актуальности – из них строили жилые дома и другие здания, чье предназначение было светским. Но соборы в основном возводили каменные и работали с камнем совсем иначе, чем античные мастера, которые тщательно обрабатывали огромные каменные блоки. Каменотесы Средневековья смело конструировали колоссальные по площади и высоте здания, постепенно все больше и больше облегчая их. В сущности, готический собор – это каркасное сооружение, построенное из относительно небольших обработанных камней. Как же это удалось осуществить? Гениальное решение заключалось в том, что вес свода распределили на опоры – колонны и своды – совершенно по-новому. На пересечении поверхностей сводов появилось так называемое ребро. Теперь часть нагрузки приходилась именно на ребра. Использование ребер также позволило сделать свод больше.
Кроме реберного свода архитекторы использовали сложную систему опор – нагрузки гасили контрфорсы и аркбутаны, получившие распространение во времена готики.
Контрфорсы и аркбутаны усиливали несущую стену, принимая на себя часть нагрузки, поэтому сама стена могла быть тоньше. В итоге, благодаря введению каркаса, стена перестала быть несущим элементом и стала всего лишь заполнением между несущими опорами. Массивная каменная кладка сменилась ажурными каменными конструкциями. Поскольку толщина стен больше не влияла на общую несущую способность здания, в готических соборах появилось множество окон, а стенная роспись – за недостатком стен – уступила место витражному искусству. Стрельчатые арки (заимствованные некогда из мусульманской архитектуры) по мере развития готики становились все более вытянутыми и заостренными. Они выражали главную идею готической архитектуры – идею устремленности храма ввысь.
Новые архитектурные решения вообще соответствовали той картине мира, которую выработали схоласты – богословы XII–XIII вв. Готический собор был своеобразной каменной «книгой», которая рассказывала верующему об устройстве Вселенной. Конечно, главной темой была Священная история – житие Иисуса и Девы Марии, духовные подвиги святых. Но не только мир горний, но и мир человеческий вмещал собор. Так, например, в храме можно было увидеть портреты донаторов – богатых людей, пожертвовавших деньги на постройку храма. Более того, здесь находилось место и существам, которым, казалось бы, в церкви и вовсе делать нечего, – вспомним знаменитых гаргулий. Кто же они такие и как вписывались эти совсем уж языческие персонажи в христианскую архитектуру? Гаргулья (от
Средневековые мастера выреза́ли изображения покоренного монстра на водостоках, которые отводили дождевую воду от стен зданий. Многие фантастические чудища, которыми славится готика, аллегорически изображают пороки и силы зла – поскольку пороки и зло существуют, надо же их как-то описать!
Готические соборы строились по двести – триста лет. Старым мастерам приходили на смену новые, и они вносили свою лепту в убранство собора. Но, непохожий ни на одно из зданий предыдущих эпох, готический собор оставался в сущности прежним храмом. Виктор Гюго в знаменитом романе «Собор Парижской Богоматери» пишет о готике: «Искусство меняет здесь только оболочку. Самое же устройство христианского храма остается незыблемым. Внутренний остов его все тот же, все то же последовательное расположение частей. Какой бы скульптурой и резьбой ни была украшена оболочка храма, под нею всегда находишь, хотя бы в зачаточном, начальном состоянии, римскую базилику. Она располагается на земле по непреложному закону. Это все те же два нефа, пересекающихся в виде креста, верхний конец которого, закругленный куполом, образует хоры; это все те же постоянные приделы для крестного хода внутри храма или для часовен – нечто вроде боковых проходов, с которыми центральный неф сообщается через промежутки между колоннами. На этой постоянной основе бесконечно варьируется число часовен, порталов, колоколен, шпилей, следуя за фантазией века, народа и искусства. Предусмотрев и обеспечив все правила церковного богослужения, зодчество в остальном поступает, как ему вздумается. Изваяния, витражи, розетки, арабески, разные украшения, капители, барельефы – все это сочетает оно по своему вкусу и своим правилам. Отсюда проистекает изумительное внешнее разнообразие подобного рода зданий, в основе которых заключено столько порядка и единства. Ствол дерева – неизменен, листва – прихотлива».
Итак, обратимся к «стволу дерева». Троичность элементов символизирует Святую Троицу. Ребра свода делят пространство на смежные треугольники. В плане готический собор, как и романский, образует латинский крест. Как и в романский период, храм располагается с запада на восток – ведь именно на востоке находится Иерусалим, поэтому и верующему подобает идти именно в этом направлении. Число порталов – как мы помним, так называют постепенно сужающиеся ниши, которые обрамляют вход, – обычно соответствует числу нефов, но иногда порталы бывают также на концах трансепта. Безусловно, главным порталом считался тот, что находился на западной стороне по центру. Он посвящался Христу, поэтому его декору придавали особое значение. Впрочем все порталы и алтарные преграды были пышно украшены статуями, скульптурными композициями, орнаментами. Готические статуи отличаются от романских вытянутыми пропорциями и динамичностью, ритмическим богатством пластики.
Внутреннее пространство готического собора отличалось не только многочисленными архитектурными и скульптурными украшениями, но и светом, льющимся сквозь стекла витражей. Физический свет символизировал свет божественный. Ни одна эпоха не относилась так трепетно к искусству витража, достаточно сказать, что площадь витражей Шартрского собора равнялась 2600 м2.
Архитектура Возрождения
В Средние века католическая церковь имела почти неограниченную власть. Однако к XIV в. в богатых итальянских городах стали пробиваться ростки свободомыслия, и культура Европы изменилась. Возрождение, или Ренессанс – эпоха в истории человечества, хронологические рамки которой условно можно определить как начало XIV – последняя четверть XVI в. В Англии и Испании Возрождение захватывает первые десятилетия XVII века.
В основе новой культурной парадигмы лежала философия гуманизма – общественно-философского движения, которое рассматривало человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность. В городах появились светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. В поисках идеала философы, литераторы, художники и архитекторы обратились ко временам античности, когда человек был «мерой всех вещей».
Зодчие эпохи Возрождения исповедовали принципы античной архитектуры: соблюдение пропорций, использование ор
Изречение «Человек есть мера всех вещей существующих, что они существуют, и не существующих, что они не существуют» принадлежит древнегреческому философу Протагору (ок. 490–420 гг. до н. э.).
дерной системы. Вместе с этим были разработаны концепции планировки идеального города, а также новые типы зданий, соединяющие черты античных и позднеготических построек.
Архитектура раннего Ренессанса связана с именем выдающегося архитектора Филиппе Брунеллески (377–446). Он родился во Флоренции и посвятил свою жизнь родному городу. Творческая карьера Брунеллески началась с постройки купола собора Санта-Мария дель Фьоре. Громадный купол диаметром 42 м пересекали мраморные ребра, и он был покрыт красной черепицей. Эта конструкция имела двойную оболочку: внешняя опиралась на каркас, а внутреннюю поддерживали столбы, окружавшие подкупольное пространство.
Творчество Брунеллески демонстрирует основные особенности архитектуры Ренессанса. В 430–443 гг. он строит капеллу Пацци при церкви Санта-Кроче. Это прямоугольное здание с шестью коринфскими колоннами на фасаде увенчано сферическим куполом. Внутреннее пространство сбалансировано ордерной системой. Капелла Пацци обладает античной простотой, ясностью и гармонией. Точно неизвестно, но, возможно, именно Брунеллески начал в 440 г. строительство палаццо Питти. Новаторская техника каменной кладки – из громадных, грубо отесанных каменных блоков – получила название рустика. Шероховатая фактура каменных блоков гармонирует с архитектурными формами и дополняет их. Окна-порталы удачно завершают ансамбль.
Многие ценители архитектуры вспомнят личность Леона Баттисты Альберти, родившегося в 404 г. и ушедшего в иной мир в 472-м. Он был не только архитектором, но и писателем, художником, математиком, скульптором. Именно его перу принадлежат научные трактаты, посвященные искусству, – «О статуе», «О зодчестве». Гений Альберти проявился в новой трактовке римского наследия в архитектуре. Он первым ввел колонны и коллонады в фасад палаццо, чтобы подчеркнуть масштабы постройки. Зодчий выделял несущие и несомые элементы фасада, умел органично вписать здание в окружающую среду.
В эту же эпоху создается одно из самых знаменитых сооружений Европы – римский собор Святого Петра. Решающая роль в его создании принадлежала Микеланджело Буонаротти (475–564). Именно он задумал и воплотил центрическую схему собора.
В испанской архитектуре в эпоху Ренессанса возник новый архитектурный стиль, который получил свое название из-за особенностей декоративного оформления зданий, тонкой проработки деталей декора – платереско, или буквально «ювелирный». В основном в этом стиле оформлялись фасады, другие элементы зданий проектировались и воплощались по-старинке – в готике. Испанский Ренессанс наиболее ярко воплотился в постройках Андалусии и Гранады. В Гранаде идеи Возрождения чувствовались острее, чем где-либо еще, исключая, конечно, Италию. Вспышка, породившая столь радикальные изменения в художественной культуре средневековой Испании, была вызвана тем, что, с одной стороны, в страну потекло «золото Эльдорадо» из заокеанских владений короны, и больше всего проходило его через порты Южного побережья, и с другой стороны – тем, что именно Гранада стала символом победы над маврами. Король Испании Карл V, который правил в начале XIV в., построил в парке Альгамбры дворец в стиле Ренессанса.
Но самый известный памятник испанского Возрождения – это, конечно, Эскориал. Он был построен во второй половине XVI в. королем Филиппом ІІ. Комплекс Эскориала состоит из дворцов, библиотеки, госпиталя, семинарии, монастыря и королевской усыпальницы. Четыре угловые башни и собор Св. Лаврентия (отдаленно напоминающий собор Св. Петра) типичны для тогдашней испанской архитектуры. Здания построены из серого гранита и выдержаны в строгом стиле. Это дворец-крепость, призванный подчеркнуть несокрушимость Испанского королевства и мощь короля.
Дворцовый собор Св. Лаврентия – композиционный центр Эскориала. Внутреннее пространство собора декорировано с преобладанием элементов дорического ордера. Фрески свода созданы итальянскими художниками той эпохи.
Архитектура Нового времени
Барокко и рококо
Слово «барокко» – название самого причудливого стиля в истории человечества – само по себе является загадкой. Испанское bar ruecco, португальское barroco означает «необычный», «неправильный». «Рerola barroca» – так называли португальские моряки бракованные жемчужины. В логике словом «барокко» с XIII в. называли некорректные высказывания, ведущие к ложным заключениям. В середине XVI в. в разговорном итальянском языке как «барокко» определяли что-то грубое, неуклюжее и фальшивое. Французские ювелиры, наоборот, придавали этому слову положительные коннотации: baroquer означает «смягчать контур». Но если мы обратимся к французским словарям, то увидим, что в начале XVIII в. «барокко» трактовалось как ругательное выражение. В 888 г. швейцарский историк Генрих Вёльфлин написал книгу «Возрождение и Барокко». Каждый стиль, по мнению ученого, на пике популярности становился «классикой», а затем сменялся «барокко» – периодом, когда рушились старые каноны. С легкой руки Вёльфлина классицизмом и барокко теперь именуют не только художественные стили, которые сформировались в XVII в., но и последние, критические, фазы развития любых стилей. Барокко связывают с беспокойным, романтическим мироощущением, которое воплощается в экспрессивных, неуравновешенных формах.
В начале XVI в. Италия была ареной военных действий – император Священной Римской империи Карл V[21] боролся за свое влияние в Западной Европе. Весной 527 г. Карл столкнулся с неразрешимой проблемой: у него закончились деньги. Платить наемникам было нечем, и армия императора, не повинуясь приказам, двинулась на Рим. Солдаты разграбили Вечный город, а папа Климент VII был осажден в замке Святого Ангела христианским же войском. Среди наемников были лютеране, но сам Лютер их поступок не одобрял. Карл V тоже был недоволен поведением своей армии, но тем не менее унижение папы было ему на руку. Лишь через месяц Клименту VII удалось выбраться из замка Святого Ангела. За свое освобождение он заплатил выкуп в 400 тыс. дукатов. Разграбление Рима подорвало авторитет святейшего престола и способствовало появлению новых протестантских конфессий. Сам город обезлюдел, художники – гордость папы – покидали его двор. Многие исследователи считают, что вот тут-то и закончилось Возрождение: религиозный и политический кризис породил хаос, и в Италии появилось новое художественное течение – маньеризм. В архитектуре он выражался в нарушениях ренессансной гармонии, вызывающих у зрителя ощущение беспокойства, элементах гротеска. Знаменитый пример – «непроходимая», а на самом деле вполне удобная лестница библиотеки Лауренциана во Флоренции, которую спроектировал Микеланджело: с округлых ступеней, казалось бы, легко соскользнуть, а перила, за которые так и хочется схватиться, очень низкие. Лестница резко расширяется книзу, поэтому зрительно она длиннее и выше, чем в действительности. Ко всему прочему, лестница не просто перегораживает вестибюль, а фактически заполняет его. Изысканный и нервный маньеризм – предтеча настоящего барокко. Ученые напрямую связывают появление барокко с расширением границ «ойкумены» – открытием Нового Света. Архитектура лишь отразила причудливость мира, его дивное разнообразие. Барокко оказалось очень коммуникабельным стилем: в отличие от классики, которая везде одинакова, оно самым естественным образом заимствовало и компоновало элементы архитектуры и декора, традиционные для разных народов. Кроме того, с открытием Америки католическая церковь получила новую паству, что, с одной стороны, значительно укрепило позиции католиков, а с другой – вызвало необходимость в масштабном строительстве. Роскошь новых соборов противопоставлялась простоте и скромности протестантских храмов – превосходство католицизма было теперь видно невооруженным глазом. Еще в начале ХХ в. французский археолог, филолог и общественный деятель Соломон Рейнак пренебрежительно называл барокко «суетливым иезуитским стилем». Но другой француз – искусствовед Эмиль Маль – считал барокко «наивысшим воплощением идей христианского искусства».
Толстосумам барокко тоже пришлось по вкусу: теперь фасады дворцов явно пахли деньгами. Роскошным стал и досуг, те, кто имел деньги, не стеснялись проводить время праздно: совершали променад, качались на качелях, катались на лошадях, играли в карты, ездили в театр, танцевали на балах-маскарадах.
Как мы помним, в эпоху Возрождения особое внимание уделялось строительству и благоустройству городов. Средневековые переулки, кривые и тесные, никак не вписывались в новую эпоху, идеалом которой была античная ясность линий. Если в Средние века площадь была местом торговли или народных собраний, то теперь она стала украшением города: каждый приезжий мог убедиться, что Венеция ничем не хуже Флоренции и наоборот. Барокко с его культом роскоши пошло дальше. Главные улицы прокладывались как широкие проспекты, идущие к площади. Так, например, Виа Корсо в Риме ведет на площадь дель Пополо. Ансамбль самой площади имеет так называемую «трехлучевую композицию»: две церкви, которые построили во время реконструкции площади, рассекают городское движение на три русла. Любопытно, что вопреки канону эти церкви ориентированы не с запада на восток, а в соответствии с градостроительным замыслом – с севера на юг.
В качестве одного из основных компонентов городского ансамбля барокко использовало пейзаж. А сами здания как бы вливаются в окружающее пространство благодаря сложным криволинейным очертаниям и причудливой пластике фасадов. Искусствоведы говорят, что дворцы и церкви барокко живописны и динамичны. Барокко питает пристрастие к внешним эффектам, резким контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени – оно совмещает иллюзорное и реальное. Конечно, архитектурные формы барокко наследовали формы итальянского Возрождения, но выглядели здания совсем иначе. Архитекторы использовали колоссальные – на несколько этажей – колонны, полуколонны и пилястры. Множество раскреповок (вертикальных членений элементов) делало стену визуально объемной. Иллюзорная глубина стены продолжалась настоящими объемными композициями: скульптурными группами, фонтанами (пример – палаццо Поли с фонтаном Треви).
Барокко, обожавшее детали, в отличие от Ренессанса не придавало им самостоятельного значения: каждый элемент подчинялся общему архитектурному замыслу.
Ради живописности и динамичности, для того, чтобы усилить эмоциональное воздействие на зрителя, пришлось пожертвовать правилами ренессансной гармонии. Усложненные планы, пышные интерьеры с неожиданными пространственными и световыми эффектами, многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой, зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство. Необычная деталь, характерная для барокко, – плафоны, живопись на плоском потолке, создающая иллюзию купола без верхушки. Живопись и скульптура изобилуют многоплановыми композициями религиозного, мифологического или аллегорического характера.
Несмотря на то, что европейская архитектура XVII–XVIII вв. объединена общим понятием «барокко», выглядит она совершенно по-разному: динамичная в Италии, серьезная во Франции, скромная в Восточной Украине. Самые знаменитые ансамбли барокко в мире: Версаль (Франция), Петергоф (Россия), Аранхуэс (Испания), Цвингер (Германия), Шенбрунн (Австрия).
Самым известным представителем барокко в итальянской архитектуре был Карло Мадерна (556–629 гг.). Он отверг маньеризм и создал свой собственный стиль. Больше всего он прославился фасадом римской церкви Санта-Сусанна (603 г.). На развитие итальянской барочной скульптуры наибольшее влияние оказал Лоренцо Бернини, чьи первые работы, выполненные в новом стиле, относятся приблизительно к 620 г. Бернини был не только скульптором, но и архитектором. Он оформил площадь собора Св. Петра в Риме, создал множество интерьеров. Среди других известных архитекторов можно назвать Д. Фонтана, Р. Райнальди, Г. Гварини, Б. Лонгена, Л. Ванвителли, П. да Кортона. На Сицилии после землетрясения 693 г. появился новый стиль позднего барокко – сицилийское барокко.
Стиль барокко также получил распространение в Испании, Португалии, Германии, Бельгии (тогда Фландрии), Нидерландах, России, Франции. Из Испании барокко попало в Латинскую Америку и, смешавшись с местными архитектурными традициями, трансформировалось в самый вычурный его вариант – ультрабарокко.
В Германии наиболее известны дворцы в Сан-Суси. Новый дворец строили И. Г. Бюринг, Х. Л. Мантер, Летний дворец – Г. В. фон Кнобельсдорф.
В Бельгии наиболее выдающимся барочным ансамблем считается Гранд-Плас в Брюсселе, а Антверпен знаменит домом Рубенса, построенным по его собственному проекту.
В России барокко появилось еще в XVII в. – вычурные терема-теремочки в Москве принято называть «нарышкинским» или «голицынским» барокко. В XVIII в. в правление Петра I получает развитие более европейский вариант барокко – в СанктПетербурге и пригородах. «Петровское барокко» связывают с творчеством Д. Трезини. Архитектура Трезини более сдержанная по сравнению с последующей. Расцвет барокко в России искусствоведы относят к правлению Елизаветы Петровны. Самым знаменитым архитектором того времени по праву считается Б. Растрелли.
Во Франции стиль барокко отличается строгостью. Исследователи иногда даже употребляют термин «барочный классицизм». Другое название французского гибрида – «большой стиль Людовика IV». Именно при нем был построен знаменитый Версальский дворец (архитекторы Луи Лево и Жюль АрдуэнМансар) и создан парк (автор проекта Андре Ленотр). Этот ансамбль – крупнейший в Европе, с конца XVII в. Версаль служил образцом для парадных загородных резиденций европейских монархов и аристократии, однако прямых подражаний ему нет. При всей иррациональности барокко следует помнить, что XVII в. – это еще и век разума и Просвещения. Вспомним французского философа Декарта, который считал истинным то, что ясно и отчетливо мыслится или имеет математическое выражение. Парк Версаля – первый европейский парк, где идея математической гармонии воплотилась в жизнь: липовые аллеи и каналы вычерчены под линейку, а деревья подстрижены на манер стереометрических фигур. Кроме Версаля, памятниками барокко являются Люксембургский дворец и здание Французской академии в Париже.
В начале XVIII в. французы выработали свой собственный стиль – рококо. Внешнее оформление зданий оставалось прежним, а интерьеры выполнялись в стиле рококо. Рококо проявлялся в оформлении книг, в одежде, мебели, живописи. Стиль очень скоро стал популярным во всей Европе и в России.
Конечно, рококо внешне очень напоминало барокко – обилие деталей, вычурность контура, просто линии стали тоньше, детали меньше. Однако психологическая подоплека рококо совсем иная. В отличие от барокко, рококо – стиль сугубо декоративный. Интерьеры барокко отчасти пугали людей – они были изысканны, но неуютны. Рококо придавало большое значение интимности сооружений. Любимым местом пребывания аристократов стали маленькие элегантные замки в окружении парков. Стиль рококо (в переводе «ракушка») получил название от «рокайльного» орнамента. Характерными чертами рококо были декоративная нагруженность композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, эротическим ситуациям, личному комфорту. Рококо стремится быть легким, приветливым, игривым во что бы то ни стало. Этот стиль не внес ничего нового в конструкцию зданий, он не заботился ни об органичном сочетании и распределении частей сооружения, ни о целесообразности их форм, избегал строгой симметричности, без конца варьировал расчленения и орнаментальные детали. Прямые линии и плоские поверхности ушли в прошлое. Даже если они присутствовали, разглядеть их было невозможно. Удлиненные или укороченные колонны; колонны, скрученные винтообразно, увенчанные капителями, форму которых определяла лишь воля мастера; карнизы над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды, подпирающие ничтожные выступы; балюстрады с флаконовидными балясинами, вазы, пирамиды, скульптурные фигуры – вот приемы рококо. В обрамлении окон, дверей, стен, плафонов присутствует затейливая лепная орнаментация: завитки, отдаленно напоминающие листья растений, выпуклые щиты, маски, цветочные гирлянды, раковины и необработанные камни.
Классицизм и ампир
Зачатки классицизма проявились уже в итальянском искусстве второй половины XVI в. в творчестве Виньолы, Палладио, Серлио и Беллори. Однако целостной системой он стал только во Франции XVII в. К XVIII в. он уже доминировал во всей Европе. Немецкий интеллектуал Иоганн Иоахим Винкельманн в 755 г. утверждал, что современная ему культура имеет только один путь развития – следовать античным образцам и идеям. Этот поворот назад воспринимался тогдашним кругом интеллектуалов как обновление, благодаря вере в силу разума. Рациональная античность противостояла хаосу барокко, его многоликости, изменчивости и непредсказуемости. Классицизм базируется на принципах меры и гармонии. В то же время барокко и классицизм роднит идея противостояния природы и человека, индивида и социума. Но беззащитность человека перед реальным миром (вспомним слова Паскаля: «человек – это мыслящий тростник») в классицизме воплотилась иначе. Новая архитектура символизировала не только порядок, но и мощь государства. Отчасти она успокаивала, отчасти подавляла. От ее безукоризненных форм веяло холодом, и не случайно классицизм был столь любим тиранами – Наполеоном, Гитлером, Сталиным.
В современной науке принято выделять классицизм XVII в., классицизм XVIII и классицизм XIX века (неоклассицизм).
Основоположником классицизма считается французский художник Никола Пуссен. В живописи классицизма XVII в. получил развитие «идеальный пейзаж» (Н. Пуссен, К. Лоррен, Г. Дюге), воплотивший мечту классицистов о «золотом веке» человечества. Во французской архитектуре классицизм связан с отмеченными ясностью композиции и ордерных членений постройками Ф. Мансара. Среди образцов зрелого классицизма в архитектуре этого века – восточный фасад Лувра (К. Перро), творчество Л. Лево, Ф. Блонделя. В связи с этими мастерами мы можем говорить о чистоте стиля, позже французский классицизм вбирает в себя элементы архитектуры барокко и становится гибридом.
В эпоху классицизма появляются новые города, парки, курорты. Их характерные черты – логичность планировки, геометричность форм и объемов. Основой архитектуры классицизма становится ордер, близкий к античным образцам. Архитектура, скульптура и живопись эпохи классицизма исповедуют ясность, четкую разграниченность планов, сглаженность форм. В живописи полотно предстает как сцена, на которой разворачивается действие.
Поскольку эстетика классицизма основана на идеях рационализма, близких к воззрениям Декарта, она превозносит разум и логику. С точки зрения классицизма, ценно только то, что неподвластно времени. Эмоции должны подчиняться разуму, каприз – чувству долга. В классицизме существует четкая иерархия жанров. Чувственные жанры: натюрморт, портрет, пейзаж – относятся к «низким», так же как комедия, сатира или же басня. «Высокие» жанры – ода, трагедия, эпопея в литературе, эпические полотна в живописи – неминуемо должны обращаться к мифологии, истории, религии. Классицистская доктрина оформилась благодаря французским королевским академиям в Париже – живописи (основана в 648 г.) и архитектуры (основана в 67 г.).
В середине XVIII в. классицизм под влиянием эстетики Просвещения несколько изменился. В моде был Руссо с его концепцией «естественного человека». Новая архитектура требовала, чтобы ордерные элементы композиции были конструктивно оправданы, а в интерьере нуждалась в гибкой планировке комфортабельного жилища. Идеальным окружением дома стала пейзажная среда «английского» парка. Если «французский» парк прямолинейными дорожками и фигурными формами тщательно обрезанных кустарников подчеркивал контроль человека над природой, то английский утверждал наивысшую ценность того искусства, которое неотличимо от природы.
В архитектуре появились новые типы зданий: изысканно-интимный особняк, парадное общественное здание, открытая городская площадь.
Накануне Великой французской революции (789–794 гг.) архитектура продемонстрировала стремление к суровой простоте. Смелые поиски геометризма новой, безордерной архитектуры (К. Н. Леду, Э. Л. Булле, Ж. Ж. Леке) стали отправной точкой для поздней фазы классицизма – ампира.
Ампир (от
Родоначальником нового стиля принято считать живописца Ж.-Л. Давида. Этот художник накануне революции прославил героические эпизоды из истории Рима в картинах «Клятва Горациев» (784 г.) и «Брут» (789 г.). Работая над картинами, Давид заказал мебельщику Ж. Жакобу предметы обстановки, срисованные им с ваз, найденных в раскопках Геркуланума и Помпеи. Давид разрабатывал эскизы мебели, оформления интерьера и стал даже диктовать моду в одежде. Так, в 800 г. он написал портрет красавицы мадам Рекамье в античной тунике. Кушетка, на которой лежала мадам Рекамье, а также торшер у изголовья были выполнены в древнеримской манере. Стиль «рекамье» вскоре стал очень популярным. Спальня императрицы Жозефины во дворце Мальмезон походила на палатку римского воина.
Придворными архитекторами Наполеона стали Ш. Персье и П. Фонтен, получившие образование в Риме. Именно они оформили интерьеры дворцов Мальмезон, Фонтенбло, Компьен, Лувр, Медон, Сен-Клу, Версаль, Тюильри, построили Триумфальную арку на площади Карусель в Париже, наподобие древнеримских (806–808 гг.). В 806–836 гг. еще одна Триумфальная арка была возведена по проекту Ж.-Ф. Шальгрена. Вершину Вандомской колонны украсила статуя Бонапарта в образе Цезаря в римской тоге (скульптор А.-Д. Шодэ).
В 82 г. Персье и Фонтен издали «Собрание эскизов для украшения интерьера и всех видов обстановки». В комментариях они писали о том, что римский стиль можно сочетать с иными, любыми, которые придутся по вкусу. Ампир без проблем переварил сочетание римских и египетских мотивов. Красное дерево соседствовало не только с золоченой бронзой, но и с бронзой матово-черной (патинированной), которая имитировала традиционный для Египта базальт. В особняке пасынка Наполеона, принца Е. Богарнэ и его сестры Гортензии, построенном в 804–806 гг., интерьеры оформлены в самых разных стилях: здесь можно увидеть египетские, римские и даже турецкие мотивы (знаменитый Турецкий будуар).
Если для классицизма типичными были мягкие и сложные красочные гармонии, то ампир оперирует яркими красками – красной, синей, белой (это цвета наполеоновского флага). Стены обивали ярким шелком, в орнаментах преобладали круги, овалы, ромбы, пышные бордюры из дубовых ветвей, звезды из золотой и серебряной парчи на алом, малиновом, синем или зеленом фоне.
Несмотря на эклектичность и готовность наследовать декор иных эпох, ампир не распространился по всему миру. Зато, казалось бы, излишне строгий классицизм прижился в Голландии (архитекторы Я. ван Кампен, П. Пост), в архитектуре Англии (К. Рен), Италии (Пьемарини), Испании (де Вильянуэва), США (Джефферсон). Здания в этом стиле мы можем увидеть повсюду – в Восточной Европе, в Латинской Америке, в Скандинавии. А вот ампир остался «наполеоновским» стилем, и несмотря на то, что насаждался в завоеванных странах, развитие получил только в России – лишь победители приняли его добровольно. Еще до войны 82 г. архитекторы Персье и Фонтен посылали российскому императору Александру I альбомы с видами «всего замечательного, что строилось в Париже». Русская аристократия подражала французской моде. В 84 г. русский император встретился с П. Фонтеном в Париже и получил альбомы с проектами оформления интерьеров и мебели. Эти рисунки способствовали появлению так называемого «русского ампира». Его корифеем считается К. Росси. Именно благодаря ему на русской почве ампир приобрел мягкость и пластичность.
В Англии ампир не получил распространения, но «английским ампиром» иногда условно называют стиль Георга IV (820–830 гг.), а «вторым английским ампиром» – стиль викторианской эпохи 830—890-х годов.
Архитектура ХХ века
Модерн: на стыке эпох
Модерн (от
Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. Впервые появившись в Бельгии, этот стиль в Германии получил название югендстиля (по названию основанного в 896 г. иллюстрированного журнала Die Jugend), в Австрии он назывался сецессион, в США – тиффани (по имени Л. К. Тиффани), во Франции – ар-нуво (новое искусство) и fin de siècle (конец века), модерн в Англии, стиль либерти в Италии, модернизмо в Испании, Nieuwe Kunst в Голландии, еловый стиль в Швейцарии.
В 60—70-х гг. XIX в. в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей. В 880-е гг. в работах ряда мастеров стал проявляться новый стиль, который противопоставлял эклектизму новые художественные приемы. Уильям Моррис (834–896) создавал предметы интерьера, вдохновленные растительными орнаментами, а Артур Макмёрдо (85—942) использовал элегантные волнистые узоры в книжной графике.
Заметное влияние на стиль модерн оказало искусство Японии, ставшее более доступным на Западе с началом эпохи Мэйдзи. Художники модерна также черпали вдохновение в искусстве Древнего Египта и других древних цивилизаций.
Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека выполнены в одном ключе. Вследствие чего в этот период возрос интерес к прикладным искусствам: дизайну интерьеров, керамике, книжной графике.
В европейских странах начали создаваться различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле: Выставочное общество искусств и ремесел (888 г.) в Великобритании, Объединенные художественно-ремесленные мастерские (897 г.) и Немецкие мастерские художественных ремесел (899 г.) в Германии, Венские мастерские (903 г.) в Австрии, Нансийская школа во Франции, Мир искусства (890 г.) в России.
Распространению модерна способствовало проведение всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность модерн получил на Всемирной выставке 900 года в Париже. После 90 г. влияние модерна стало угасать.
Признаки стиля модерн:
• эстетическое осмысление материалов: стекла, металла, дерева;
• максимальное выявление фактуры и пластических возможностей материала, его психологическое воздействие на человека;
• сознательное формирование формы, стремление к органичности, цельности;
• асимметрия, витиеватость линий;
• обращение к растительным, природным формам;
• обыгрывание функциональных элементов (несущих конструкций, ступеней, перил, рам, стропил) как эстетических объектов.
модерн, получивший распространение в Европе в 890—90-е годы в рамках художественного направления модерн, отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий, использование новых технологий (металл, стекло), а также стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру. Все конструктивные элементы – лестницы, двери, столбы, балконы – художественно обрабатывались.
Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта. В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки – всё тщательно проектировалось в едином стиле.
Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гимар, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.
Еще дальше от классических представлений об архитектуре ушел великий испанский архитектор Антонио Гауди. Здания, сооруженные им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.
Архитектура модерна разнообразна и эклектична. Но эта эклектика удивительно гармонична и оригинальна. Стиль этот вобрал в себя элементы всех предшествующих стилей. Здания в стиле модерн могут напоминать и мавританские дворцы, и замки, и заводские корпуса. Однако, в отличие от предшествовавшего модерну эклектизма, его авторы отказались от прямого копирования форм ренессанса и барокко. В конце XIX в. Луис Салливен в Чикаго, Генрик Петрус Берлаге в Амстердаме, Анри ван де Вельде в Бельгии и Отто Вагнер в Вене стали протестовать против подражания, и их протест не остался без внимания.
Стиль развивался, и с течением времени выделилось несколько направлений:
Поделиться книгой: