Помоги проекту - поделись книгой:
В зависимости от того или иного периода истории человечества изменяется и методика археологии, что привело к появлению специализации по предметам: например, классическая, средневековая, индустриальная археология и т. д. Археология даже забралась в море. С помощью современного водолазного снаряжения ученые могут исследовать затонувшие корабли и другие давно потерянные остатки прошлого.
Так постепенно усилиями многих поколений ученых составляется первобытная история человечества. После появления письменных источников объем информации увеличивается, да и сам ее характер меняется, но ее изучением занимается уже другая наука – история.
АРХИТЕКТУРА
Старые здания и развалины, обнаруживаемые при раскопках, могут рассказать многое как о своем времени, так и о том, кто и для чего их построил. Построить здание, способное простоять века, не так-то просто, это требует определенных знаний и уровня развития техники. Но здание должно не только соответствовать своему назначению, но и быть красивым. Архитектура и является видом искусства, которое позволяет возводить красивые и удобные постройки, соответствующие определенным целям (жилые дома, общественные, административные, представительные и другие типы зданий). Поэтому ее и считают одним из ведущих видов пластического искусства.
Вместе с тем архитектура является частью материальной культуры общества, по которому можно судить о прогрессе науки и техники, особенностях быта, традициях национальной культуры. Наконец, она стимулирует развитие ряда отраслей знания (например, строительной механики), выдвигая перед наукой и техникой новые практические задачи.
Произведения архитектуры различны: конечно, это прежде всего здания бытового и общественного назначения, а также сооружения, организующие открытые пространства (монументы, террасы, набережные и т. д.). Особую область строительного искусства – градостроительство – составляет планировка и застройка городов и других населенных мест. Частью архитектуры являются также пространства, сформированные посредством преобразования и объединения элементов естественной природы
Применение цвета и различных декоративных элементов, сочетание архитектурных форм со скульптурой, живописью и произведениями декоративно-прикладного искусства обуславливают связь архитектуры с другими искусствами (см.
Предполагают, что зачатки архитектуры как искусства возникли в период первобытного общества. Именно в эпоху неолита человек начал строить первые жилища, используя природные материалы (в отдельных регионах с III тыс. до н. э. – из обожженного кирпича). Любопытно, что тогда же стали применять и первые перекрытия в виде опорных столбов.
Однако собственно архитектура появилась с возникновением классовых обществ и разделением типов сооружений на жилые и общественные. Именно в это время сложились принципы композиционной организации отдельных зданий и ансамблей. Археологи установили, что примерно 7000 лет тому назад в Древнем Египте уже строились грандиозные ансамбли храмовых и дворцовых зданий, были построены огромные города, носившие характер укрепленного военного лагеря и окруженные со всех сторон жилыми кварталами со свободной планировкой (в Ассирии и Вавилонии). Умели строить в древнем мире и мощные цитадели (в Иране). Египтяне возводили огромные пирамиды-гробницы для фараонов, многие из которых сохранились до наших дней.
Греческая архитектура начала формироваться примерно за 600 лет до н. э. и образовала свой великолепный стиль. Среди применявшихся тогда материалов были кирпич-сырец, дерево и камень. Именно в это время возникли многие типы жилых и общественных построек. Из огромных каменных блоков греки возводили храмы, сочетавшие в себе функции культовых и общественных сооружений. В эпоху расцвета эгейского искусства и городов-государств в Древней Греции развивались и приемы регулярной планировки города. Методы градостроительства также постоянно совершенствовались. Была усовершенствована стоечно-балочная конструкция, сложилась система классических ордеров (см.
Художественные черты античного гуманизма особенно ярко отразились в постройках классического периода древнегреческой архитектуры в Афинах (Акрополь).
Когда римляне завоевали Грецию, они начали подражать греческой архитектуре. Но вскоре они поняли, как строятся арки, и их применение позволило им возводить большие по размеру постройки. Именно римляне впервые начали строить здания со сводами, перекрытыми куполами. Они же первыми стали применять известковый раствор в качестве соединительного материала. Свод и арка в сочетании с внешним и внутренним оформлением отвечали задаче прославления могущества государства и личности императоров.
Возникли крупные ансамбли и отдельные сооружения, рассчитанные на огромные массы народа: форумы, амфитеатры и театры, термы, крытые рынки, базилики. Впервые распространились 5–6-этажные дома – инкулы и загородные виллы. Римляне проявили себя и как прекрасные инженеры: поскольку границы империи раздвигались, строились мосты и акведуки, некоторые из них служат и сегодня. При этом они не забывали о красоте зданий, особое внимание уделялось также планировке и отделке интерьеров.
Римский зодчий Витрувий написал трактат «Десять книг об архитектуре». В них он сформулировал три основных требования к данному виду искусства. Это целесообразность, прочность и красота. Именно эти требования и легли в основу всего последующего развития архитектуры.
Примерно в 800 году н. э. в Европе начался романский период архитектуры. Его отличительной особенностью является сочетание простых форм с мощью каменных построек. В это время начинается строительство многочисленных фортификационных сооружений, защищавших города и резиденции феодалов (замки и горные укрепления во Франции, Германии, Испании, Чехии, Польше). Одновременно строится большое количество культовых зданий. Для этого времени характерно прославление господа и одновременно подавление человека величием сооружаемых зданий.
Первыми новый способ строительства изобретают византийцы, которые сформировали тип купольной базилики (храм Софии в Стамбуле) и крестово-купольного храма с обширным внутренним пространством. Именно византийская архитектурная традиция стала основой развития зодчества Болгарии, Сербии, Македонии, Армении, Грузии, где сложились местные, глубоко самобытные школы.
В странах Западной и Центральной Европы с ростом городов с конца X в. получил развитие тип каменного жилого дома с мастерскими и лавками на первом этаже или в подвале. Сложилась архитектура романского стиля: монастырские комплексы с замкнутыми дворами – кулуарами, массивные храмы базиликального типа с несколькими монументальными башнями.
За ним последовал период готики. Большинство старых соборов Европы относятся именно к готическому стилю. Главной их особенностью являются изящные остроконечные арки над дверями, окнами и крышами. Крыша готического собора обычно проектировалась как серия перекрестно расположенных арок, которые и принимали на себя вес потолка. Подобного рода крыши называются сводчатыми. Благодаря им в готических соборах много воздуха и света, проходящего через большие окна. Здесь впервые была применена каркасно-нервюрная система, основанная на передаче распора сводов через упорные арки – аркбутаны – на стоящие вне здания опорные столбы – контрфорсы. Она позволила перекрывать большие пролеты, максимально облегчив стены и развив пространство интерьера по вертикали (соборы в Париже, Реймсе и Амьене во Франции, во Фрайбурге-им-Брайсгау и Кёльне в Германии, Кентербери в Великобритании).
Строительство подобных зданий означало усиление роли городов в политической жизни и соответственно распространение новых типов общественных зданий (ратуш, домов, ремесленных цехов и гильдий).
В жилом строительстве наряду с камнем широко применялся фахверк (глиняная кладка, перемежающаяся каркасом из деревянных бревен), распространенный в Германии и Голландии.
В странах Ближнего и Среднего Востока сложился тип трехчастного укрепленного города с цитаделью, городским ядром (шахристан, медина) и торгово-ремесленными пригородами. Теперь и здесь получили развитие возникшие в Византии сводчато-купольные конструкции. Все это привело к созданию новых типов сооружений: крытых рынков, медресе, мечетей, мавзолеев. В декоре зданий применялись сталактиты, узорный кирпич, резьба по мрамору, керамическая облицовка.
Многообразие архитектурных типов, легкость и строгость сооружений отличают зодчество Индии, оказавшей огромное влияние на формирование архитектуры Юго-Восточной Азии. В архитектуре Китая и Японии легкость и простота жилых построек контрастировали с монументальностью дворцовых, культовых и крепостных сооружений. От китайских образцов архитектура Японии восприняла ясность пропорций и композиций легких деревянных построек.
Примерно в 1400 году в Италии возник стиль ренессанса, когда особое значение приобрели традиции античности, идея естественного человека в привычной и удобной для него обстановке. Поэтому общественные здания, дворцы, виллы, храмы представляют собой ясные, гармоничные здания и архитектурные ансамбли, где учтены повседневные потребности людей.
Широко применялся классический ордер (итальянские архитекторы Ф. Брунеллески, Л. Б. Альберти, Микелоццо, Д. Браманте, Микеланджело). Появился новый тип дворца – палаццо с замкнутым симметричным двором. В XVII–XVIII вв. стройность и законченность пространственных композиций сменяются сложными системами сливающихся пространств, пластичностью и скульптурностью объемов зданий архитектуры барокко. В его динамичные ритмы включаются декоративные скульптуры и живопись (постройки итальянских архитекторов Л. Бернини, Ф. Борромини). Широкое развитие получило садово-парковое строительство.
Стиль барокко распространился в Италии, Испании, Германии, Австрии, Чехии, Польше, странах Латинской Америки. Во Франции в XVII в. господствующим направлением стал классицизм. Лежащее в его основе рационалистическое мировоззрение выразилось в строгости и геометричности композиции зданий и дворцово-парковых ансамблей (Версаль). Французские архитекторы (Л. Лево, Ф. Мансар, А. Ленотр) использовали античные ордеры в отделке стен и фасадов. В XVII–XVIII вв. классицизм широко распространился в Великобритании (архитекторы И. Джонс, К. Рен, бр. Адам), а с последней трети XVIII в. – и в других странах Европы. В Великобритании и Нидерландах появились новые виды построек, вызванные развитием капиталистической промышленности: промышленные здания, портовые сооружения, биржи.
Особое влияние на архитектуру второй половины XIX века оказало бурное развитие промышленности. Требование рентабельности вызывало поиски методов, сокращающих время строительных работ, экономно использующих труд и материалы. В строительстве начали использоваться технические достижения и новые строительные материалы – бетон, стекло, а в конце века – железобетон. Создавались новые конструктивные системы для перекрытия больших пролетов и каркасные конструкции многоэтажных зданий. Со второй половины XIX в. строились здания из металла и стекла («Хрустальный дворец» в Лондоне, инженер Дж. Пакстон), высотные сооружения с металлическим каркасом (Эйфелева башня в Париже, инженер Г. Эйфель, 1887). Группа архитекторов США создала специфическую форму офисного здания – небоскреб. Первым его построил в 1884 году Уильям де Барон Дженни. Здание состояло из девяти этажей, имело внутренний металлический каркас и кирпичные стены. Однако новаторские конструкции часто скрывались декоративными формами, воспроизводившими стили различных эпох.
Можно отметить и разнообразие строившихся зданий, как производственных, торговых, транспортных, так и жилых. Появляются, например, универсальные магазины, театральные здания с залом, разделенным на секторы. Наряду с частными особняками аристократии и буржуазии строились многоэтажные доходные дома с квартирами, сдаваемыми внаем, бараки и казармы для рабочих.
Начало XX века можно считать началом поиска новых рациональных и ясных архитектурных форм, сочетающих достижения современной техники с классическими композиционными приемами, они велись О. Перре, Т. Гарнье во Франции, О. Вагнером в Австрии, П. Беренсом в Германии. Одновременно строились и здания в классических формах (Э. Лаченс в Великобритании).
Противоречие между традиционным архитектурным декором и конструкциями, порожденными новой техникой, пытались разрешить архитекторы стиля модерн, возникшего в 1890-х гг. Для архитектурного модерна первой трети XX века прежде всего характерно разрушение традиционной ордерной структуры зданий. Оно достигалось посредством введения в отделку разнообразных кривых линий, использованием железобетона, цветного стекла и майолики. Используя новые строительные и художественные возможности, архитекторы сосредоточили внимание на форме зданий, получавшей подчас живописно-декоративную трактовку в творчестве А. Гауди в Испании, Ч. Р. Макинтоша в Великобритании, В. Орта в Бельгии, Й. Ольбриха, Й. Хофмана в Австрии.
В двадцатые годы ведущим направлением в западноевропейской архитектуре стал рационализм, или функционализм. Он был обусловлен двумя противоположными теориями – урбанистической и дезурбанистической. Урбанисты считали, что основой современного города должны быть гигантские дома-небоскребы, соединенные между собой транспортными развязками, Они пытались создать комфортабельную жилую среду, отвечающую требованиям человека в век развитой техники. Немецкие архитекторы (представители «Баухауза» в Германии) искали новые средства художественной выразительности в лаконизме и контрастности формы, придавая особое значение конструктивно-технической основе зданий и их функциональной организации.
Самым известным представителем функционализма был французский архитектор Ле Корбюзье (1887–1965). Многие его находки – двухэтажные квартиры, плоские крыши домов, встроенная мебель – продолжают использоваться и современными строителями.
Противники урбанистов видели современный город как систему небольших зданий, окруженных зеленью. На протяжении последующих десятилетий обе эти теории объединились, и проектировщики стали одинаково использовать открытия, сделанные основателями каждого из направлений.
Вместе с тем в современной городской застройке явно проявилось стремление к удешевлению строительства, которое привело к появлению одинаковых блочных или панельных домов, мало чем отличающихся друг от друга. Такие новые районы распространены во многих городах мира и никак не связаны с творческим поиском в архитектуре. Любопытно, что построенные в начале века модернистские дома сегодня считаются устаревшими и даже вредными для человека. Поэтому, видимо, будущее – за простыми и легкими конструкциями, напоминающими человеку те пропорции, что создала сама природа.
В ряде стран в XX веке утвердился неоклассицизм, преувеличенно монументальные формы которого подчас использовались для выражения воинствующей идеологии. В 30–50-х гг. получила распространение органическая архитектура (американский архитектор Ф. Л. Райт), стремившаяся связать композицию построек с окружающей их природой. В 40–50-х гг. принципы функционализма были истолкованы в соответствии с местными условиями и традициями (А. Аалто в Финляндии, Тангэ Кэндзо в Японии, О. Нимейером в Бразилии и др.). В США была выдвинута концепция «универсальной» архитектуры, основанной на ритмической ясности и простоте элементарных геометрических форм и больших внутренних пространств (арх. Л. Мис ван дер Роэ). В противовес ей развивался брутализм, сочетающий функциональность построек с нарочитой массивностью и грубой фактурой обнаженных поверхностей (арх. Л. Кан и др. в США). В 70-х – начале 80-х гг. в США и Западной Европе распространился архитектурный постмодернизм, основной принцип которого – обращение к разностилевым формам прошлых эпох.
АРХИТЕКТУРА ДРЕВНЕЙ РУСИ
В средние века архитектура являлась одним из ведущих видов искусства. Она объединяла в себе все остальные виды древнерусского искусства – монументальную и станковую живопись (мозаику, фреску, икону), пение и музыку, оформление книг и прикладное искусство.
Древнерусская архитектура прошла большой путь, и ее история охватывает более восьми веков. На протяжении этого периода параллельно развивались формы деревянной и каменной архитектуры, причем деревянное строительство практически всегда преобладало над каменным. Это не случайно, поскольку именно дерево всегда было на Руси основным строительным материалом. Задолго до появления каменных построек на Руси строили самые различные сооружения из дерева – жилые дома, крепостные стены, княжеские дворцы.
Каменное строительство начало развиваться лишь с XI века. Вначале в городах появились каменные церкви и здания дворцов. Только в XVI веке из камня начинают строить и жилые дома, а также городские стены. Самые ранние монументальные сооружения относятся к эпохе Киевской Руси – Софийские соборы в Киеве и Новгороде, Спасский собор в Чернигове, Георгиевский собор Юрьева монастыря в Новгороде. За ними следуют памятники архитектуры во Владимирской земле – храм Покрова на Нерли, Успенский, Дмитриевский соборы и Золотые ворота во Владимире. Позже были построены монастырские дворцовые комплексы в Пскове (Спасо-Мирожский монастырь) и в Москве (Кремль).
Каменные церкви обычно строились в связи с значительными историческими событиями – отражением нападений врагов, выигранными битвами. Вот почему они являются своеобразной каменной летописью истории Руси. Эта традиция сохранилась в русской архитектуре последующего времени, вплоть до конца XVIII века.
Первые храмы были построены по образцам, заимствованным из Византии. Однако русские мастера быстро начали создавать собственные строения, сохранив лишь традиционную символику храмов, обусловленную догматикой православной религии. Основой храма всегда является крест – символ христианства, спасения. Здание строго ориентировано с запада на восток. Именно к востоку обращена главная сторона храма, где в полукруглом выступе – апсиде – находится алтарь. Он является символом пещеры, где произошло Рождество Христово, а также Голгофы, где Христос был распят. Справа и слева от алтаря находятся два боковых помещения – жертвенник, где приготовляется хлеб и вино для литургии, а также дьяконник, где облачаются священнослужители. Алтарь отделен от остального помещения иконостасом – стеной, где размещены иконы.
Русские зодчие строили не только большие крестово-купольные храмы, но и небольшие церковные здания кубической формы с одноглавым или шатровым завершением. Как и жилые дома, церкви нередко ставились на подклети – деревянные или каменные цоколи, в которых располагались подвальные помещения.
Здания дворцового типа иногда приобретали очень сложную конфигурацию. Они состояли из большого количества несимметрично расположенных строений – теремов, соединенных между собой переходами. Любопытно, что каждый из теремов имел свою особую крышу. Этот прием происходит от деревянной архитектуры, основой которой всегда являлся четырехугольный сруб.
Каменные жилые дома также повторяли структуру деревянных. Они имели простейшую (квадратную или прямоугольную) форму и завершались четырехскатной крышей. Стены у них были массивными, с небольшими окнами. Внутри дома разделялись на небольшие помещения, перекрытые сводчатыми потолками. Все эти особенности имели чисто практическое назначение – сохранить возможно больше тепла зимой.
Оборонительные сооружения строились как из дерева, так и из камня или кирпича. Место для них выбиралось с учетом природных условий, там, где было удобно вести оборону и дополнительно укрепить стены с помощью естественных особенностей рельефа – реки, холма. Стены строились на высоту 15–20 метров и обязательно имели несколько ярусов бойниц и крытые переходы. Разделявшие стену на небольшие отрезки башни углублялись ниже уровня земли, а в высоту доходили до 30 метров. Подобные укрепления воздвигались вокруг не только городов, но и крупных монастырей, которые использовались как форпосты при обороне от врага.
Крепостные сооружения обладают большой силой эмоционального воздействия, они символизируют незыблемую мощь их защитников.
Древнерусские зодчие создали продуманную систему декора – украшения своих построек. Они нашли практически идеальные соотношения размеров с элементами внешнего оформления – порталами, рельефными, орнаментальными и многофигурными резными композициями, изразцовыми панно и фризами, которые придают постройкам внешнюю легкость, неожиданную для подобного рода византийских сооружений.
А СЕККО (итал. a secco – сухим способом, по сухому)
Так называется техническая разновидность стенных росписей, при которой живопись наносится на твердую, уже высохшую известковую штукатурку. Роспись а секко выполняется смешанными с известью красками, причем все тона составляются заранее, до начала работы. Поверхность штукатурки тщательно выравнивают и предварительно увлажняют. Как и чистая фреска, роспись а секко исполняется по частям, но соединительные швы и прориси здесь отсутствуют. Поскольку штукатурка хорошо впитывает краску, этой технике недоступны лессировка и письмо разбавленными красками.
АТРИБУТ – постоянный отличительный признак того или иного героя, божества, аллегорической фигуры. Это может быть как предмет, так и внешняя особенность, деталь костюма или даже действие. Чаще всего атрибуты применялись в произведениях на мифологические и религиозные темы (например, Нептун обычно изображался с трезубцем, атрибутом святого в средневековом искусстве являлся нимб и особая поза, атрибутами святых мучеников были обычно орудия пыток или казни: например, святая Екатерина изображалась с колесом. Атрибут нередко оказывается основным средством для определения сюжета подобных произведений.
АТРИБУЦИЯ (лат. attributio – приписывание) – работа по определению авторства и истории создания какого-либо произведения. Значение атрибуции существенно, поскольку авторы не всегда подписывают свои произведения или пользуются псевдонимами, прозвищами, кличками. Вместе с тем важно определить не только какому автору принадлежит произведение, но и к какой школе, времени, стране оно относится. Раньше атрибуция базировалась только на интуиции специалистов-знатоков. С конца XIX в. атрибуция опирается также на научный стилистический анализ, результаты химического и физического исследований (макро– и микросъемка, рентгенография, применение инфракрасного и ультрафиолетового излучений и пр.).
АТРИЙ, АТРИУМ (лат. atrium) – закрытый внутренний двор в средней части древнегреческого или древнеримского жилища, куда выходили остальные помещения. В центре атриума был бассейн (имплювий), над которым оставлялось отверстие (комплювий) для стока дождевой воды.
АТТИК (от греч. attikos) – стенка, возведенная над венчающим архитектурное сооружение карнизом. Часто украшается рельефами или надписями. Обычно завершает
А ФРЕСКО (итал. a fresco – сырым способом, по сырому; произн. – «а фрэско») – основная техническая разновидность фресковой живописи, характеризующаяся исполнением по свежей известковой штукатурке (см.
После полного высыхания штукатурки цвета красок меняются: одни становятся более яркими, а другие, напротив, гаснут. Поэтому роспись а фреско почти всегда приходится дополнять работой с темперой, с целью исправления деталей. Техника росписи, лишенной поправок, так называемой «чистой фрески» (буон фреско), оказывается поэтому особенно трудной и встречается редко.
Существуют два способа живописи а фреско: 1) разведенными водой порошкообразными красками без связующего вещества и 2) красками с примесью гашеной извести (которая одновременно служит и белилами). В первом случае получается легкий и прозрачный красочный слой, напоминающий акварель, во втором – плотная, так называемая корпусная живопись, несколько белесоватая, близкая по свойствам к гуаши.
При росписи по частям художнику приходится заботиться об точном соответствии фрагментов. Поэтому при тщательном осмотре можно заметить следы так называемых соединительных швов – границ между этими частями, а также процарапанные в штукатурке контуры рисунка – прориси.
Достоинства техники а фреско – быстрота выполнения, легкий и выразительный цветовой тон, устойчивость колористических качеств при условии, что живопись находится внутри помещения и не подвергается воздействию дождя, ветра, солнца, резкой смены температур.
Б
БАЗИЛИКА (греч. basillike)
Первоначально базиликой назывался дом архонта – правителя в греческом городе-государстве. В Афинах базиликой называли портик на Акрополе, где заседали архонты-басилевсы. В Риме это торговый или судебный зал. По форме базилика – вытянутое, прямоугольное в плане здание, разделенное внутри продольными рядами колонн или столбов на несколько частей (нефов), имевших самостоятельные перекрытия. Средний (главный) неф всегда строился выше боковых, так что верхняя часть его стен, прорезанная окнами, выступает над крышами боковых нефов. Перед выходом из базилики располагался поперечный притвор (или нартекс), а в противоположном конце среднего, наиболее широкого нефа – полукруглый выступ (апсида), крытый полукуполом.
Существовали различные формы базилики, в зависимости от числа и расположения боковых нефов. Одной из них была крестообразная базилика, образованная добавлением к трехнефной базилике поперечного нефа такой же ширины и высоты, как и боковые.
Самой древней римской базиликой считается Порциева базилика, построенная около 184 года до н. э. Среди других выдающихся примеров базиликальной архитектуры можно назвать Эмилиеву базилику (179 г. до н. э.), Юлиеву базилику (12 г. н. э.), Ульпиеву базилику (113 г. н. э.) и Максенциеву базилику (окончена Константином в 315 г. н. э.).
После того как христианство стало главной религией в Древнем Риме, базилика стала одним из основных типов христианских храмов, получив широкое распространение в византийской, сирийской, романской и готической архитектуре. Раннехристианская базилика разделялась внутри 2 рядами колонн на 3 нефа, средний, главный неф включал в себя апсиду, где располагались культовые изображения, позже она стала алтарем.
Однако с течением времени базиликальные конструкции стали малы, поскольку не давали возможности для создания больших внутренних пространств. Одним из выходов стало сочетание крестообразной базилики с куполом, в результате чего и получилась конструкция крестово-купольного храма. Наиболее ярким примером подобной постройки является храм святой Софии в Константинополе.
БАККАРА
Иногда этим словом называют особый стиль изделий из хрусталя, а также и их производство. Название возникло благодаря городу Баккара, где в 1816 году на стекольной мануфактуре Сент-Анн (основанной около 1766 года) и началось производство изделий из тяжелого, абсолютно прозрачного стекла. Однако наибольшая известность пришла к нему во второй половине XIX века, когда там впервые началось изготовление пышных и обильно украшенных дробным гранением сервизов и ваз. Благодаря преломлению на гранях изделия баккара отличаются изысканной игрой света и цвета.
В обиходе словом «баккара» обозначают также хрустальные изделия, поверхность которых образована сочетанием множества плоских граней, дающих причудливую игру света.
БАЛАГАН
Балаганы являлись центром ярмарочных увеселений по всей России. Их дощатые, обклеенные афишами здания возводились в центрах ярмарочных площадей и в городских парках. В зрительном зале устанавливались простые, грубо сколоченные скамейки, перед которыми на небольшой площадке располагался оркестр, состоявший из одного-двух музыкантов. Непосредственно на сцене находилось несколько кресел для особо уважаемой публики. За зрительскими скамьями располагалось несколько огороженных лож, в которых также стояли кресла.
Снаружи балаган всегда украшался, а стены его даже расписывались. К каждому представлению обязательно печаталась большая афиша, в создании которой нередко принимали участие видные художники (Тулуз-Лотрек, например).
Представления в балагане обычно начинались в полдень и заканчивались часов в девять вечера. Каждый спектакль продолжался минут сорок; таким образом, в течение дня он повторялся пять-шесть раз. Репертуар балагана состоял из небольших интермедий, в которых принимали участие два-три актера, а также демонстрировались различные «диковинки». Среди них обязательно была русалка, разговаривающая со зрителями, живая голова на блюде, оживающие покойники, шпагоглотатели, жонглеры и фокусники. С середины XIX века непременными участниками балагана были силачи и борцы.
В подобных заведениях начинали многие впоследствии известные актеры, например В. Дуров. Балаганы описаны во множестве литературных произведений, поскольку авторами интермедий нередко являлись будущие известные писатели, например Н. Некрасов.
Среди живописных изображений выделяются прежде всего картины Б. Кустодиева.
БАЛЕТ – сценическое искусство, основанное на сочетании танца и музыки, или иначе – музыкально-хореографический спектакль, в котором органически сочетаются музыка, танец, драматическое действие и элементы изобразительного искусства.
Корни этого синтетического жанра уходят в глубочайшую древность. Памятники культуры Египта, Греции, Индии и других стран свидетельствуют о важной роли танца в жизни первобытнообщинного и рабовладельческого общества. Однако тогда это искусство существовало лишь как компонент определенных ритуальных церемоний.
Как самостоятельный вид искусства балет стал существовать лишь в эпоху Возрождения в Италии. Небольшие мимические и танцевальные сцены входили в состав маскарадов, шествий, пиров и даже турниров. В то время в них включались народные танцы с незамысловатой хореографией.
Только в эпоху классицизма, когда народные танцы стали «приспосабливать» к вкусам аристократии, бытовавшим при дворе короля Людовика XIV, сложились основные особенности балетной хореографии. Это произошло во Франции, поэтому именно эту страну считают родиной классического балета.
В конце XVII века балет был уже официально признан как одна из форм искусства. Чтобы содействовать его развитию, в 1661 году была основана французская королевская академия танца. Вначале в ней готовили танцовщиц для выступлений в дворцовом театре. В то время балет был составной частью «галантных» придворных увеселений (оперы-балеты Люлли, Рамо, комедии-балеты Мольера и т. п.).
На первых порах балет представлял собой массовый женский танец, исполнявшийся под музыку струнных инструментов. Он носил вспомогательный характер и входил отдельными эпизодами в драматические или оперные спектакли. Балетные представления были короткими и напоминали небольшие интермедии, необходимые прежде всего для иллюстрации музыки. Обычно они ставились между вторым и третьим актами оперы.
В ходе развития балетное искусство отразило черты последующих стилистических течений – классицизма, романтизма и модернизма. Постепенно балет становился более содержательным, совершенствовались жесты и движения, придумывались новые. Однако балет еще долго продолжали воспринимать как вспомогательный танец, а не как некое самостоятельное целое, со своими законами и образным рядом. От музыки требовался лишь удобный для танца ритм, поэтому до начала XIX века и не было создано сколько-нибудь значительных в музыкальном отношении произведений.
Практически одновременно с реформацией балета стала развиваться и хореография – приемы балетного танца. Традиционный, или классический, балет придерживался строгих правил и традиций. Существуют стандартные позиции для рук, ног и кистей, а также специальная техника сценического движения, которая обуславливает медленное и плавное перемещение актеров. В балетном театре впервые появляется балетмейстер-постановщик, создающий хореографическую драматургию спектакля. Необходимо назвать имена первых профессиональных балетмейстеров: Ф. Хельфердинк, Жан Жорж Новер (XVIII век).
Новая ступень в развитии балета наступила в первой половине XIX века, когда на многих балетных сценах мира работали такие известные хореографы, как Ш. Дидло, ставивший балеты на музыку А. Адана, Л. Делиба и других композиторов того времени.
Большую роль в развитии жанра сыграл романтический балет XIX века с его сказочными, фантастическими сюжетами и главенствующей ролью женских образов («Жизель» А. Адана, «Коппелия», «Фадетта» Л. Делиба и др.). Мужских ролей в то время еще не было, танцоры-мужчины использовались лишь для поддержек и мимических движений. Основу хореографии составляли женские характерные танцы.
Вторая половина XIX века и особенно начало XX века по праву считаются «золотым веком» русского балета. Крупнейшие композиторы – П. И. Чайковский, Ц. А. Кюи, А. П. Глазунов – создают жанр симфонического балета. Подлинный переворот был совершен П. И. Чайковским, написавшим три гениальных балета – «Лебединое озеро» (1876), «Спящая красавица» (1889) и «Щелкунчик» (1892). После этого к балету стали относиться как к искусству. Чайковскому удалось сделать балет драматическим произведением, в котором перед глазами зрителей не только проходит удивительная жизнь его героев, но и совершаются разнообразные удивительные превращения.
Сложная драматическая музыка получила интересное хореографическое воплощение благодаря работе таких балетмейстеров, как М. И. Петипа и М. М. Фокин. Они создали так называемый психологический танец, раскрывающий всю глубину переживаний героев. Мужской танец впервые становится равноправным компонентом постановки. Однако как самостоятельный вид хореографии он сложился лишь в начале XX века. О том, как выглядели представления того времени, мы можем судить по сохранившимся записям хореографии танцев. Благодаря им современные зрители могут увидеть постановки выдающихся балетмейстеров – М. И. Петипа, М. М. Фокина, Д. Баланчина.
Во всем мире не сходят со сцены балеты А П. Глазунова («Раймонда»), И. Ф. Стравинского («Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная»), С. С. Прокофьева («Ромео и Джульетта», «Золушка», «Каменный цветок»), Д. Д. Шостаковича, А И. Хачатуряна, К. Караева и др.
Поговорим теперь о тех, кто создает балетный спектакль. В современном балете очень велика роль балетмейстера. Обычно он является и постановщиком, и режиссером спектакля. Балетмейстер не только продумывает драматургию спектакля, но и ставит каждое движение актеров. Он должен представлять, как будет выглядеть будущий балет, как музыка, декорации, костюмы и танец объединятся в цельный образ. Главное для него – создать не просто красивый или увлекательный спектакль, но и динамичное повествование.
Среди величайших балетмейстеров всех времен и народов – французы Шарль Дидло, Морис Петипа (XIX век); русские Джордж Баланчин, Михаил Фокин, Леонид Лавровский (первая половина XX века), француз Морис Бежар, русские Леонид Якобсон, Борис Эйфман, Олег Виноградов, Юрий Григорович, Владимир Васильев (вторая половина XX века).
Конечно, особую роль в осуществлении замыслов играют и актеры. Не случайно говорят о русской или французской школе балета. Любопытно, что их синтез (французского мастерства и русской музыки, исполнительского мастерства) произошел в начале XX века и связан с именем балерины Анны Павловой (1881–1931). Солистка Мариинского театра, Павлова в 1909 году участвовала в «Русских сезонах» С. Дягилева, а потом с собственной труппой гастролировала по всему миру, выступая в главных партиях классического репертуара. Но прославилась она прежде всего исполнением сольной партии в хореографическом этюде «Умирающий лебедь» на музыку К. Сен-Санса.
Поделиться книгой: